이런 종류의 교육 자료는 온라인에서 찾기 어렵기 때문에 여러분을 위해 제가 열심히 모은 튜토리얼을 정리하겠습니다
(1)
즉흥성을 이야기하는 사람들은 항상 자신의 감정에 의지하고, 더 많이 듣고, 더 많이 잡고, 더 많이 놀고, 더 많이 모방해야 한다고 말하지만, 이것은 너무 추상적인 것 같습니다. 일부 네티즌들에게는 이런 '감정에 의존하는 것'이 조금 어려워서 느끼지 못할 뿐입니다.
여기서는 비교적 쉬운 방법, 즉 '즉흥 연주'를 할 때 무엇을 할 수 있고 어떻게 할 수 있는지 알려드리려고 합니다. 하지만 앞서 몇 가지 사항을 강조하고 싶습니다.
1. 이러한 방법은 '즉흥적인' 답변을 제공하지 않으며, '즉흥적인' 세계로 더 쉽게 들어갈 수 있도록 해주는 다리일 뿐입니다.
2. 이러한 방법을 완벽하게 배웠다고 해서 즉흥 연주를 잘 할 수 있는 것은 아닙니다. 이러한 방법은 참고 자료와 더 빠른 학습 방법만을 제공할 뿐 아니라 덜 추상적이기 때문입니다.
3. '즉흥'이라는 단어 자체에는 '형식화'되거나 '방법화'될 수 없는 의미가 많이 담겨 있습니다. 그래서 당신의 즉흥 연주와 나의 즉흥 연주는 다를 것입니다. 왜냐하면 우리 둘 다 서로 다른 관심사를 갖고 있기 때문입니다. 그러나 모든 사람이 널리 받아들이는 즉흥 연주는 모든 사람이 높이 평가하고 받아들이는 "흥분에 의한" 연주입니다. 따라서 임의의 음을 연주하면 맛이 좋지 않다고 생각할 수도 있지만 이는 일종의 즉흥 연주이기도 합니다. 만약 당신이 어떤 종류의 즉흥 연주 스타일을 반드시 배워야 한다면, 물론 당신은 다른 사람들이 하고 싶은 대로만 흉내낼 수 있을 뿐입니다! 반대로 당신이 흉내내고 싶은 것은 남의 '싱'이고, 물론 이런 모방은 '듣기'와 '잡기'를 통해서만 가능하다.
그렇다면 즉흥 연주란 무엇일까요? 즉흥 연주는 자신의 취향에 따라 즉석에서 음악을 만드는 것을 의미합니다.
지금 무작위로 연주하면 즉흥 연주로 간주되나요? 잊어버리세요! 이 스타일이 마음에 들지 않을 수도 있습니다!
그러니까 넓게 보면 모든 음악은 다 쓰여진 거예요. 그것들은 모두 작가가 음악을 쓸 때 연주하는 즉흥 연주인데, 그의 즉흥 연주 방식은 그것을 쓰는 것이고, 당신과 나는 그것을 튀어나와 즉흥 연주할 수도 있습니다.
기록하면 다른 사람들이 즉석에서 만든 결과를 공유할 수 있다는 장점이 있습니다. 하지만 다른 사람이 작곡한 곡을 연주할 때는 즉흥적으로 연주하는 것이 아니라 작가의 의미를 규칙적으로 표현해야 합니다.
즉흥 연주가 무엇인지 이야기한 후, 너무 추상적이고 더 많이 말하고, 더 많이 듣고, 더 많이 배우기보다는 즉흥 학습 여정을 더 빠르고 구체적으로 만드는 방법을 살펴보겠습니다. 더 많이 모방하려고요.
