프레드릭 프란시스크 쇼팽 프리드리히 프란시스 제이크 쇼팽 (18 10- 1849). 이 위대한 폴란드 음악가는 어려서부터 폴란드 민간 음악을 좋아했다. 일곱 살 때' 폴란드 댄스' 를 쓰고 여덟 살 공연을 한다. 스무 살도 안 되어 그는 바르샤바에서 공인한 피아니스트이자 작곡가가 되었다. 그의 후반생은 폴란드의 망국과 일치한다. 그는 외국에서 보냈고, 향수와 망국의 정을 표현하기 위해 애국적인 사상을 지닌 많은 피아노 작품을 창작했다. 그중에는' 제 1 서사',' A 장조 폴란드 댄스' 등 폴란드 민족 해방투쟁과 관련된 영웅작품이 있다. B 단조 혁명 연습곡, 해희곡과 같은 애국적인 열정으로 가득 찬 전투 작품이 있습니다. B 단조 소나타와 같이 조국의 운명을 애도하는 슬픈 작품이 있다. 조국과 친척을 그리워하는 판타지 작품도 있는데, 예를 들면 많은 야상곡과 환상이 있다. 쇼팽은 평생 피아노로 생계를 이어갔고, 거의 모든 창작은 피아노곡으로' 피아노 시인' 이라고 불렸다. 그는 늘 돈을 모아 외국 동포를 위해 공연하지만, 귀족을 위해 공연하기를 원하지 않는다. 1837 엄사는 러시아가 수여한' 러시아 황제 폐하의 수석 피아니스트' 의 직위를 거부했다. 만년 생활이 매우 외로워서, 그는 고통스럽게' 어머니로부터 멀리 떨어진 폴란드 고아' 라고 자칭했다. 임종 전에 그는 친척들에게 그의 심장을 조국으로 반송해 달라고 요청했다.
역대 음악가와 작곡가 중에서 쇼팽은 피아노 음악 창작에 창작을 집중시킨 유일한 대가였다. 그는 모든 재능과 정력을 키보드에 쏟았고, 스무 살에 완전히 자신의 스타일을 형성했다. 그는 건반 상상력을 부여하여 이 좁은 범위 내에서 새로운 세계를 창조했다. 그래서 그의 피아노 작품이 오케스트라를 위해 다시 쓰여졌을 때, 그들은 똑같이 좋고 심지어 더 좋게 들렸다. 그러나 쇼팽은 피아노에서 오케스트라를 모방하려 하지 않았다. 그는 피아노로 다른 어떤 악기보다 음악을 더 잘 표현할 수 있다. 연주에서 그는 더 표현력이 뛰어난 연주 방법도 만들었다. 피아노의 한계 중 하나는 어떤 길이로도 지속적인 음조를 연주할 수 없다는 것이다. 그러나 쇼팽은 동음자를 교묘하게 이용해 이 한계를 반복적으로 극복했다. 그는 페달로 저음에서 멀리 떨어진 화음을 연속해서 멜로디의 매혹적인 음표를 만들었다. 그의 음악에서 정교한 장식, 즉 비브라토, 장식성 음표, 전환구는 신기하게 그 음조들을 연장했다. 이 모든 것은 항상 자연스럽게 안배되어 있는데, 음악은 마치 스스로 부르는 것 같다.
쇼팽의 창작은 바르샤바, 바르샤바 봉기, 파리 전성기, 후기의 네 기간으로 나눌 수 있다.
소수의 작품을 제외하고 바르샤바 시대의 창작은 쇼팽의 전체 창작에서 중요한 위치를 차지하지 않았다. 그러나 쇼팽의 일생 창작의 출발점으로, 이미 민족 감정과 민족 풍격의 광채가 빛나고 있다. 바르샤바의 생활은 쇼팽에게 즐겁기 때문에 이 시기의 작품 기조는 낙관적이고 명랑하다. 그러나 나이와 경력의 관계로 그의 이 시기 작품의 사상 깊이는 제한되어 있다. 음악학원에서 공부하는 동안 그는 바르샤바의 음악생활에 참여했을 뿐만 아니라 진보적인 작가와 시인들을 광범위하게 접했다. 바로 이 시기에 쇼팽은 민족 해방과 문학 낭만주의의 영향을 많이 받았다. 이것은 그가 민족주의 음악가가 될 수 있는 토대를 마련했다. 이 시기 가장 중요한 작품은 1830 이 만든 피아노 협주곡 두 곡입니다. 두 번째 피아노 협주곡 마지막 악장의 주제는 단순하고 아름다운 마주카 댄스 스타일이고, 첫 번째 피아노 협주곡 마지막 악장의 주제는 강하고 거친 멜로디로, 강렬한 클라코비아크 댄스 스타일을 띠고 있다.
