누구에게나 매우 친숙한 유명한 그림입니다. 작가는 레오나르도 다빈치입니다. 이 그림은 화가가 그녀를 그릴 당시 불과 24세의 피렌체 모피 상인의 아내를 묘사하고 있으며, 그녀는 사랑하는 딸을 잃었고 종종 슬프고 우울했습니다. 화가는 자신의 초상화를 그릴 때 음악가들에게 연주와 노래를 부탁하거나 농담을 해서 밝은 분위기가 그녀를 웃게 만드는 등 다양한 방법으로 그녀를 웃게 만들었습니다. 그림 속 모나리자의 미소는 약하지만, 그녀의 눈썹에서 행복함이 느껴지며, 그녀의 얼굴에는 방금 미소가 스쳐간 것 같습니다. 살짝 올라간 입꼬리와 쭉 뻗은 미소 근육은 그림을 그리는 순간의 여성의 기분을 살짝 짐작하게 한다. 그러나 그녀의 고요한 태도는 그녀의 미소가 차분하고 감정적 동요를 일으키지 않음을 보여줍니다. 이는 고대 여성의 절제된 아름다움을 표현한 것입니다. 모나리자의 미소는 너무 매력적이어서 많은 미술사학자들은 그것을 '신비한 미소'라고 부른다.
기독교 금욕주의가 지배하던 시대에 여성의 행동에는 많은 제약이 따랐다. 그렇다, 그들은 기쁨과 고통을 표현할 수가 없다. 그렇지 않으면 그것은 신에 대한 '모독'이 될 것입니다. 일반적으로 상류층 여성들은 함부로 울고 웃는 것이 허용되지 않습니다. 따라서 중세 초상화는 일반적으로 무표정한 얼굴로 칙칙하고 뻣뻣하게 그려졌습니다. 레오나르도 다빈치는 인본주의적 사상의 영향을 받아 인간의 감정을 표현하기 위해 노력하기 시작했고, 모나리자의 진정한 모습을 그리기 위해 피부 밑에 숨겨진 얼굴을 탐구하기 위해 해부학과 생리학에 대한 연구도 진행했다. 신체 근육의 상태는 사람들이 편안하고 행복할 때의 심리적 변화와 반응 과정을 연구하는 데 사용됩니다. 이런 이유로 그는 먹는 것과 자는 것을 잊어버리고 때로는 바람에 의해 호수에 나타나는 잔물결이 그의 관심을 끌었고 그의 그림을 수정하도록 영감을 주기도 했습니다. 둘째, 구도적인 측면에서 레오나르도 다빈치는 과거 초상화에서 옆가슴이나 가슴을 사용하는 습관을 바꾸고 이를 정면 흉상 구도로 대체하여 원근점이 약간 올라가는 피라미드 형태의 구도를 갖게 하였다. 이렇게 <모나리자>는 더욱 위엄있고 안정감 있게 나타난다.
'모나리자'의 손도 있습니다. 이 부드러운 손은 매우 정확하고 통통하며 해부학적 구조와 완벽하게 일치합니다. 그녀의 성격과 부드러움, 그리고 그녀의 정체성을 보여줍니다. 수업상태. 이 손에서 우리는 화가의 뛰어난 그림 실력과 예리한 자연 관찰을 엿볼 수 있습니다. <모나리자>는 화려한 의상도 없고, 짙은 갈색 베일에 장식도 없고, 의상 패턴의 자연스러운 주름이 세심하게 그려져 있다. 부드러운 새틴의 질감을 표현하기 위해 글루 컬러를 혼합하여 사용하였습니다. 노출된 가슴은 이 여성의 건강함과 럭셔리함, 발랄한 아름다움을 드러낼 수 없습니다. 배경 처리에서 레오나르도 다빈치는 "공중 투시법"을 사용했습니다. 뒤쪽의 절벽, 길, 돌다리, 덤불 및 졸졸 흐르는 물은 모두 마치 가려진 것처럼 먼 깊이로 밀려납니다. 안개, '모나리자'의 이미지 위상을 강화하기 위해. 이렇게 작은 초상화를 그리는 데 4년이 걸렸다는 사실은 레오나르도 다 빈치가 단순히 귀족 부인의 초상화를 그린 것이 아니라 미술에도 관심을 두었음을 보여준다.
'모나리자'의 예술적 가치는 생생하고 생생한 초상화 퀼트에서만 생각할 수 없습니다. 더 중요한 것은 레오나르도 다빈치가 이 그림에 그의 진보된 예술, 즉 관찰하는 태도를 반영했다는 것입니다. 과학적 정신의 자연. 레오나르도 다빈치는 예술에서 자연과의 조화를 옹호했습니다. 그러나 신학사상에서는 인간을 죄의 화신으로 본다. 레오나르도 다빈치의 '모나리자'는 종교적 세계관과 완전히 반대되는 자연을 찬양하는 찬가이다. 그의 초상화는 삶의 의미와 아름다움에 대한 확실한 확언입니다.