1. 프랑스
'뉴 아트'의 발상지인 프랑스는 탄생 직후 두 개의 중심지를 형성했습니다. 하나는 수도 파리이고, 다른 하나는 낭시입니다. ). 그 중 파리의 디자인 범위에는 가구, 건축, 인테리어, 공공시설 장식, 포스터, 기타 그래픽 디자인이 포함되며, 후자는 가구 디자인에 중점을 두고 있다. 교량 기술자 구스타브 에펠(1832~1923)이 1889년에 설계한 에펠탑은 프랑스 '아르누보' 운동의 고전적 디자인 작품이라 할 수 있다. 이 기념비적인 건물은 세느강 유역에 위치해 있으며, 프랑스 혁명 이후 프랑스 정부가 그 업적을 보여주기 위해 건설했습니다. 700개가 넘는 디자인 제안 중 금속구조 디자인을 과감하게 도입한 에펠의 계획이 단숨에 낙찰됐다. 탑의 높이는 328m이며, 지면과 75도 각도로 4개의 거대한 지지대가 있어 포물선 모양으로 하늘로 솟아오릅니다. 타워 전체에는 1,500개가 넘는 거대한 빔과 250만 개의 리벳, 총 무게가 8,000톤에 달하는 이 건물은 현대 과학문명과 기계력을 상징하며, 철강 시대의 도래와 새로운 디자인 시대를 예고한다.
프랑스의 '아르누보' 운동 기간 동안 파리와 낭트에서는 아르누보 하우스, 모던 하우스, 그룹 오브 식스 등 3개의 디자인 조직이 등장했을 뿐만 아니라 다수의 유명 디자이너들이 등장했다. House of Art Nouveau는 1895년 파리의 22 rue de Provence에 Samuel Bean이 오픈한 House of Art Nouveau라는 스튜디오 및 디자인 사무소의 이름을 따서 명명되었습니다. Julius Meyer-Graffi의 "Modern House" 디자인 사무소의 이름을 따서 명명되었으며 1898년 Julius Meier-Graefe가 파리에 "Maison Moderne"이라고 불리는 전시 센터를 열었습니다. 그룹오브식스(Group of Six)는 1898년 결성된 6명의 디자이너로 구성된 루즈한 디자인 그룹이다. 이 세 조직 안팎의 유명 디자이너로는 Emile Galle(1846-1904), Louis Major Elle(1859-1926), Rane Laliqua 1860~1945) Eugène Grasset(Eugene Grasset 1841-1917), Jules chéret(Jules chéret), 툴루즈 로트레크(1864~1901) 피에르 보나르(1864~1901) 피에르 보나르 1867~1947), 헥터 기마르(1867~1942).
Amile Garay는 Nans School의 창립자입니다. 그의 디자인 예술 업적은 주로 유리 디자인에 반영됩니다. 그는 재료에 맞는 다양한 장식을 과감하게 탐구하여 매끄럽고 비대칭적인 형태와 풍부한 색상의 절묘한 표면 장식을 탄생시켰다. 그의 유리 디자인은 둥근 모양에 대한 선호, 선의 기교적인 사용, 꽃무늬 처리에 있어서 탁월한 기술을 보여줍니다. 일반적으로 사용되는 패턴은 크리미한 질감에 반사된 자연의 꽃, 잎, 식물 줄기, 나비 및 기타 날개 달린 곤충입니다. 또한, 그가 디자인한 가구는 그의 유리 디자인 작품과 동일하며, 장식적인 주제는 주로 이국적인 식물과 곤충 모양이다. 피어나는 꽃과 얽힌 꽃과 잎은 이 작품의 독특한 표면 장식 효과를 구성하며 상징성이 특징이다. . 그는 종종 상감세공을 장식에 사용하여 자신이 디자인한 가구를 아름답고 우아하게 만들었습니다. 그의 가장 유명한 가구 디자인은 1904년에 디자인된 '나비침대'이다. 나비의 몸통과 날개에 사용된 유리와 자개는 얇은 피부를 전달하고, 나무의 흑백이 번갈아 나타나는 무늬는 나비의 무늬를 재현한다. 날개.
루이 마조렐도 유고슬라비아의 대표다. 그의 디자인 업적은 주로 가구 철기류에 반영됩니다. 에밀 가라이(Emile Garay)와 마찬가지로 루이 마요렐(Louis Majorel)의 작품에는 신라 코코아 문양, 일본식, 유기적 형태, 자연에서 영감을 받은 형태와 장식 등 이국적 요소와 전통적 요소가 혼합되어 있습니다. 그의 작품의 구성과 장식은 둥근 윤곽선과 경사진 선으로 인해 유동적인 리듬을 표현하여 조각적인 느낌을 줍니다. 그의 디자인에서는 기능이 장식에 종속되는 특징이 매우 뚜렷하다. 마조렐의 가구 디자인 분야에서의 뛰어난 업적으로 인해 "마조렐 스타일" 가구로 알려져 있습니다.