저는 매우 일반적인 방향을 제시하기 위해 왔습니다. 당신이 무엇을 할 수 있는지, 어디에서 열심히 일할 수 있는지 말하지만, 너무 자세한 설명은 피하세요. 한편으로는 여가 시간이 많지 않고, 다른 한편으로는 이러한 것들을 스스로 지식 추구를 통해 얻지 못하면 이러한 것들을 자유롭게 사용하기 어렵기 때문입니다. 물론 온라인에서 음악에 대해 이야기하는 것 자체가 어려운 일이기 때문에 온라인에서 음악에 대해 너무 많이 이야기하고 싶지는 않습니다. 그러나 나는 당신이 그 방향으로 나아가고 작업하는 방법을 알 수 있도록 명확한 지표를 제공하려고 노력할 것입니다. 그러면 "재즈"에서 즉흥 연주를 더 좋아하게 만드는 방법도 알 수 있습니다.
물론, 제가 뭐라고 말하든 그것은 단지 '방법'일 뿐이고, 그래도 직접 해보셔야 합니다. 그리고 무슨 일이 있어도 즉흥 연주의 대가가 될 수 있습니다. 왜냐하면 "새로운" 것을 시도하고 음악에 자신을 쏟는 한, 당신은 즉흥 연주를 하는 것이기 때문입니다. 어쩌면 당신의 즉흥 연주가 반드시 "시장 수요"를 충족시키지 못할 수도 있고 대중이 받아들이지 않을 수도 있지만, 당신은 정말로 즉흥 연주를 하고 있는 것입니다. 내 생각에 최고의 즉흥 음악가는 아마도 옹알이를 하고 말하는 법을 배우는 영유아일 것입니다! 그들은 자신이 만들고 싶은 것을 마음대로 타이핑할 수 있습니다. 책을 타이핑하는 것일 수도 있지만 그것은 즉흥적인 작업입니다.
즉흥 연주를 배우기 위해 물론 제가 아래에서 설명할 내용을 알 필요는 없습니다. 즉흥 연주 방법을 실제로 아는 사람들이 많기 때문입니다. 하면 그들 스스로 정말 잘 할 수 있어요.
알았어! 말도 안되는 소리는 그만하고, 다시 사업으로 돌아가자.
즉흥적으로 연주하는 방법은 무엇입니까? 다양한 "저울"을 적절한 장소에 사용하는 방법은 무엇입니까?
다양한 음계를 배운 후 어떻게 활용해야 할까요?
우선 즉흥 연주를 하고 싶다면 최소한 다음 네 가지를 알아야 합니다.
1. 다양한 화음의 구성
2. 다양한 스케일 (블루스 즉흥연주를 하려면 다양한 블루스 스케일의 구성에 대해 더 알아야 하고, 재즈 스타일 즉흥연주를 하려면 일반 재즈 스케일의 구성에 대해 더 알아야 합니다)< /p >
3. 다양한 코드와 다양한 스케일의 조화관계
4. 다양한 리듬의 구성
물론 이 4가지 항목은 기본일 뿐이며, 사실 인터넷에는 즉흥 연주를 잘한다고 생각하는 사람들이 많이 있지만, 그들은 즉흥 연주를 잘 할 수 있는 한, 물론 이 네 가지를 이해하는 것 같습니다. 그러나 더 많이 "알수록", 같은 것을 계속해서 즉흥적으로 연주하는 대신 더 많은 즉흥 연주를 만들 수 있고 더 풍부해질 것입니다.
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간단한 토론 창작과 즉흥 연주 : 영감, 경험 및 이론 분석
업로드: Finefly
날짜: 2010-12-12
카테고리: 작곡 수업
창작과 즉흥에 대한 간략한 이야기: 저의 작은 개인적인 의견입니다. 모든 분들께 도움이 되기를 바라며, 너무 피상적이라면 양해해 주시기 바랍니다.
때때로 우리는 기타에 대해 이야기하곤 합니다. 손이 '느낌'이 좋은지, 아니면 전혀 '느낌'이 없는지, 이제는 그렇게 간단하지 않다고 생각합니다.
내 생각에는 모호한 세 가지 기본 요소가 있는 것 같습니다. 즉, "느낌"이라는 단어로: 영감; 이론적 분석.