바르샤바 봉기 기간 동안 쇼팽의 창작은 비약이 있었다. B 단조 개그곡은 내가 비엔나에 머무는 동안 창작한 것이다. 봉기가 일으킨 애국적인 열정과 조국 친족에 대한 그리움이 얽혀 엄하고 부드러운 시편을 이루었다. C 단조 연습곡' (일명' 혁명 연습곡') 과' D 단조 전주곡' 은 바르샤바의 함락을 알게 된 뒤 창작한 것으로 분노와 슬픔과 엄격한 훈련의 예술 형식의 완벽한 통일을 이루며 쇼팽의 초기 음악 창작의 대표작이 됐다. 동시에, A 단조 전주곡은 곤혹스러움으로 가득 차 있고, 음악 구상은 특이하고 참신하다.
패리스 창작의 전성기에 그의 깊은 민족 내포, 독창적인 예술 형식, 능숙한 음악 풍격이 그의 예술을 완벽하게 만들었다. 그의 창작에는 피아노 음악의 다양한 장르가 관련되어 있다. 연습곡, 전주곡, 마주카 무곡, 보로네즈 무곡, 야곡, 원무곡, 즉흥곡, 더 복잡한 서사곡, 희극곡, 소나타에 이르기까지 풍성한 예술적 성과를 거두었다. 폴로네즈 댄스곡은 쇼팽의 이 시기 창작 중 가장 격렬한 장르이다. 초창기 폴로네즈 댄스곡에서 외적인 화려한 효과를 중시하는 경향은 깊고 강한 민족정신과 소박하고 당당하고 호방한 예술스타일로 대체되었다. A 장조 폴로네즈 댄스곡을 낮추는 것은 이런 음악 중에서 가장 단호하고, 가장 용감하고, 가장 웅장하고, 가장 장엄한 곡이다. 그 테마의 리듬은 단호하고 힘이 있으며, 멜로디는 열렬하고 호쾌하며, 대조식과 조화가 뚜렷하여 불요불굴의 민족 영웅 이미지를 구현한다.
후기 창작은 뚜렷한 하락 추세를 보였다. 판타지 보로네즈' 는 이 시기의 중요한 작품이다. G 단조 마주카와 F 단조 마주카는 쇼팽의 마지막 두 작품이다. 전자는 친절하고 따뜻한 노래로 생명에 대한 마지막 미련을 표현했다. 후자는 은은한 슬픔 속에서 고국 친족에 대한 마지막 그리움을 토로했다.
쇼팽은 음악 문화에서 가장 위대한 멜로디 작곡가 중 한 명이다. 멜로디 창작에 대해 말하자면, 우리는 쇼팽을 생각해야 한다. 그는 민족 음악가로, 그의 애국적인 열정은 그의 많은 작품에 반영되어 있다. 예를 들어 그의 첫 번째 가요는 그의' 혁명' 연습곡이 대표적이다. 슈만의 문장 속에는 ".쇼팽의 작품은 꽃 속에 숨어 있는 대포이다." 그의 진한 민족과 민주적 색채를 지닌 꽃 같은 음악에는 폴란드 국민의 애국 열정을 불러일으킬 수 있는 충분한 성분이 있다. 그의 작품에는 애국적인 열정과 민족 음악적 요소가 모두 있다. 이것은 그의 애국주의뿐만 아니라 그의 창작에도 반영되어 폴란드 민족 음악의 독특함으로 가득 차 있다. 쇼팽의 음악의 전반적인 특징은 진실하고, 열렬하며, 부드럽고, 광활하며, 슬라브 민족 음악의 특징에 부합한다. 또한 쇼팽이 음악 작품에서 다양한 멜로디 변주를 자주 사용한다는 것도 어렵지 않다. 변주곡으로 발전하는 것이 더 많은데, 이는 폴란드 민간 음악의 주요 특징 (예: 변주곡) 이기도 하다.
앞서 언급한 특징은 쇼팽 음악의 민족성을 반영한 것일 뿐, 그의 가장 중요한 멜로디 창작 특징은 성악과 기악의 완벽한 결합이다. (쇼팽 음악의 독창성을 잘 증명할 수 있다) 폴란드의 민간 음악에서는 성악과 기악이 모두 인기가 있다. 그의 민요는 단음으로, 늘 복잡하지 않은 반주가 있고, 기악의 음조도 자주 민가에 스며든다. 쇼팽은 이 특징을 이용했다. 그의 음악에서 많은 멜로디는 노래의 곡식에서 기악의 곡으로 자유롭게 바뀌거나 기악의 음조가 성악으로 대체된다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 음악명언) 노래와 기악을 결합한 가장 강력한 증거는 쇼팽의 서사곡이다.