르네 라리크의 디자인 업적은 주로 주얼리에 반영된다.
그의 작품은 섬세하고 고급스러운 프랑스 아르누보 스타일의 최고의 증거이다. 그는 주얼리 디자인에 자연에서 얻은 장식 패턴을 많이 사용하는데, 그 중 식물과 곤충 패턴이 가장 흔하며 기이한 형태로 가공된다. 또한 모조 보석, 유색 금, 에나멜, 불규칙한 진주, 반투명 모서리 등 그가 선택한 재료도 상상력이 풍부합니다. 여성의 몸은 Lalique 디자인에서 가장 좋아하는 또 다른 테마입니다. 보석의 여성 신체는 섬세하게 조각되어 있으며 실물과 같습니다. 예를 들어 그가 1895년 프랑스 미술가 살롱에 보낸 전시품 중에는 특히 매력적인 잠자리 장신구가 있었습니다. 라리크는 이 특이한 브로치를 벌거벗은 여성의 몸으로 장식했습니다. 아르누보 주얼리 중 최초로 여성의 누드가 등장한 이 작품은 곧 다른 유럽 국가 디자이너들의 모방 대상이 되었습니다.
라리크 이후 아르누보 주얼리 디자인에 큰 업적을 이룬 사람은 외젠 그라세트다. 그가 디자인하는 주얼리는 독특하고 독창적이며 열정, 상상력, 환상으로 가득 차 있습니다. 가장 유명한 작품 중 하나는 "Sylvia" 펜던트입니다. 보태니컬 패턴이 특징이며 메탈 프리 베이스 에나멜과 담수 진주로 제작되었습니다.
아르누보 시대 프랑스의 포스터 등 그래픽 디자인 역시 매우 뛰어나며 현대 상업 광고의 발상지로 디자인계에서 인정받았다. 1866년 그래픽 마스터인 Jules Scherin은 영국에서 배운 컬러 리소그래피 기술을 광고 인쇄에 적용하여 이 방법을 대중화했으며 현대적인 "광고의 의미"로 알려졌습니다. 평생 동안 그는 로코코 라인과 밝은 컬러 블록이 특징인 수백 장의 포스터를 디자인했습니다.
Scheret 이후 포스터 디자인은 급속히 발전하여 유명 작가들이 대거 등장했는데, 그 중 툴루즈 로트렉의 포스터는 밝은 색상의 평면 블록을 사용했고, 피에르 보나르의 포스터는 굵은 글씨와 굵은 선을 사용했습니다. 여전히 인상적입니다. 툴루즈 로트레크가 디자인한 <해피 퀸>, <제인 아브르>, <물랑 루즈> 카바레 공연 포스터는 새로운 아트 그래픽 작품의 대표작이라 할 수 있다. 그의 포스터는 선을 사용하여 사물과 인물의 윤곽을 잡아주고, 일상생활의 주제를 선택하여 사람들이 친근감을 느끼게 합니다. 가장 독창적인 점은 캐릭터의 과장된 표현, 텍스트와 그래픽의 기발한 배치, 강력한 대비 등이다. 알폰스 무사가 디자인한 포스터와 포스터는 곡선, 자연스러운 형태, 높은 장식성, 평면적 효과 등 아르누보 운동의 강한 특징으로 인해 아르누보 운동의 가장 뛰어난 그래픽 디자이너로 알려져 있다. 불완전한 통계에 따르면 무사는 일생 동안 거의 100개의 포스터를 디자인했는데, 이는 일본의 우아한 윤곽선과 밝은 색상 블록이 비잔틴과 무어 예술의 기하학적 장식과 혼합된 스타일이었습니다. 비잔틴 양식이 물씬 풍기는 이 포스터는 천사, 종려나무 잎, 모자이크로 둘러싸인 이상적인 여성 인물을 특징으로 하며 광고 포스터를 미술의 수준으로 끌어올린다(그림 3-9). 예를 들어, 그가 1893년에 디자인한 "JANE AVRIL"의 포스터는 이러한 스타일의 가장 전형적인 예입니다.
헥터 키마의 작품은 프랑스 아르누보 건축의 최고 성취를 구현하고 있다. 그의 가장 중요한 디자인은 파리 지하철 시스템의 일련의 입구였습니다. 20세기 초에 그는 파리 시청으로부터 100개가 넘는 지하철 입구를 디자인하도록 의뢰받았습니다. 이 건축 구조물은 기본적으로 청동과 기타 재료로 만들어졌습니다. 금속으로 제작되었습니다. 자연주의의 특성을 최대한 살려 식물의 구조를 본떠 디자인한 이 출입구의 천장과 난간은 특히 꼬인 나뭇가지와 얽힌 덩굴을 식물의 형태로 형상화했다. 조개., 대단해! 입구, 난간, 간판, 기둥, 전등은 유기적이고 추상적인 형태의 조화로운 혼합을 만들어냅니다.
