클래식 음악에 대해 말하자면, 나는 대학에 입학한 후 서양 음악 감상 선택 과목을 서슴없이 보고했는데, 대학원에 다닐 때 또 보고할 줄은 생각지도 못했다.
처음에는 베토벤, 모차르트, 차이코프스키만 알고 있었습니다. 나중에 선택 과목을 통해 슈트라우스, 쇼팽, 비발디, 브리튼, 드워샤크 등 위대한 음악가들을 알게 되었다. 클래식 음악에 대한 감상은 음악 자체에 대한 감상뿐만 아니라 음악이 표현하는 내포에 대한 감상과 발굴이라고 생각한다. 클래식 음악의 스타일과 특징을 통해 우리는 음악가의 내면 세계와 개인의 성격을 이해할 수 있다.
그래서 깊은 내포가 없는 뮤지션은 위대한 작품을 쓸 수 없고, 최대 우수가 될 수밖에 없다. 나는 이것이 뮤지션이 달성하고자 하는 것이라고 생각한다. 음악의 표현 형식을 통해 생활, 사회, 예술에 대한 그의 이해를 청중에게 표현하라. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 음악명언)
위대한 작품은 귀족과 관객을 영합하기 위해서가 아니라 자신을 위해 작곡할 때 탄생한다. 그때는 아무도 개의치 않았을 것이다. 그렇기 때문에 클래식 음악을 듣는 과정에서 먼저 이 곡의 배경과 내력을 봐야 한다.
그렇지 않으면, 멜로디만 감상하면 아무것도 얻지 못할 수도 있습니다. "모차르트전" 은 나를 가장 감동시킨 작품으로, 역시 오스카 수상영화다.
이 영화는 모차르트의 천재와 사리의 질투를 부각시켰다. 모차르트는 음악적 재능이 있다. 사레리가 그의 원고를 보았을 때, 그는 충격을 받았다. 모차르트는 어떠한 변화도 하지 않았고, 모든 것이 완벽함 때문에 변할 수 없었다.
살렐리는 모차르트가 음악을 만드는 것이 아니라고 생각했고, 그가 해야 할 일은 머리 속의 음악 부호를 복제하는 것뿐이었고, 하느님께서 왜 자신에게 그런 재능을 주지 않으셨는지 한탄했다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 음악명언) 살레리가 모차르트를 질투하는 것은 그의 재능 때문만이 아니라 모차르트의 오만과 자신감, 궁정 내 전통체제에 대한 경멸 때문이었다. 그는 자신이 세계 최고의 작곡가라고 생각했기 때문에 어느 누구의 구속도 받지 않았다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언)
그리고 모차르트의' 안혼곡' 은 정말 영혼을 뒤흔드는 위대한 작품이다. 모차르트의 생전의 심리 상태를 생동감 있게 보여 주었다.
어쩔 수 없이 좌절하고, 우울하고, 슬프고, 복잡한 심리상태가 있어 청자를 안타깝게 한다. 세상에 이렇게 슬픈 멜로디가 있다고 말하는 것도 당연하다! 베토벤은 항상 운명과 싸우는 사람이라고 할 수 있다.
못생겼기 때문에 사랑하는 여자에게 몇 번이나 거절당하는 것도 그에게 적지 않은 타격이었고, 그의 후속 청각 장애는 그가 하느님의 총아가 아니라는 것을 보여 주었다. 이런 어려움 속에서도 그는' 9 번 교향곡' 과 같은 작품을 창작할 수 있어 베토벤의 위대함을 더욱 잘 보여 주었다.
청각장애가 작곡가에게 어떤 의미인지 알고 있습니다. 요리사가 미각을 잃은 것처럼 화가는 눈을 잃었다.
바로 이 베토벤이 후세에 초월할 수 없는 교향곡의 절정을 창조했다. 그래서 베토벤의 음악은 무시할 수 없다.
그의 전원, 인연, 아홉 번째는 모두 내가 컴퓨터에 초대한 것이다. 그리고 왈츠 마스터 슈트라우스, 그의' 블루 다뉴브 강',' 비엔나 숲',' 황제 왈츠',' 봄의 소리 왈츠' 는 고전이라 할 수 있는데, 나는 그때 이 노래들을 반복해서 들었다.
이 시점에서, 나는 내가 생각하는 최고의 교향곡인 드워샤크의' 신세계' 를 들었다. 특히 기세가 웅장한 제 4 악장은 나는 아무리 들어도 싫증이 나지 않는다.