쇼팽 음악의 사상적 가치가 높은 것은 19 세기 30-40 년대 유럽 자산계급 민족운동의 전반적인 추세를 반영해 억압받고 노예가 된 폴란드 민족의 분노에 반항하는 목소리를 외쳤기 때문이다. 쇼팽의 음악은 강렬한 폴란드 민족 스타일을 가지고 있다. 민악에 대한 그의 태도는 매우 진지하다. 그는 호기심에 반대하면서 동시에 그것에 얽매이지 않고 항상 민악의 특징을 이해하고 재창조하려 한다. 그는 당시 서유럽이 음악 창작 수단에서 얻은 경험과 성과에 대해 깊은 이해와 숙달을 가지고 있으며, 이를 자신의 창작의 출발점으로 삼아 자신의 음악이 고전 전통과 깊은 연관이 있는 엄밀하고 완전한 예술 형식을 갖게 했다. 과감하게 전통을 돌파하고 과감하게 혁신하다. 이는 특히 전주곡, 연습곡, 서사곡, 야곡, 즉흥곡, 해희곡 등 일련의 음악 장르의 잠재적 예술 표현에 대한 심도 있는 발굴과 풍부함을 보여 새로운 사회 내용을 부여했다. 그의 멜로디는 감정 표현이 높고 개성이 풍부하다. 그의 하모니 언어는 참신하고 대담하며 피아노 직물은 섬세하고 다채롭다. 이 모든 요소들이 결합되어 새롭고 독특한 쇼팽 스타일을 형성하여 유럽 음악의 역사 발전에 기여하였다.
이호 연주의 예술적 표현력과 감화력을 논하다
민족 음악이 발달하면서 이호라는 전통 악기가 점점 더 사랑받고 있다. 음색이 아름답고 서정적이며 표현력이 풍부한 특징을 가지고 있다. 그것은 중국의 주요 현악기 중 하나로 독주 합주 반주에 중요한 역할을 한다.
모든 이호 연주가들은 정교한 기교로 아름다운 목소리를 연주하고, 심오하고 감동적인 완벽한 예술을 보여주고자 하는데, 어떻게 노력해야만 원하는 효과를 얻을 수 있을까? 이 글은 이호 연주 감각의 관점에서 이호 연주의 예술적 표현력과 감화력에 대해 이야기해 본다.
동작의 소리 느낌
동작은 기교를 익히는 관건이며, 종합기술훈련의 기초이자 연주 중 음악 표현의 기본 수단이다. 그래서 동작이 규범적인지 아닌지는 공연에 직접적인 영향을 미친다. 동작의 느낌은 양손 동작의 심리적 감응이다. 하나는 왼손 모양의 느낌, 즉 자연스럽게 긴장을 풀고 손바닥을 아래로 향하게 하는 것이다. 음의 4 는 아래로 구부러지고, 손가락은 독립적이어야 하며, 손가락은 힘이 유연해야 한다. 두 번째는 오른손이 힘을 내는 느낌, 즉 힘의 방향과 활의 길이다. 네 손가락의 활을 잡고 형성된 발력점은 어깨에서 어깨까지 일종의 압력과 반압력을 형성하는 것이다. 내외현을 연주할 때는 내장외볼록 느낌이 있어야 합니다.
음악 연주에서 뇌는 음악적 감각이 동작으로 바뀌는 전 과정을 주도한다. 이때 신경을 써서 소리를 느끼고, 긴장이나 불필요한 동작을 피하고, 활을 장악하는 압력과 오른손을 잡는 조화로운 동작 감각을 찾아야 한다. 예를 들어 빠르게 활을 들어 현을 바꾸는 동작을 할 때 활을 들어 올리는 동작은 대략' 손가락 주동',' 팔뚝 주동',' 손가락 손목 결합' 으로 나눌 수 있어 음질을 보장하면서 편안함을 느낄 수 있다.
기교의 음색 느낌
기교는 연주 동작의 조화와 운용이다. 기교라는 음색감각은 연주자의 음악 작품에 대한 대응 능력을 말한다. 기법에 따라 연주되는 음색은 다르다. 풍부한 음색 변화를 연주할 수 있는지 여부는 연주자의 사고 통제 하에 있는 기술의 숙달 정도에 따라 달라진다. 이호의 음색은 풍부하고 다양해서 각종 활음, 장식음, 유연현, 활변 등을 포함한다. 이런 기교들은 종종 서로 다른 조합으로 많은 음악 풍격에 나타나 공연을 더욱 표현력있게 한다.