2. 벨기에
벨기에의 아르누보 운동은 프랑스에 이어 두 번째입니다. 주요 디자인 조직으로는 1884년에 설립된 "Group of Twenty"와 나중에 이름이 변경된 Free Aesthetic Society가 있습니다. 중요한 대표자로는 Victor Horata(1867-1947)와 Henry Van de Velde(1863-1957)가 있습니다.
Henry Van de Velde Wilder는 후기 벨기에에서 가장 뛰어난 디자이너, 디자인 이론가 및 건축가라고 할 수 있습니다. 19세기와 20세기 초. 기계에 대한 확언, 디자인 원리 이론, 디자인 실천으로 인해 그는 현대 디자인 역사상 가장 중요한 창시자 중 한 사람이 되었습니다. 그는 1906년 독일 바이마르에 미술공예학교를 설립했는데, 이 학교는 독일 현대 디자인 교육의 초기 중심지가 되었고, 이후 세계적으로 유명한 바우하우스 디자인 학교가 되었다.
벨기에에 머무는 동안 Wilder는 'Art Nouveau' 스타일의 가구, 인테리어, 염색 및 직물 디자인과 그래픽 디자인에 종사했으며 'Group of Twenty'와 'Free Aesthetic Society'의 주요 리더였습니다. , 그는 벨기에 아르누보 디자인 운동을 이끌었습니다.
벨기에 아르누보 운동은 벨기에 디자인 역사상 아방가르드 운동으로 알려져 있다. 1880년대에 시작되었습니다. 1881년 옥타브 모스는 새로운 예술적 아이디어를 홍보하기 위해 민주적인 예술 출판물인 L'Art Moderne을 창간했습니다. 그의 조직 아래 예술과 디자인 개혁에 관심이 있는 젊은이들의 그룹은 1884년에 전위 그룹인 Groupe des Vingt를 결성했습니다. 그들은 당시 유럽에서 가장 전위적인 예술을 선보이기 위해 일련의 미술 전시회를 열었습니다. 그의 작품을 통해 벨기에인들은 당시 아방가르드 예술의 발전을 이해하고 현대 미술 사상을 접할 수 있었습니다. 20명의 그룹은 Wilder를 리더로 선출하고 1891년부터 매년 디자인 살롱을 열어 다양한 제품 디자인과 그래픽 디자인을 선보였습니다. 1894년에 이 그룹은 "자유미학협회"로 이름이 바뀌었습니다. 개인 디자인에 있어서 Wilder의 디자인은 곡선을 많이 사용하는데, 특히 꽃, 식물, 가지가 얽혀 복잡한 패턴을 형성합니다. 이것은 그래픽 디자인과 텍스타일 패턴 디자인에 가장 잘 반영되어 있으며 Wilder의 독특한 형식 언어를 사용하여 식기류, 주얼리, 캔들 홀더, 찻주전자 및 기타 실용적인 아이템의 디자인은 모두 그의 아르누보의 강한 리듬을 전달합니다. . 그는 자연의 직접적인 모방을 넘어 생생하고 추상적인 선을 발견할 수 있었고, 그러한 선이 자연의 본질이라고 믿었다. "선은 힘이다"는 "새로운" 장식의 기초가 되어야 한다. 그가 1899년에 디자인한 캔들 홀더는 디자이너의 선 이론을 교묘하게 정교하게 구현하고 가지 선의 리듬을 추상적으로 배열된 곡선으로 성공적으로 변환한 작품입니다.
Victor Horta는 주로 건축과 인테리어 디자인에 종사하는 급진적 민주주의자입니다. 그의 건축 디자인에는 두 가지 분명한 특징이 있습니다. 첫째, 장식에 중점을 두고 있으며 '채찍 로프' 라인에서 영감을 받았습니다. 어디에서나 볼 수 있으며 벽 장식, 문 및 계단에서 매우 두드러집니다. 둘째, 건물의 노출된 철 구조물 및 유리 표면입니다. Tassel Mansion은 Horta의 초기 걸작 중 하나입니다. 건축 디자인은 나뭇잎, 가지, 두루마리의 미세한 패턴의 물결 모양 움직임을 기반으로 합니다. 내부는 화려한 아르누보 디자인을 따르고 있습니다. 스테인드 글라스 창문과 모자이크 타일 바닥이 있는 입구 홀과 계단은 연철 난간, 기둥과 수도, 능선 아케이드 및 계단의 둥근 윤곽의 복잡한 패턴을 반영하는 복잡한 선 패턴으로 장식되어 있습니다. Horta Mansion은 Victor Horta의 디자인 경력의 정점이자 아르누보 건축의 이정표입니다.