결론적으로, 나는 내가 클래식 음악을 접할 수 있어서 다행이고, 클래식 음악이 나에게 준 기쁨에 감사한다. 더 많은 사람들이 저와 이 행복을 나눌 수 있기를 바랍니다. 너도 클래식 음악을 좋아하니? 너와 친구를 부르고 싶어! ~.
2. 중국과 외국 음악사 및 예술사 지식 포인트
여기에 중서 발전사가 좀 있는데, 좀 도와줄 수 있는지 보자!
중국과 서양 미술사에서의 "형태와 신" 의 차별화와 통합
영원한 적-"모양" 과 "신"
"모양" 과 "신" 은 이성적으로 대하는 대상이다. 하나는 감성적으로 대하는 대상이다. 회화 분야의 영원한 화제다. 이런 문제 앞에서, 꼭 안고 있으면 안 된다. 크기 문제는 길을 잃지 않는 열쇠입니다. 변증 법적 분석은 이론적 미로에서 벗어날 수있는 유일한 방법입니다. 이 글은 무심코 이 영원한 이론 현안을 평가할 능력도 없고, 단지 여러 가지 관점을 하나의 맥락으로 빗질하고 싶을 뿐이다. 모양은 이름에서 알 수 있듯이 겉모습이 비슷하다. 그러나이 의미는 환경에 따라 다릅니다 (중국과 서양, 고대와 현대 ...). 서유럽에서는 고대 그리스와 르네상스 시대에 모양의 지위가 그림의 성공 또는 실패와 관련이 있습니다. 고대 중국에서는 모양의 지위가 더욱 미묘했다. 구 카이지 (gu kaizhi) 는 형태와 신을 겸비한 옹호자이다. 그는 "생생한 묘사가 바로 눈앞에 있다. 클릭합니다 후세 사람들에게 천고에 인용되다. 나중에 서비홍이 수입한' 신육법' 이다. 이 전통은 송대 화원에서 성공적으로 유지되었다. 하지만 당시 문인화가 부상하면서 비슷한 조형을 처리하는 방식에도 미묘한 변화가 일어났다. 수시의 제창 아래 회화는 자기 표현에 치중하고, 경지와 신의를 추구하며 문인들의 광범위한 인정을 받았다. 문동, 리,, 조령장, 미탄 부자는 표류하며 실천에 옮겼다. 신은 그림 맛의 대명사가 된 것 같다. 그림의 신과 그림의 신의 차이인 저자입니다. ) 을 참조하십시오
그래서 신은 외형만큼 간단하지 않은 것 같다. 우선 대상의 매력을 파악해야 할 뿐만 아니라 예술작품에 자신의 감정을 더해 예술작품에 자신의 생각을 심어줘야 한다.
나는 화제가 점점 커질까 봐, 여기까지 이야기하자. 상부로 들어가다.
위: 의미심장한 역사적 궤적
고대 (현대) 중국과 서양의 "형태와 신" 의 비교.
중국과 서양의 예술사를 비교하는 것은 항상 재미있고, 그들의 차이의 원인을 탐구하는 것이 더 의미가 있다.
위에서 설명한 것처럼 이미지는 영역마다 다르게 처리됩니다. 하지만 한 가지, 중국과 서방은 모두 일정하지 않다. 중서예술의 첫 번째 그림은 * * * 인물이다.
중국 인물화는 진한 () 나라의 발전을 거쳐 결국 위진 남북조 () 에서 절정에 이르렀다. 구, 루, 장의 인물화에 대한 배려는 중국 인물화의 발전에 영향을 미쳤다.
구 카이지 (346-407), 장쑤 무석인, 박람군서, 재능이 넘쳐 예태가 흩어지는 단골손님이다. 그는 조숙한 화가이다. 20 대 강녕와관 벽화는 "한 사찰에 따라 증여자가 목을 채우고 오백만을 얻었다" (장언원' 역대 명화' 가' 스정사 이야기' 를 인용함) 로 유명해졌다. 그의 지위는 세 가지 기적 중 가장 높다. "한 사람의 아름다움을 좋아하면 그의 고기, 그의 뼈, 그의 신, 그의 기적은 비길 데 없고, 그의 보살핌은 귀중하다." 웨이와 진 시대에 중국의 회화 관념은 이미' 신' 의 표현이' 모양' 보다 더 중요하다는 것을 깊이 확립한 것이 분명하다.