헤겔은 "정신적 내포를 적절한 방식으로 조직의 목소리로 표현해야 음악이 진정한 예술이 될 수 있다" 는 명언이 있다. 이 말은 예술은 생동적이고, 기술은 교묘하며, 기술의 응용은 놀이의 느낌을 위주로 한다는 것을 보여준다. 연주자는 음악작품의 요구에 따라 기법과 교묘하게 결합해 음악의 내포를 표현하고, 변화무쌍한 음색으로 사람의 내면의 감정 세계를 밝혀야 음악예술의 완벽한 형태를 표현할 수 있다. 이호의 음색 특징은 굵고 굵고, 가늘고 가벼우며, 원과 윤기, 어두움, 밝음 등이다. 연주 기술의 관점에서 볼 때, 다른 음색의 운용은 단일한 것이 아니다. 강함, 가벼움, 섬세함, 깊이, 건조, 만점, 뾰족함이 모두 조합될 수 있으며, 예술적 표현의 필요에 따라 전환된다. 따라서 연주자는 음악의 음색 변화를 처리할 때 다음과 같은 점을 잘 파악해야 한다. 첫째, 다른 음색의 청각 개념과 그에 상응하는 기교를 익히려면 연주자가 다른 음색에 대한 분별력을 끊임없이 높여야 한다. 둘째, 연주할 때는 먼저 음악의 배경, 주제, 멜로디, 특징을 분명히 한 다음, 그 기법을 어떻게 운용할 것인지를 고려해야 한다. 연주자는 음악의 다양한 스타일, 의경, 음조에 따라 음조와 멜로디 처리에 적절한 기교를 적용해 생생한 음악적 이미지를 만드는 데 집중해야 한다. 서로 다른 음악적 변화는 그에 따른 연주 방법에서 비롯된다. 어떤 연주자들은 연주할 때 음악의 스타일과 분위기를 고려하지 않고 연주 기교의 음향 효과를 잘 이해하고 감상하지 못한다. 이런 기계적 반응이 어떻게 음악의 예술적 표현력과 감화력을 나타낼 수 있을까? 우수한 이호 연주자로서 기술훈련에 치중하는 동시에 이호 음색에 대한 심도 있는 학습과 음악에 대한 깊은 이해를 강화해야 연주감을 정확하게 찾아 연주에 힘을 불어넣을 수 있다.
숨쉬는 심리적 감각
서클 사람들은 종종 이렇게 말합니다. "적절한 조정을 하면 재미있는 것을 알 수 있다." " 실제로, 연주 시의 감정 표현, 음악의 내면의 리듬, 소리에 대한 숙달은 모두 숨결 운용과 직접적인 관계가 있다. 성악을 배우든 악기를 배우든, 노래를 부르거나 연주할 때 컨디션을 어떻게 사용하느냐에 따라 달라진다. 숨결이란 매력이다. 음악 멜로디의 급소를 파악해야만 그 독특한 내포를 구현할 수 있다. 모든 연주자는 음악 과정의 호흡감을 세심하게 설계하고 처리했고, 스타일과 내포가 다른 음악은 서로 다른 정신적 면모를 보였다. 음악을 연주하는 과정에서 숨결 활용은 연주자에게 매우 중요하며 음악 표현력을 높이는 데 필요한 조건임을 알 수 있다. 힘의 통제, 악문의 말투, 멜로디의 흐름, 의지의 내면적 표현이 관련되어 있다.
숨결 (호흡) 의 느낌은 음악에 대한 이해와 느낌에 달려 있다. 연주 중 호흡의 운용은 음악 내용, 리듬, 힘, 속도, 연주 기법 등 다양한 요인에 의해 제약을 받아 연주의 수요에 적응한다. 숨을 제대로 운용하면 생동적이고 정확하며 매끄러운 느낌을 줄 수 있다. 음악의 정서에 따라 숨결이 두 손의 위치를 주도할 수 있다. 즉, 호흡의 운용은 형태 동작과 밀접한 관련이 있다는 것이다. 공연 형식에서는 손의 개폐, 팔의 확장과 폐쇄, 상체의 팽팽함은 모두 호흡, 열기, 흡입, 확장, 흡수, 시작, 숨쉬기와 조화를 이룬다. 음악에서의 숨결은 주로 문장의 시작, 문장의 끝, 절 사이의 연결, 경중, 다른 음절의 변화에 나타난다.
끊임없는 연습과 경험만이 선수들의 적극성을 자극하는 데 도움이 된다. 기본기와 기교가 좋은 사람도 있지만, 음악을 연주할 때 종종 중단되기 때문에 음악을 완벽하게 표현할 수 없다. 주된 문제는 지속적인 음악적 사고력과 음악적 감정을 표현하는 호흡심리 감각이 부족하다는 것이다.
이호의 연주는 그 독특한 예술적 표현력과 감화력을 가지고 있다. 연주자로서 탄탄한 기본기와 이론적 기초뿐만 아니라 강력한 음악 혁신 능력도 있어야 한다. 음악의 표현은 소리의 느낌에서 비롯된다. 공부와 연습 과정에서 이호를 연주할 때의 다양한 느낌을 키우고 보완해야 연주자가 작품을 다루는 능력을 지속적으로 향상시켜 이상적인 연주 효과를 얻을 수 있다.