4. 스페인
안토니 가우디(Andonni Gaudi, 1852-1926)는 스페인 아르누보 운동의 가장 중요한 대표자이다. 그는 독특한 스타일을 지닌 건축가이자 디자이너로서 평범한 구리 세공인의 아들로 태어났습니다. 그는 평생 폐렴에 시달려왔고 어렸을 때부터 침묵을 지켰다. 그는 17세에 바르셀로나에서 건축을 공부하기 시작했으며, 그의 디자인 영감은 주로 그가 읽은 책에서 나왔습니다. 그의 초기에는 아랍-무어 스타일의 특징이 강했는데, 이는 그의 디자인 경력의 "아랍-무어 스타일" 단계였습니다. 이 단계에서 그의 디자인은 단순히 복고풍이 아니라 다양한 재료를 혼합하여 절충적입니다. 이 스타일에 속하는 전형적인 디자인은 1883년에서 1888년 사이에 건축된 바르셀로나 캐롤라인 지역의 Vincennes 아파트입니다. 이 디자인의 벽은 상감 장식을 위해 다수의 유약 세라믹 타일을 사용합니다. 고티는 중년부터 고딕 양식의 특징을 자신의 디자인에 접목시켜 아르누보의 유기적 형태와 곡선적 스타일을 극한까지 발전시켰으며, 신비롭고 전설적인 은유적 색채를 무심해 보이는 디자인에 담아내었다. . Gotti의 가장 창의적인 디자인은 Casa Batllo로, 그 모양은 해양 동물 디테일로 바다를 상징합니다. 건물 전체가 첫눈에 혁신으로 가득 찬 느낌을 줍니다. 1층과 2층의 돌출창을 이루는 뼈 모양의 석조 프레임, 외벽 전체를 덮고 있는 스테인드글라스 상감, 화려한 기와는 색다른 연속성을 선사하며 건물에 무한한 생명력을 부여한다.
아파트의 창문은 벽에서 자라난 것처럼 디자인되어 이상한 물결 모양 효과를 만들어 냈습니다. 나중에 그는 Batlló의 아파트 형태를 더욱 발전시킨 Casa Mila를 디자인하여 일련의 수평 물결 모양으로 처리했습니다. 다층 건물의 높은 처짐이 표면의 수평 기복을 보완한다는 것입니다. 아파트는 외부가 물결 모양일 뿐만 아니라 내부도 직각이 아니며, 가구를 포함하여 직선과 평평한 표면을 최대한 피합니다. 그가 사용한 포물선형 아치는 서로 다른 경간으로 인해 서로 다른 높이의 지붕을 생성하여 건물 전체가 녹는 아이스크림처럼 보이는 놀라운 옥상 풍경을 만들어냅니다. 극단적인 스타일로 인해 Apartment Mira는 바르셀로나 시민들의 비판을 불러일으켰고, 신문에서는 Quarry the Pate the Hornets'nest(The Quarry the Pate the Hornets'nest)와 같은 다양한 별명으로 디자인을 공격했습니다.
고티의 모든 디자인 중에서 오늘날 가장 중요한 것은 그가 43년 동안 작업했으며 죽을 때까지 여전히 미완성이었던 사그라다 파밀리아(Sagrada Familia)입니다. 교회는 1881년 가우디의 의뢰로 설계를 받았고, 1884년부터 공사가 시작됐다. 완공하는 데 42년이 걸렸고, 주로 재정 부족으로 인해 건설이 여러 번 중단됐다. 교회의 디자인은 주로 중세 고딕 건축 양식을 모방했습니다. 원래 디자인에는 12개의 첨탑이 있었지만 4개만 완성되었습니다. 첨탑은 고딕적인 매력을 간직하고 있지만 구조는 훨씬 간결해졌습니다. 교회 내부와 외부는 종유석 스타일의 조각과 장식으로 덮여 있으며, 그 위에는 색유리와 돌이 붙어 있어 마치 신화의 세계에 있는 것 같습니다. 직선이 없고, 명확한 규칙이 없으며, 세계의 산업 스타일에 도전하는 분위기로 가득 차 있습니다.
스페인 '아르누보'의 또 다른 대표자는 루이 도메니코 몬타네르(Louis Domenico Montaner, 1850-1930)이다. 그의 디자인 스타일은 기본적으로 프랑스와 벨기에 스타일과 조화를 이루고 있지만, 기능성에 더 중점을 두고 있다. 대표적인 디자인은 카탈랄란 콘서트홀이다.