경험이 결정적인 요소인데, 즉흥적으로 멜로디를 만드는 것은 사실 일종의 주관적 감성의 카타르시스다. 그러나 그것은 경험과 관련이 있습니다. 예를 들어, 익숙하지 않은 반주로 독주를 연주할 때 왜 다른 음표 대신 특정 음표로 시작해야 합니까? 실제로 사용할 수 있는 소리는 많지만, 경험상 가장 깊은 인상을 남기고 단번에 기억할 수 있는 소리가 이 반주가 표현하는 예술적 개념에 가장 적합하다고 생각합니다. 물론 우리는 그것을 선택하여 시작하겠습니다. 다음 연주에서는 반주에 가장 잘 맞는 연주 방법, 강도, 음색을 반드시 선택하겠습니다. 그것은 여러 명인의 기술이 융합되고 변주된 것일 수도 있고, 우리가 즐겨 기억하거나 자주 연주하는 멜로디일 수도 있다. 이 모든 것은 일상의 통찰이자 축적, 즉 경험이다. 많은 연주에서 우리는 일부 음표의 합리적인 배열을 알아냈으며 경험을 통해 언제 실수하지 않고 연주해야 하는지 알 수 있습니다.
경험은 사람의 플레이 스타일에 영향을 미칩니다. 이는 실제 개성을 지닌 예술가들이 공연 경험에서도 독특하다는 것을 보여준다.
대부분 다른 사람의 장점을 끌어내고, 온갖 음악을 잘 들어보며, 다시 창조하겠다는 용기와 패기를 갖고 있는 사람들이다. 그리고 이 독특한 경험은 그가 기타를 처음 연주했을 때부터 일어났을 수도 있다. 확실히 이런 일은 마스터에게만 일어나는 일이 아니죠? 하하.
합리적인 분석이 작품의 운명을 좌우한다. 합리적 분석을 할 수 없다면, 하나만 알 수 있고 다른 것은 알지 못하고, 작품의 내용을 알 수 없고, 작품의 창작 방법과 목적을 과학적으로 이해할 수 없게 됩니다. 일하다.
그것이 없었다면 우리는 작품 창작을 진행하지 못했을 것입니다. 작가가 습득한 지식의 양과 깊이는 작품에 직접 반영됩니다. 예를 들어 작품의 레이어링은 이를 뒷받침하기 위해 많은 양의 이론적 지식을 필요로 합니다.
모든 소울풀한 작품은 책상에 앉아 몇 개의 화성 코드를 고심해서 선택한 후 루틴에 따라 메인 멜로디를 편집하는 방식으로 작곡되는 것이 아닙니다. 그것은 모두 영감을 받아 퍼포먼스를 촉발하고, 경험과 이론을 바탕으로 퍼포먼스를 통해 완성됩니다. 따라서 영감은 창조의 원천입니다. 작을 수도 있고, 유창할 수도 있지만, 특히 즉흥연주를 잘 발전시키려면 경험과 이론이 필수입니다. 이 손을 사용하면 영감을 포착하고 유지할 수 있습니다. 물론 이를 위해서는 상상력을 포함한 강력한 힘이 필요합니다. 그래서 내 친구들이 만족스럽고 흥미로운 삶을 살고, 두뇌를 활성화하고, 시야를 넓히고, 마음을 섬세하게 만들 수 있기를 바랍니다.
믿거나 말거나.
반면, 이 세 가지 측면이 감정 표현에만 집중한다면 작품은 씁쓸하고 이해하기 어려울 것이고, 전적으로 경험과 이론에만 의존한다면 작품은 영혼이 없고 곤경에 빠지게 될 것입니다. 진부한 표현입니다.
(2)
=============
=== =다양한 코드 ===
==============
코드의 수와 유형이 압도적입니다. 그것은 종종 사람들을 매우 혼란스럽게 만듭니다. 그러나 정리해보면 화음의 기본 형태는 6가지밖에 없다는 것을 알 수 있습니다. 다른 모든 코드는 이 6가지 기본 코드 형식의 확장일 뿐입니다. (여기에서는 어떤 코드가 어떤 형태의 파생인지 소개하지 않겠습니다. 관심이 있으시면 직접 정보를 찾아보실 수 있습니다!)