중국 인물화를 본 후 첫 사람 구카이지 * * *. 서양 인물 예술의 첫 봉우리인 고대 그리스 예술을 보면 조각품이 그리스 예술의 가장 중요한 구성 요소라는 것을 알 수 있다. 그것은 그리스인의 아름다움에 대한 이상, 비범한 예술적 재능, 인체에 대한 깊은 연구를 보여준다. 기세가 웅장하고, 이미지가 완벽하며, 풍격이 탈속적이고, 비길 데 없는 최고의 조각품들이 많다. 수천 년 동안 수많은 화가와 장인들이 그것의 계발과 영향을 받았다. 그것의 독특한 내면의 생명력과 예술적 매력은 지금까지도 여전히 찬란한 광채를 발산하고 있다.
고대 그리스의 조각품은 세 시기를 거쳤다.
골동품 시기.
오래된 조각품으로서, 그것은 보통 7 세기에 시작된다. 이 시점에서 초상화 조각은 대부분 직립 이미지입니다. 전반적으로, 그들은 판에 박힌 형식을 깨뜨리지 않았고, 스타일링 수법도 비교적 무뚝뚝했다. 6 세기까지 조각의 예술 기교는 눈에 띄는 발전을 이루었고, 인체와 역동적인 표현에 있어서 더욱 자유롭고 활력이 넘쳤다.
둘째, 고전 시대
그리스 예술의 고전기는 490 년 전에 시작되었다. 강건한 체격, 당당한 정신, 우아하고 우아한 조형, 고전시대에 조각한 것과 같은 특징으로, 그리스 성국이 외적의 침입을 이기고 자신의 강국 시대 사람들의 영웅적 이상을 세우는 표현이다. 그에 상응하는 미용 규범도 형성되었다.
셋째, 헬레니즘 시대
고전 시대의 발전의 절정을 거쳐 그리스 조각의 중심은 헬레니즘 시대에 소아시아 서부와 에게 해의 일부 섬으로 옮겨졌다. 이 시기에는 거창한 사찰을 짓는 일이 거의 없었고, 장엄하고 숭고한 분위기가 조각에서 점차 희미해졌고, 세속화 경향은 발전하였다. 그러나 몇몇 우수한 작품들 중에서도 여전히 고전적인 정신을 유지하고 있다. 그러나 후기 (라오콘으로 대표됨) 에 조각품은 이미 숭고한 정신을 잃었다.
고대 그리스의 조각 예술을 보다. 사람의 정신과 분노도 강조했지만. 그러나 과학정신을 더욱 분명하게 표현했다. 인체의 비율을 정확하게 파악해 (황금분할법으로 대표됨) 유럽 예술을 사실주의의 길로 이끌고 있는 것이 분명하다. 위에서 언급한 중국과 서양의 대표적 그림을 나란히 보면 이런 차이를 분명히 볼 수 있다.
누가 서양 음악사를 소개해 줄 수 있나요?
16 년 말 17 년 초 이탈리아 피렌체에서 태어났습니다. 버디 궁정 카멜라타 클럽 (클럽이나 소단체) 회원인 빈센조 갈리 (Vincenzo Galilei) 와 플로렌스 학자 메이 (Mei) 가 고대 그리스의 비극을 대량으로 연구하는 기초 위에서 탄생했다.
서양 음악사 교육의 구체적인 내용은 주로 세 가지 측면을 포함한다.
첫째, 서양 음악의 역사적 발전과 진화. 예를 들어 서양 음악 내용과 형식의 진화 역사, 서양 음악 이론, 각종 음악 유파의 기원과 발전 과정, 주요 작곡가, 연주가의 예술 생애, 스타일 특징 및 영향
둘째, 서구 사회의 정치, 경제, 문화사는 서구 음악의 발전에 영향을 미치고, 음악의 독특한 시각에서 서구 문명의 역사적 과정과 인문 정신의 특징을 반영한다.
셋째, 음악의 표현과 음악의 미적 방법. 예를 들어 음악 감상의 기초 지식, 음악의 요소, 각종 이론과 유파 등이 있다.
음악에 대한 지식을 소개하도록 도와주세요.
클래식 음악, 중국어 번역은' 클래식 음악' 이다.