5. 오스트리아
오스트리아의 아르누보 운동은 비엔나 분리파에 의해 시작되었습니다. 1897년에 설립된 아방가르드 예술가, 건축가, 디자이너 그룹으로 원래는 오스트리아 미술 협회(Austrian Fine Art Association)로 알려졌습니다. 나중에 그들은 전통 예술과 정통 예술과의 분리를 선언했기 때문에 스스로를 "탈퇴"라고 불렀습니다. 슬로건은 "시대를 위한 예술, 예술을 위한 자유"(Der Zeit Ihre Kunst-der Kunst Ihre Freiheit)입니다. 주요 대표자는 건축가 Otto Wagner(1841-1918), Joseph Hoffmann(1970-1956), Joseph Oblrich(1867-1908), Koloman? Koloman Moser(1868-1918) 및 화가 Gustav Klimit 등입니다.
바그너는 초기에 건축 디자인에 종사하며 자신의 이론을 발전시킨 오스트리아 아르누보의 옹호자였습니다. 그는 초기에는 고전주의를 동경했으나, 이후 산업기술의 영향을 받아 점차 자신만의 새로운 견해를 형성해 나갔다. 그의 가르침은 1895년에 출판된 책 "현대 건축"(Moderne Architektur)에 집중되어 있습니다. 그는 새로운 구조와 새로운 재료는 필연적으로 새로운 디자인 형태의 출현을 가져올 것이라고 지적했다. 건축 분야의 복고풍 스타일은 현대인을 위한 것이지 고전적인 부흥을 위한 것은 아니다. 미래 건축에 대한 그의 예측은 매우 급진적이며, 미래 건축은 "고대에 유행했던 수평선, 탁상처럼 평평한 지붕, 매우 단순하고 강력한 구조 및 재료와 같을 것"이라고 믿습니다. "바우하우스"로 알려진 이 건물은 모더니스트 건축 관점을 대표합니다. 그는 현대 건축의 핵심은 교통이나 통신 시스템의 설계라고 믿었다. 왜냐하면 건물은 단순히 텅 빈 주변 공간이 아니라 인간이 살고 일하고 소통하는 장소이기 때문이다. 건축물은 의사소통을 촉진하고 편리한 기능을 제공하는 것을 목적으로 의사소통, 의사소통, 교통 등을 설계의 중심으로 삼아야 하며, 장식도 이러한 목적에 부합해야 한다.
1900년부터 1902년까지 그가 설계하고 건축한 비엔나 노이스티프트구스 40의 아파트 40호는 "기능 우선, 장식 다음"이라는 그의 디자인 원칙을 구현하고 "아르누보" 스타일의 흔적을 버리고 단순함을 채택합니다. 기하학적 형태와 몇 가지 곡선으로 장식되어 장식적인 효과를 얻습니다.
1899년에 지어진 마요리카 아파트 건물은 바그너의 걸작 중 하나로 꼽을 수 있지만 건물 전체의 외부 장식은 마요리카 색상의 벽돌과 단순한 수직, 수평 격자가 선명한 대비를 이루는 등 매우 고급스럽다. 그러나 그의 후기 작품만이 불필요한 장식을 모두 버리고 비엔나 아르누보의 독특한 스타일을 진정으로 반영했습니다. 예를 들어, 1897~1898년에 건축된 비엔나 분리파 건물(Vienna Secession Building)은 단순한 기하학적 모양, 특히 정사각형 모양을 최대한 활용하고 표면에 몇 가지 식물 패턴을 추가하여 디자인이 기능과 장식과 매우 일치하도록 했습니다. 가우디가 설계한 건물은 이상한 외관과 열악한 기능을 가지고 있습니다.
요셉 올브리히(Joseph Olbrich)와 요제프 호프만(Joseph Hoffmann)은 바그너의 제자였으며, 그들은 바그너의 새로운 건축 개념을 물려받았다. 비엔나 탈퇴의 연례 전시회를 위해 올브리히가 디자인한 탈퇴 하우스는 기하학적 구조와 최소한의 장식으로 탈퇴의 기본 특징을 요약했습니다. 교차하는 큐브와 구체는 기념물처럼 단순한 건물의 주요 테마를 형성합니다.