이 6개 코드의 기본 형태는 다음과 같습니다.
메이저 코드(EX: C 코드), 마이너 코드(EX: Cm 코드), 증분 코드(EX: C 코드), 디미니시드 코드(EX: C. 코드), 하프 디미니시드 코드(EX: Cm7(-5) 코드) , 도미넌트 코드(예: C7 코드)
이 코드가 무엇인지 모르시면 도와드릴 수 없습니다. 더 열심히 하시고, 더 많은 사람들에게 물어보시고, 더 자세히 알아보세요.
==============
===다양한 스케일===
====== = =======
음계의 형태는 셀 수 없이 많습니다. 나는 셀 수 없을 정도로 게으르다.
'재즈'에서 흔히 사용되는 음계에 대해서만 이야기하겠습니다.
보통 재즈 음악에는 널리 사용되는 음계가 4가지 정도 있습니다. (물론 이 4가지 유형이 '만'은 아니고 '적어도' 입니다.)
네 가지 음계는 메이저 스케일, 마이너 스케일, 온음 스케일, 풀 크로매틱 스케일입니다.
메이저 스케일에는 12개의 그룹이 있습니다: C 메이저 스케일(즉, C D E F G A B 및 기타 소리로 구성된 스케일) C#/Db, D, D#/Eb, E, F, F# /Gb, G, G#/Ab, A, A#/Bb, B 및 기타 주요 스케일.
마이너 스케일에는 12개의 그룹이 있습니다. 이 12개 그룹의 마이너 스케일은 메이저 스케일과 동일합니다. 즉, C 마이너, C#/Db 마이너,... ...., B 마이너입니다. 스케일
(메이저 스케일과 마이너 스케일은 다들 익히 알고 계시는 내용이라 여기서는 자세히 설명하지 않겠습니다! 이해가 안 되시면 아무한테나 물어보세요. 이해하세요)
온음 음계에는 두 가지 종류만 있습니다. 소위 온음 음계는 모든 소리 사이의 관계와 거리가 온음 관계라는 것을 의미합니다. 이 두 세트의 온음 음계는 다음으로 구성됩니다:
첫 번째 그룹: C, D, E, F#, G#, A# 및 기타 음표
두 번째 그룹: C#, D#, F, G, A, B 및 기타 톤
풀 반음계에는 세 가지 유형이 있습니다. 소위 전체 반음계는 온음, 반음, 온음, 온음으로 구성된 음계입니다. 한걸음, 온걸음, 반걸음... .
이 세 그룹은 다음으로 구성됩니다:
첫 번째 그룹: C, D, D#, F, F#, G#, A, B 및 기타 소리
두 번째 그룹: D, E , F, G, G#, A#, B, C# 및 기타 소리
세 번째 그룹: G, A, A#, C, C#, D#, E, F# 및 기타 소리
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===화음과 음계의 조화===
== ====================
처음 두 문에서는 대부분의 문제가 발생하지 않습니다. 문제는 일반적으로 여기서 발생합니다. 어떻게 협력해야 할까요?
몇몇 네티즌들이 음계를 너무 많이 배웠는데도 못쓰는구나 하는 글을 봤어요! 요점은 무엇입니까?
여기서 나는 여러분에게 척도를 사용하는 매우 "광범위한" 방법을 말하려고 합니다. 그 중 일부를 채택할 수도 있고, 전체를 채택할 수도 있습니다. 하지만 그렇게 되기를 바랍니다. 설명을 통해 아이디어를 얻을 수 있으므로 즉흥적으로 연주하는 방법을 알 수 있습니다. 음계를 음악에 맞추거나 코드 진행을 따라가 보세요. improvise".
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- 적용원리 1: 기본원칙-
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사실 적용의 원리는 어렵지 않습니다. 원칙은 다음과 같습니다. 포함 코드를 사용하여 톤 스케일을 형성합니다.