어떤 사람들은' 고전' 이 고풍스럽고 고지식한 맛을 준다고 생각하여' 클래식 음악' 으로 이름을 바꿨다. 옥스퍼드 영어사전의 고전주의에 대한 정의에 따르면 전통과 엄숙한 스타일로' 엄숙한 음악' 이라고 부르는 사람들이 있다.
낭만주의 음악은 고전 음악의 지속과 발전이며, 유럽 음악사의 일종의 음악 스타일이나 시대이다. 로맨틱한 스타일 음악은 감정과 내용의 표현에 치중하여 클래식 음악 시대의 각종 형식 제약을 깨뜨렸다.
바로크 음악 바로크 (Barock 음악 바로크) 라는 단어의 원래 의미는 당시 경멸적이었던 불규칙한 모양의 진주를 가리킨다. 당시 사람들은 화려하게 흔드는 스타일이 르네상스 스타일에 대한 비하라고 생각했지만, 지금은 바로크가 유럽의 위대한 예술 스타일이라는 것을 깨달았다. 컨트리 음악이라는 이름은 1920 년대 미국에 등장했으며, 그것은 광범위한 기원을 가지고 있다.
당시 노래의 내용은 직장 생활을 표현하는 것 외에도 외롭고 떠돌아다니는 생활을 싫어하고 따뜻하고 평화로운 집을 동경하며 달콤한 사랑과 실연의 고통을 불렀다. 재즈 재즈는 민요에서 발전한 것으로, 그것의 출처가 많아서 자세히 연구하기가 쉽지 않다.
19 세기에 음악은 미국 남부 농장의 흑인 노예가 생활과 감정을 표현하는 중요한 수단이다. 19 연말부터 재즈는 영미 전통음악을 바탕으로 브루스, 라그탐 등의 음악 유형을 융합해' 혼혈' 의 산물이다.
록의 가장 순수한 형태, 이른바 록이란 바로 삼 * * * * 가 단단하고 연속적인 드럼과 입속의 멜로디를 강화하는 것이다. (윌리엄 셰익스피어, 록, 록, 록, 록, 록, 록, 록) 록은 음악의 한 형태일 뿐만 아니라' 생활태도와 철학' 이기도 하다. 록이 팝송과 다른 이유이기도 하다.
진정한 록 문화는 히피 문화, 예술 록, 펑크 음악, 선봉음악, 중금속 등 적어도 하나의 축소판 파노라마를 추출할 수 있다. 중금속은 요컨대 약간의 초상적인 힘으로 록 음악을 연주하는 것이다.
기타는 이런 음악의 주요 요소로서 평소보다 목소리가 크고 복수감이 있다. 펑크 펑크는 1970 년대에 등장한 반록 음악의 힘이다.
펑크는 중국 본토에서' 펑크' 로 번역된다. 대만에서는' 펑크' 로 번역되고 홍콩에서는' 붕괴' 라고 불린다. 서양에서 펑크는 사전에서 불량배, 쓰레기, * * *, 음란한 아동, 열등감 등을 의미한다.
영혼 음악. 영혼악은 남방복음과 중서부 리듬 브루스의 융합으로, 음악 숭배의 부흥은 리듬 브루스의 부기우지 세계로 유입된다.
이 비옥한 기초 위에서 영혼악이 탄생했다. 영혼의 음악은 명확한 세속적 역학과 종교음악의 탄탄한 리듬을 지닌 것이 특징이다.
기타는 종종 하몬드 B-3 오르간에 위치한 관악기를 사용한다. 하지만 거의 모든 영혼 음악은 열정과 고음의 목소리로 상징되어 있으며, 간혹 즉흥적인 창작을 하기도 한다.
R & ampb 의 전체 이름은 rhythm &；; 블루스, 일반적으로 "리듬 브루스" 로 알려져 있습니다. 일반화 된 R &；; B 는' 흑인 팝 음악' 이라고 할 수 있는데, 흑인의 브루스 음악에서 유래한 것은 지금의 서진 유행과 록의 기초이다. Billboard 잡지는 R& B 를 모든 흑인 음악으로 정의했으며 재즈와 브루스를 제외한 R & 클래스로 분류할 수 있습니다. B, 보이는 R &；; B 의 범위는 얼마나 넓습니까?
최근 몇 년 동안 흑인 음악계에서 인기를 끌었던 힙합과 랩은 R & amp； 에서 기원했습니다. R&D 시 많은 R&D 비용을 절감할 수 있습니다. 구성 요소 B. HOUSE 는 80 년대 DISCO 에서 발전한 댄스곡이다.