올브리히에 비해 호프만은 아르누보 운동에서 스승 바그너보다 더 큰 성취를 이뤘다. 1903년에 그는 영국 예술 공예 운동 당시 모리스 디자인 사무소와 유사한 수공예품 공장인 Wiener Werkstatate의 설립을 시작했으며, 가구, 금속 제품 및 장식품을 생산하면서 자체 디자인을 홍보하기도 했습니다. 그리고 예술적 아이디어. 호프만은 일생 동안 건축 디자인, 그래픽 디자인, 가구 디자인, 인테리어 디자인, 금속 제품 디자인 분야에서 큰 성과를 거두었습니다. 그의 건축 디자인에서는 장식의 단순함이 두드러집니다. 정사각형과 입체적인 형태를 선호하기 때문에 벽, 칸막이, 창문, 카펫, 가구 등 그의 인테리어 디자인 중 많은 부분에서 가구 자체가 바위 같은 입체적 형태로 취급된다(그림 3-18). . 그의 그래픽 디자인에서는 나선형, 흑백 사각형 등의 그래픽 형태의 반복이 눈에 띄며, 그의 장식적 접근 방식의 기본 요소는 병치된 기하학적 형태, 직선, 흑백의 대비되는 톤입니다. 이러한 흑백 체크무늬 그래픽의 장식기법은 호프만이 창안한 것으로 학계에서는 '그리드 호프만'이라는 별명을 붙였다(그림 3-19).
화가였던 클림트는 '비엔나 분리파' 중 가장 중요한 화가였으며 그의 화풍에서도 단순한 기하학적 도형을 기본 구성으로 많이 사용했고 매우 화려한 금속색을 사용했다. , 금, 은, 청동 등의 밝은 색상을 사용하여 매우 장식적인 그림을 만들어 당시 회화계에 큰 충격을 안겨주었습니다. 그가 디자인한 건물 벽화는 세라믹 모자이크 기법과 숙련된 회화 실력을 활용해 디자인에 많은 매력을 더했다.
빈 탈퇴파의 또 다른 대표자인 모셋은 오랫동안 그림을 그렸지만 탈퇴파 디자이너들과 매우 긴밀하게 협업했다. 그들의 장식적인 그림 스타일은 단순하고 밝으며, 단색이나 흑백으로 디자인되는 경향이 있는 클림트의 그림 스타일과는 뚜렷한 대조를 이룹니다. 예를 들어 그가 1898년 비엔나 탈퇴를 위해 디자인한 전시 포스터는 아르누보 운동의 전형적인 작품이다.
6. 영국
디자인 운동으로서 영국 아르누보 디자인 활동은 주로 스코틀랜드에 국한되어 있습니다. 따라서 영국에서의 영향력은 예술 공예 운동의 영향력보다 훨씬 적었습니다. 제한된 영향력을 지닌 이 디자인 운동에서 더 큰 성취를 이룬 사람들은 Glasgow Four입니다: Charles Rennie Mackimtosh(1868-1928), Herbert Herbert Mcnair(1868-1953), Margaret Mcdonald(1865-1933), Frances Mcdonald(1874-1921) ).
1890년대부터 20세기 초까지 그들은 건축, 인테리어, 가구, 유리 및 금속 그릇의 디자인에 독특한 스코틀랜드 아르누보 표현을 형성했습니다. 즉, 부드러운 곡선과 단단하고 우아한 수직의 교대로 움직이는 움직임을 새롭게 표현한 것입니다. 라인. 디자인 역사계에서는 "직선 스타일"이라고도 알려져 있습니다.
매킨토시는 '글래스고 포(Glasgow Four)'의 선두주자일 뿐만 아니라 그의 디자인은 '직선 스타일'을 구현하고 있다. 그는 1868년 6월 7일 글래스고에서 태어났습니다. 그의 가족에게는 11명의 자녀가 있었습니다. 그는 어렸을 때 매우 행복했고 아주 일찍부터 건축에 종사하기로 결정했습니다. 부모님의 반대에도 불구하고 그는 16세에 집을 떠나 회화와 건축을 공부하고 디자인에 참여했다. 그의 디자인 분야는 건축, 가구, 인테리어, 램프, 유리 제품, 카펫, 벽걸이 등 매우 넓습니다. 동시에 그는 회화 예술 분야에서도 높은 성취를 이루고 있습니다. 그의 디자인 스타일의 형성은 일본 우키요에 그림의 영향을 크게 받았습니다. 아주 어릴 때부터 그는 일본 우키요에 그림의 선 사용, 특히 일본 전통 미술의 단순한 직선에 관심이 많았으며 매우 장식적인 효과를 얻기 위해 다양한 배열과 레이아웃을 사용했습니다. 물론 그의 디자인 스타일 역시 영국 예술 공예 운동의 성과, 특히 윌리엄 모리스, 존 러스킨 등이 주도한 다양한 실험의 발전과 다른 유럽 국가의 '뉴 아트' 운동에서 비롯됐다. 특히 모더니즘의 선구자로 여겨지는 비엔나 탈퇴와 같은 인물의 영향.