물론 "포함"이 무엇을 의미하는가라는 질문이 생깁니다. "코드 구성"이란 무엇입니까?
우선 '코드 구성음'이 무엇인지 설명하겠습니다.
간단히 말하면 코드를 구성하는 소리입니다. 예를 들어 C 코드는 C, E, G의 세 가지 소리로 구성되므로 C 코드의 코드 구성 요소는 C, E, G입니다. 이것은 충분히 간단합니다!
그럼 C씨에게 묻겠습니다. 코드의 코드 구성 요소는 무엇입니까? C 코드는 어떻습니까? CΔ7 코드는 어떻습니까? Cm7 코드는 어떻습니까? 이러한 질문을 모른다면 열심히 노력하여 빠르게 정보를 찾아야 할 때입니다! (이 코드들이 기타에서 어떻게 연주되는지 알아보기 위해 그런 기타 악보를 찾는 것이 아니라, 이 코드들이 어떤 음으로 구성되어 있는지 알아보기 위해 음악 이론서나 정보를 찾아보는 것이지, 그렇지 않으면 " " 할 수 없습니다. 저는 화음의 구성음에 대해 아무것도 모릅니다!")
다음으로 이야기할 내용은 "포함"입니다.
이게 무슨 뜻인가요? 예를 들어, C 코드의 코드 구성 요소는 C, E, G라는 것을 알고 있습니다. 그러면 C 메이저 스케일에 C와 Bo Tai Lu가 포함됩니까? 대답은 '예'입니다. C, E의 세 가지 톤이 있기 때문입니다. , G 모두 C 메이저 스케일 톤에서 발생합니다. 그러면 다시 묻습니다. C단조 스케일에는 C와 Laotailu가 포함되어 있습니까? 대답은 '아니요'입니다. 왜냐하면 C단조 스케일의 음계에는 C와 G 두 음이 나타나지만 E음(C코드의 세 번째 음)이 있기 때문입니다. )는 C 마이너 스케일의 스케일 톤에 나타나지 않으므로 C 마이너 스케일에는 C 코드가 포함되어 있지 않습니다.
같은 질문을 할 수 있습니다. 예를 들어 F 메이저 스케일 패키지에는 C와 耀台游가 포함되어 있지 않으며 대답은 포함된다는 것입니다. 지다인 스페셜 스테이지 루에 대한 답변도 포괄적이다. A용 마이너 스케일 패키지에는 C와 스쿠프가 포함되어 있지 않나요? 예! A의 메이저 스케일 패키지에는 ㄌㄟ가 포함되어 있지 않습니까? 아니요! 풀 반음계의 첫 번째 패키지에는 C와 ㄟ가 포함되어 있지 않습니까? 아니요! 전체 반음계의 두 번째 그룹이 포함되어 있습니까? 아니요! 세 번째 그룹은 어떻습니까? 예! 다이어토닉 스케일에 C 코드가 포함되어 있나요? 아니요! 다이어토닉 스케일에 C 코드가 포함되어 있나요? 대답은 온음계의 첫 번째 세트는 포함되지만 두 번째 세트는 포함되지 않는다는 것입니다.
이런 식으로 계속 물어볼 수 있는데
총 29그룹의 음계를 하나의 ***로 소개했습니다(장음계 12그룹, 단음계 12그룹, 단음계 2그룹) 온톤 스케일, 풀 스케일 3그룹) 반음계).
또한 6가지 기본 코드 유형을 소개했는데, 각 기본 유형에는 12개의 코드가 있습니다(즉, C 메이저 코드, C# 메이저 코드...C 마이너 코드, C# 마이너 코드...........그리고 등등) 여기에서만 72개의 서로 다른 코드가 있습니다.
각 코드에 대해 이 코드의 구성음이 29개의 스케일 그룹에 포함되어 있는지 여부를 질문할 수 있습니다. 이렇게 하면 한 번에 2088번 유사한 질문을 할 수 있습니다. XX 스케일에 XX 코드가 포함되어 있나요?