이것은 시카고 DJ 가 틀어 놓은 음악이다. 그들은 독일 전자밴드 발전소 오케스트라의 음반을 드럼기의 규칙적인 리듬과 블랙 블루스 노래와 섞어서 하우스가 생겨났다 ~ 일반적으로' 석호' 댄스곡으로 번역되는 것은 전자무곡의 가장 기본적인 형태다. 리듬은 4/4 박자, 드럼, 멜로디가 간단하다. 늘 높은 여자 목소리가 노래하고 있다. 디스코가 유행하자 일부 DJ 가 그것을 바꿔 일부러 디스코를 그렇게 상업화하지 못하게 했다. 저음과 드럼이 점점 깊어지면서 순수 음악 작품이 되는 경우가 많다. 노래 부분이 있어도 대부분 가수가 부르는 단문으로 명확한 가사가 없는 경우가 많다. BritPop 은' Pop' 이라는 단어를 가지고 있지만, 사실 그것은 1990 년대 영국에서 유래한 록이다. 중국어는' 영국 록' 으로 번역될 수 있다. 영국 음악계가 미국 쓰레기 음악 트렌드에 대한 반응으로 주로 밴드 형식으로 나타난다.
하지만 BritPop 의 스타일은 사실 매우 광범위합니다. 예를 들어 Oasis 는 기타 록 밴드입니다. Blur 에는 많은 팝이 있습니다. Pulp 는 Glam Rook 과 dance style 에 가깝지만 모두 Britpop 에 속합니다. 깡충깡충 뛰는 것은 영국/유럽 댄스곡이다. 그 이름은 "trip+hip hop" = trip-hop 에서 유래했다. 영국의 브리스틀에서 유래했기 때문에 처음에는 브리스틀 힙합이라고 불렸다.
갱스터 랩 (Gangsta Rap) 은 도시 범죄와 관련된 내용이 많고 폭력과 감정이 충만하며 현실을 반영하는 음악의 방향이다. Gangsta Rap 은 1980 년대 말 미국에서 발흥했고, 강력하고 날카로운 음악 랩 유파는 미국에서 매우 유행하여 음반 판매량이 매우 좋았다.
신드팝의' 신스' 인 신시사이저 (신시사이저) 는' 합성가가 만든 팝송' 으로, 물론 신시사이저 외에 컴퓨터 드럼 등 다른 전자악기도 사용한다. (윌리엄 셰익스피어, 신시사이저, 신시사이저, 신시사이저, 신시사이저, 신시사이저) Synth Pop 은 1980 년대 초부터 유행하기 시작했고, 80 년대 중반부터 잠잠해지기 시작했고, 그해 홍콩에서 열풍이 불었다.
Synth Pop 은 기술감이 강하고 때로는 춥다는 특징이 있다. 노래는 대부분' 3 분 유행' 으로, 신스 팝뮤지션이 스타일리시하게 꾸미는 경우가 많다. 오케스트라는 바이올린과 첼로, 2 동관, 3 목관, 4 타악기를 포함한 네 그룹으로 나뉘어 있는 오케스트라이다.
현악조의 각 악기는 여러 사람이 연주한다 (하프 제외). 네 조의 연주자는 한 사람이 조율하여 지휘한다. 이 사람이 바로 오케스트라의 지휘자다. 실내 팝 음악은 클래식 음악을 말한다.
5. 어떻게 초등학교 음악교사에게 필기시험과 전공 기초지식을 복습할 것인가, 주로 서양음악이다.
작년에 고등학교 교사 자격증을 받았는데, 전공이론은 아직 복습하지 않았다. 왜냐하면 이 물건은 복습할 수 없고, 모두 평소의 축적에 달려 있기 때문이다. 서양 음악사와 중음사의 비중은 그리 크지 않고 객관식 문제에만 나타난다. 가장 중요한 것은 마지막 큰 제목의 작문, 교안이다.
말하자면, 내가 왜 복습을 할 수 없다고 말합니까? 예년의 진문제를 보면 이 기초지식을 시험하는 점이 너무 많아 반복할 것이 없다는 것을 알게 될 것이다. 황하대합창의 작곡가가 누구인지와 같은 몇 가지 기본 상식은 전혀 시험을 볼 줄 모르기 때문에, 나의 건의는 큰 문제에 초점을 맞추는 것이다. 책을 마음대로 사서 음악사의 지식을 훑어보다.