매킨토시는 종합적이고 뛰어난 디자이너로서 건축 디자인 분야에서 큰 성과를 거두었습니다. 그의 초기 건축 디자인은 한편으로는 전통적인 영국 건축의 영향을 받았고, 다른 한편으로는 단순한 수직 및 수평 직선을 채택하는 경향이 있었습니다. 그의 가장 성공적인 건축 디자인은 Glasgow School of Art의 일부 건물로, 단순한 3차원 기하학적 형태와 약간 장식된 내부를 채택하고 입체주의 정신이 매우 풍부합니다. 내부는 다수의 목조 구조, 단순한 기하학적 형태, 내부와 외부의 조화를 사용하여 통일된 스타일을 형성합니다. 고도로 통일된 디자인 스타일을 구현하기 위해 건물 내부의 가구 및 소모품 디자인도 통일했습니다. 가구는 원색을 사용하고 수직선 사용에 주의하며 장식은 직선을 사용하되 과도한 장식은 지양합니다. . 예를 들어 Glasgow School of Art의 도서관 디자인은 부드러운 장식 선이 아니라 추상적이고 강력한 기하학적 모양을 사용하여 사람들에게 추상 형태의 앙상블에서 다성 음악의 인상을 줍니다. 또 다른 예는 그가 1902년에 Hill Building을 위해 디자인한 인테리어입니다. 단순한 3차원 그래픽은 바닥의 유사한 그래픽을 반영하며 이 톤은 직사각형 문 프레임, 천장, 벽 패널 및 기하학적 램프로 확장됩니다. 형태 내부를 지배하여 전체적으로 심플하고 넓은 효과를 줍니다. 또 다른 예로는 의자, 수납장, 침대 등 가구 디자인이 모두 독특하다. 특히 그가 디자인한 등받이 의자는 완전히 검은색이어서 제약을 완전히 탈피했다. 어떤 전통적인 형태라도 자연 형태의 모방을 초월합니다.
많은 작품으로 볼 때 매킨토시로 대표되는 글래스고 디자인 스타일은 장식적인 내용과 기법의 활용에 집중적으로 반영되어 있다. 특히, 표면 장식은 엄격한 선 패턴(주로 타원형으로 끝나는 약간 구부러진 수직선)과 체크 및 양식화된 로제트를 따릅니다. 색상 팔레트는 주로 옅은 올리브, 라벤더, 크림, 흰색, 밝은 색으로 제한됩니다. 회색과 은색으로 구성된 아름다운 색상, 길쭉한 여성의 명상적인 자세도 디자인에서 매우 두드러집니다. 비록 장식적인 선이 더 안정적이지만 시각적 효과는 변하지 않으며 대부분의 표면 패턴은 추상적이고 복잡하며 상징적인 형태가 점재되어 있습니다. 대부분의 아르누보 디자인과 마찬가지로 자연과 소통하는 , 곡선의 수직선은 타원형 및 세포 모양의 패턴과 동일하며, 양식화된 나뭇잎과 장미 꽃봉오리는 작품에 계속해서 성장하는 역동적인 분위기를 줍니다.
7. 미국
응용미술 분야에서 아르누보 운동의 영향을 받은 유명한 디자이너는 윌 H. 브래들리(Will H. Bradley, 1868~1962)이다. 아르누보 그래픽 디자인의 대표. 브래들리는 처음에는 비어즐리의 라인 스타일을 바탕으로 디자인에 종사했는데, 이는 비어즐리의 작업이 브래들리의 그래픽 디자인 스타일에 결정적인 영향을 미쳤다고 할 수 있다. 이러한 영향에 대해서는 그가 1895년에 디자인한 포스터 'CHAPBOOK'과 평론가들로부터 '미국 최초의 새로운 아트 포스터'로 꼽히는 'Twin Sisters'를 보면 확실히 알 수 있다. 스타일의 배경입니다.
브래들리의 1894년 작품은 스토리북(Storybook)의 표지 디자인과 같이 순전히 장식적이고 영국 예술 공예 운동 디자이너의 고도로 "도덕주의적인" 접근 방식을 반영합니다. 그러나 이후의 디자인 경력에서 그는 흑백 대비에만 의존하기보다는 선 패턴을 반복하여 질감 있는 톤 영역을 설정하는 등 몇 가지 새로운 기술을 요약하여 색상과 장식적인 선을 돋보이게 했습니다. 그가 요약한 이러한 새로운 기술과 기타 개인 디자인 스타일은 그가 R.D. "Cover Design"의 미국판을 위해 그린 일러스트레이션, Edmond Spencer의 "Like" 및 "Victor Bisikli" 포스터 디자인의 일러스트레이션에 집중적으로 반영되었습니다.
루이 컴포트 티파니(1848~1933)는 미술공예 디자인 분야의 대표적인 인물이다.
티파니는 생활용품 디자인, 특히 유리 디자인을 주로 하고 있다. 아르누보 운동이 미국에 영향을 미치기 전에는 티파니의 유리 디자인 원형이 주로 유럽에서 나왔지만, 19세기 마지막 10년 동안 그의 작품은 유럽 유리 디자인의 모델이 되었습니다.
유리 디자인 분야에서 티파니의 업적은 독특하다. 그는 1890년대 후반 미국 사회에서 가장 인기 있고 패셔너블한 책상 램프인 스테인드 글라스 책상 램프를 디자인했을 뿐만 아니라 19세기 후반에도 디자인했다. 그리고 20세기 초에는 유명한 "파브렐" 꽃병 시리즈가 출시되었습니다. 이전 디자인에서는 화려한 유리 모양의 램프가 백열전구의 거친 빛을 매우 부드럽게 만듭니다. 브론즈 베이스는 나무뿌리와 나무기둥으로 제작되었으며, 불규칙한 형태에 백합, 연꽃, 등나무로 장식된 스테인드글라스 갓이 걸려있어 자연스럽고 로맨틱한 분위기를 자아낸다. 고대 풍화 유리 제품을 모방하고 때로는 색상 효과를 높이기 위해 양식화된 꽃 패턴, 공작 깃털 및 빗 잔물결을 덧대기도 합니다.
건축 디자인 분야에서는 아르누보 운동이 미국에 소개되기 전 미국에서 유명한 '시카고 학교'가 결성됐다. 형태는 항상 기능의 요구에 복종한다. 이 학파는 불변의 법칙이다." 그리고 "기능은 변하지 않고 형태도 변하지 않는다." 대표적인 인물로는 건축가 Beruhem, Jenney, Adler, Holabird 및 Louis Sullivan(Louis Sullivan, 1856&1924)이 있습니다. 이 건축가들의 작업을 통해 시카고를 시작으로 미국에서 초고층 빌딩 건설 붐이 시작되었습니다.
루이 설리반은 시카고 학파의 가장 중요한 대표자로 미국 아르누보 건축에 전례 없는 공헌을 했습니다. 14년 동안 그는 뉴욕, 미주리, 시카고 등지에 100개가 넘는 초고층 건물을 설계했습니다. 그의 초기 건축 작품은 로마네스크 양식의 건축 언어를 현대적인 형태에 적용하려는 열망을 표현했습니다. 그의 강당 건물에는 대략적으로 다듬어진 낮은 층 위의 창문을 둘러싼 아케이드가 있었습니다. 건물 내부에서 Sullivan은 꽃 장식을 사용하기 시작했습니다. Sullivan의 가장 뛰어난 건축 디자인 작품은 Carson Piriska Mall 디자인으로, 쇼핑몰의 단순함으로 인해 이 디자인은 20세기 수많은 사무실 및 상업용 건물의 기본 프로토타입이 되었습니다. 정문 위와 주변의 화려한 아르누보 주철 장식은 아마도 설리반의 가장 뛰어난 건축 장식일 것입니다. 쇼핑몰의 아래쪽 2개 층은 상점이고, 위쪽 10개 층은 사무실 건물입니다. 강철 프레임은 흰색 세라믹 타일로 덮여 있으며, 줄지어 있는 커다란 창문은 "형태는 기능을 따른다"라는 그의 현대 건축 사상을 충분히 반영합니다. 특히 언급할만한 가치가 있는 것은 Sullivan과 Adler가 디자인한 "Chicago Grand Theatre"입니다. Sullivan은 접이식 천장 난간과 수직 장벽을 사용했으며 무대에서 소리를 전환하기 위해 많은 원형 호를 사용했습니다. 3,000명을 수용할 수 있는 극장을 완벽한 음향을 구현합니다. 건물 외관에서 Sullivan은 건물 벽의 수직성을 강조하면서 아래 3층에는 소박한 화강암 석재, 위 4층에는 사암을 사용하여 극장의 외관 재료를 변경했습니다.
설리반 이후 한때 설리번 건축사무소에서 근무했던 프랭크 로이드 라이트(1869~1959)는 설리번의 아르누보 건축 사상을 더욱 발전시켰으며, 그 중 신재료의 선택과 조화에 대한 고려가 주로 반영됐다. 건축과 환경 사이에서 그는 "유기적 건축"이라는 유명한 개념을 제안했습니다. Wright는 현대의 가장 위대한 건축가 중 한 명으로 간주됩니다. 1890년대 그의 건축 디자인은 표면 장식 경향이 강한데, 1894년 맥아피 하우스 디자인이 대표적이다. 1895년부터 Wright는 그의 건축 철제 디자인에 우아한 수직 및 곡선 모양을 통합했습니다. 1904년에는 이러한 장식 작품에 수직선과 표면 패턴을 사용하는 것이 Wright의 개인적인 스타일이 되었습니다.