예를 들어, 올해 제가 기억에 남는 제목은' 현악 사중주' 입니다. 네. 송송' 의 저자는 누구입니까? 옵션에는 담방패 곽정정 등 중국 당대 작곡가가 있다. 이런 문제를 어떻게 복습합니까? 그래서 이것들은 주로 축적에 의지하고, 뒤의 역할은 정말 크지 않다. 투입과 보답은 정비례하지 않는다.
6. 서양 음악 발전사
1. 고대 그리스 로마 음악: 우리는 이 시기의 음악에 대해 아는 것이 거의 없다. 왜냐하면 남아 있는 악보가 적기 때문이다.
고대 그리스 음악의 기원은 신과 신화 전설에 대한 숭배와 관련이 있다. "음악" 이라는 단어는 "뮤즈" 에서 유래한 것으로 고대 그리스 신화 중 예술을 관장하는 여신이다.
유명한 신 아폴로, 아테나, 디오니소스는 모두 예술의 신이다. 음악은 그들이 창조한 것이라고 한다. 고대 그리스 음악은 종교 활동에서 널리 사용되고 있으며 중요한 역할을 하고 있다.
고대 그리스에서는 하프와 바이올린이 주요 악기였다. 그것들은 다른 신이 발명하고 소유하기 때문에 종종 다른 신의 숭배와 관련이 있다. 칠현악기는 독주 반주, 서사시 연주, 노래에 많이 쓰이는 현악기로 아폴로 숭배와 자주 연결되어 있다. 그것은 아폴로 의식에 제사를 지내는 주요 악기이다.
아프로디테는 술신 디오니소스를 제사하는 데 자주 사용되는 관악기이다. 현대 서구 문화관념에서 리라진 음악과 아폴로에 대한 숭배, 아프로디테 음악과 디오니소스에 대한 숭배는 두 가지 성격의 대립 음악의 상징이 되었다.
전자는 냉정하고 내향적인 아폴로 스타일이고, 후자는 낭만에 탐닉하는 술신 스타일이다. 시, 춤, 연극과 자주 결합되어 노래를 부를 때 때때로 악기를 동반한다.
2. 중세 음악은 기원 5 세기부터 기원 14 세기까지 서양 음악사에서 가장 긴 시기였다. 중세 음악은 주로 기독교 종교 음악으로 세속 민간 음악은 중시되지 않는다.
교회의 권력은 국가와 다른 사회단체보다 높으며, 각종 예술과 철학을 포함한 모든 사회 이데올로기는 교회를 위해 봉사해야 한다. 이 기간 동안 성가와 찬송가는 교회 숭배에서 널리 퍼졌다.
"신예술" 이라는 개념은 프랑스 주교, 시인, 음악가 필립 비트리의 논문에서 나온 것이다.
이 개념은 13 세기의 오래된' 고대 예술' 과는 다른 새로운 음악 트렌드가 등장했다는 것을 설명하기 위해 빠르게 널리 사용되고 있다. "신예술" 의 주요 특징은 음악 창작 전대미문의 세속화이다. 작곡가는 종교 복조와 세속 음악 어휘를 결합하여 음악 형식 창작의 각종 새로운 가능성을 탐구했다.
작은 음표 길이의 기보법을 채택하여 리듬기보법을 체계화하다. 새로운 예술 운동의 가장 중요한 대표는 마초 (1300- 1377) 이고 이탈리아 대표는 랜디니 (1325-1) 이다.
서구 문명사의' 중세' 는 한때 몽매한 암흑시대로 여겨졌지만, 오늘날 우리는 종종 더 객관적인 태도로 이 역사를 판단하는 경향이 있다. 음악적 관점에서 볼 때, 교회가 음악에 미치는 영향은 부정적인 면도 있지만 긍정적인 면도 있다.
음악에 대한 교회의 중시, 악기 통일을 위한 노력, 음악 발전에 투입된 대량의 인력과 물력은 중세 유럽 음악의 발전을 촉진시켰으며, 음악 자료도 비교적 잘 보존되었다. 복조 음악과 오르간의 출현은 이후 전문 음악의 발전을 위한 든든한 토대를 마련했다.
셋째, 르네상스라는 단어는 프랑스어로' 재생' 을 의미한다. 이 시기는 서구 역사에서 1300 부터 1650 까지 계속되었다.
이 단어는 사상가들의 중세에 대한 의심과 부정과 고대 문화에 대한 추앙을 반영하며 고대 그리스와 로마의 문화유산 부흥에 관심이 많다. 하지만 이러한 부흥은 단순히 그대로 재현되는 것이 아니라 고대 에센스를 부흥시켜 새로운 문화와 전통을 구축하는 것이며, 그 성과는 곧 고대 그리스와 고대 로마의 영향을 뛰어넘었다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언)
이 운동에서' 휴머니즘' 은 가장 영향력 있는 사조이자 이 변화의 핵심이다. 인문주의자는 사람 중심적이라고 주장하고, 사람들에게 인간성을 널리 알리고, 신성의 속박에서 벗어나, 사람이 신이 아니라 사회의 주인이라는 것을 강조한다.
그들은 인간의 생명에 대한 사랑과 인간의 지혜를 칭송하며 인간의 힘이 모든 것을 이길 수 있다고 믿는다. 르네상스는 일반적으로 1430 년부터 1600 년경까지의 기간을 가리키며, 음악 분야의 변화는 문학, 그림 등의 분야 이후이다.
르네상스 시대의 음악은 뚜렷한 세속화 경향을 가지고 있지만, 다른 한편으로는 여전히 종교와 밀접한 관계를 유지하고 있다. 1, 네덜란드 음악학교.
네덜란드 음악학파는 15 와 16 세기, 저지대 국가에서 온 한 무리의 음악가로, 주로 프랑스 벨기에 네덜란드 등 북유럽 지역에 분포한다. 2. 16 세기의 세속 음악.
16 세기에 서유럽 음악에 새로운 추세가 나타났다. 각국에서는 주로 이탈리아 목가, 프랑스 챔피언, 독일 Lied, 스페인 목가, 낭만, 영국 목가, 루트 노래 등 민족 스타일의 음악이 쏟아져 나왔다.
3. 종교개혁의 음악은 세속음악의 발전에 해당하며 16 세기의 종교개혁도 교회음악에 깊은 변화를 가져왔다. 넷째, 바로크 시대의 음악 바로크 시대는 보통 150 년 1600 부터 1750 년까지의 범위를 가리킨다.
바로크' 라는 단어는 포르투갈어에서 유래한 것으로, 원래 불규칙한 진주였다. 그것은 원래 건축과 예술 분야에서 사용된 용어였으며, 나중에는 점차 예술과 음악 분야에 사용되었다. 오페라의 탄생은 음악으로 표현된 연극이다. 그것의 전신은 고대 그리스의 비극, 중세의 의례극, 신비극으로 거슬러 올라갈 수 있다. 2. 기악의 발전 바로크 시대에는 기악이 새로운 두드러진 위치로 상승하여 성악, 기악, 오페라가 삼족정립된 국면을 형성하여 기악이 처음으로 성악과 어깨를 나란히 했다.
바로크 시대의 가장 중요한 특징 중 하나는' 통주 저음' 을 대량으로 사용하는 것인데, 이는 르네상스 시대의 복조체와는 다른 주요 멜로디와 하모니 직물로, 기본적으로 멜로디와 하모니 반주로 구성되어 있다. 작품을 관통하는 독립저음이 있고, 위에는 화려한 장식이 있는 고음이 있고, 중음은 쓰지 않고, 연기자는 즉흥적으로 연주한다.
바로크 시대에는 대소음체계와 기능음악이 점차 건립되었다. 표기법도 끊임없이 개선되고 있습니다. "감정론" 이라는 이론이 생겨났는데, 음악의 주된 목적은 사람의 감정을 불러일으키는 것이라고 생각한다. 그들은 고음으로 빛을 표현하는 것과 같은 가사의 감정을 하나의 음악 장르로 표현한다.
7. 서양 음악사의 발전은 그 몇 시기와 이전 몇 시기의 대표작품으로 나뉜다.
16 년 말 17 년 초 이탈리아 피렌체에서 태어났습니다. 버디 궁정 카멜라타 클럽 (클럽이나 소단체) 회원인 빈센조 갈리 (Vincenzo Galilei) 와 플로렌스 학자 메이 (Mei) 가 고대 그리스의 비극을 대량으로 연구하는 기초 위에서 탄생했다. 서양 음악사 교육의 구체적인 내용은 주로 세 가지 측면을 포함한다: 하나는 서양 음악의 역사 발전과 진화이다. 예를 들어 서양 음악 내용과 형식의 진화 역사, 서양 음악 이론, 각종 음악 유파의 기원과 발전 과정, 주요 작곡가, 연주가의 예술 생애, 스타일 특징 및 영향 둘째, 서구 사회의 정치, 경제, 문화사는 서구 음악의 발전에 영향을 미치고, 음악의 독특한 시각에서 서구 문명의 역사적 과정과 인문 정신의 특징을 반영한다. 셋째, 음악의 표현과 음악의 미적 방법. 예를 들어 음악 감상의 기초 지식, 음악의 요소, 각종 이론과 유파 등이 있다. 이 시기의 발전 경험은 다음과 같다. 서양 음악사와 음악파의 발전은 주로 다음과 같은 몇 단계를 거쳤다.
첫째로, 서양 음악의 기원은 고대 메소포타미아 평야로 거슬러 올라갈 수 있다. 기원시기의 음악은 주로 절 제사와 명절에 사용되어 뚜렷한 종교적 색채를 띠고 있다. 수메르인, 이집트인, 히브리인, 고대 그리스인들은 음악의 발전을 촉진시켰다.
둘째, 중세 초기와 번영기
이 시기는 주로 단음 음악 시기로, 대략 기원 600 년부터 1300 년까지이다.
셋째, "새로운 예술" 기간
서기 1300~ 1450 년은 중세에서 르네상스로의 과도기이다.
넷째, 르네상스
1450- 1600 년 르네상스의 중심은 이탈리아에 있었지만 음악 센터는 프랑스의 부르고뉴와 플랑드르에 있었다. 이 시기 독일과 영국 음악의 부상, 로마 교회 음악의 개혁과 베니스 음악학파의 활약으로 이 시기의 음악 성과는 다른 예술보다 뒤지지 않았다.
동사 (verb 의 약어) 바로크 시대
1600~ 1750, 몬트베르디부터 바흐와 헨델까지. 바로크 시대는 서양 음악사, 심지어 예술사 전체에서 매우 중요한 시대이다. 바로크 음악은 고귀하고 감동적이며, 내용은 르네상스 시대보다 더 풍부하고 극적이다. 이 단계는 오페라, 조곡, 소나타, 협주곡, 청창극, 청창극 등 유럽 음악의 많은 중요한 유파를 초보적으로 형성했다. 음악의 거물인 바흐와 헨델은 바로크 음악을 * * * 로 밀었다.
여섯째, 고전주의 시대
그리스 로마의 고전 스타일 회복을 목적으로 객관적인 아름다움을 추구하는 고전 음악이 비엔나에서 기후를 형성하고 하이튼 모차르트 베토벤 세 음악가의 걸출한 작품이 음악사를 자극했다. 이 시기가 기악의 황금시대가 되면서 피아노 곡과 바이올린 협주곡 창작이 잇따르고 있다. 소나타식의 건립은 이 시기 성취의 대표로 여겨진다.
일곱째, 로맨틱한 시기.
낭만주의 음악 유파는 인류 예술사의' 보물 창고' 로, 이 시기에 위대한 음악가가 생겨났을 뿐만 아니라 음악 유파의 범위도 유례없는, 무자곡, 야곡, 예술곡, 서사곡, 교향시 등 새롭고 독특한 형식이다. 음악 내용에 더 많은 관심을 기울이는 이런 음악 유파는 일부 비음악 요소를 음악의 주재자로 만들었다. 낭만주의 음악은 멘델슨, 슈만, 쇼팽, 윌디가 보완해 차이코프스키, 리스터, 바그너 시대에 최고조에 달했다.
여덟, 새로운 음악
이것은 20 세기 음악의 총칭이다. 음악은 다른 예술과 마찬가지로 이미 다교꽃이 피는 국면이 나타나기 시작했다. 음악 창작의 보수와 혁신 유파는 덕 러시아 영국 미 등 음악 문화가 발달한 곳에서 서로 경쟁하여 음악의 번영을 어느 정도 촉진시켰다. 하지만 1950 년대 이후 전자음악과 컴퓨터 등 첨단 기술이 등장하면서 음악가들은 차세대 음악언어와 리듬의 발전에서 유사점을 찾아 작곡가의 역할과 음악예술의 본질을 재창조하기를 희망하고 있다 .....