다른 유형의 음계에도 관심이 있다면 다양한 블루스 음계, 클래식 전통 음계 등 더 추가할 수 있습니다. 물론 코드도 마찬가지고 코드를 더 추가할 수도 있습니다.
스케일과 코드가 너무 많아서 이걸 물어보는 데 몇 년이 걸릴까요? 질문? 사실 이런 질문을 계속하라고 한 건 아니었어요. 하지만 당신은 한 가지 원리를 배워야 합니다. 그것은 당신의 음악이 현재 어떤 코드를 연주하고 있는지 결정하는 것입니다. 이 코드의 구성 요소는 무엇입니까? 이 코드의 구성 음표가 포함된 스케일은 무엇입니까?
알았어! 이제 코드 구성 요소가 포함된 스케일을 사용하여 즉흥 연주 자료를 만들 수 있습니다. 예를 들어 오케스트라가 C --gt; F --gt C의 진행을 연주하는 경우 C가 포함된 스케일을 찾을 수 있습니다. F를 포함하면 해당 스케일의 음을 연주할 수 있습니다. 원하는 만큼, 원하는 만큼 플레이하세요. F와 C가 모두 포함된 척도를 찾을 수 있다면 더욱 좋습니다.
그러나 여기서 주목해야 할 점은 블루스를 연주할 때 즉흥 연주 자료로 사용하는 코드 구성이 포함된 블루스 스케일을 사용하도록 노력해야 한다는 것입니다. 전체 음악의 주축에서 분리되지 않습니다(코드에 따라 즉흥적으로 스케일을 연주하기 때문입니다). 마찬가지로 어떤 스타일을 실행하든 해당 스타일의 저울을 사용하세요. 중국 곡을 연주할 때는 중국 음계를 사용하세요! 이렇게 이해해보자.
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-원칙 2 사용: 충돌하는 소리를 피하세요-
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위의 원칙을 사용하면 때때로 다음과 같은 사실을 알게 될 것입니다. , 때로는 일부 스케일을 사용하면 코드 톤과 충돌하는 충돌 톤을 사용하여 즉흥적으로 연주할 수 있습니다. 일부 사람들에게는 이해하기 쉽지 않을 수 있으므로 예를 들어 보겠습니다. 예를 들어, 방금 C 코드가 완전 반음계 세 번째 그룹에 포함된다고 말했습니다. C 코드의 코드 구성 요소인 C, E 및 G는 모두 전체 반음계의 세 번째 그룹 스케일에 동시에 나타나기 때문입니다. 즉, G, A, A#, C, C#, D#, E, F# 및 기타 소리로 구성된 전체 반음계로 나타납니다. 그러므로 "화음의 음을 포함한 스케일을 사용하는 것"의 원리에 따르면, 이 부분의 코드가 C 코드인 경우 이 풀 반음계의 모든 음을 우리의 코드로 사용할 수 있음을 알 수 있습니다. 즉흥 연주 자료, 즉 이 음표를 사용하여 즉흥 연주를 할 수 있습니다.
문제는 이런 음색을 사용하다 보면 실제로 우리의 코드(이 경우 C코드)와 충돌하게 되는 상충되는 음색이 많다는 점입니다. 가장 확실한 예는 이 전체 반음계 세트를 통해 즉흥 연주에 C#, F#, D# 및 기타 음표를 사용할 수 있다는 것입니다. 그런데 이 세 성조는 C, G, E 세 성조에서 반음씩 서로 분리되어 있다. 즉, 이 세 성조는 실제로는 상반되는 성조이므로 함께 배치하기에는 적합하지 않다.
그러나 사물은 항상 동전의 양면입니다. 비록 상반되는 소리가 소리 사이의 갈등감을 만들어내기도 하지만, 더 풍부하고 다채로운 화성적 변화를 만들어낼 수도 있기 때문에 우리는 이를 제거하려고 노력하지 않습니다. 즉흥연주에서 나오는 상충되는 소리를 대신해 이러한 상충되는 소리를 잘 활용하세요.
상충되는 소리를 만났을 때 가장 기본적인 비상 원칙 중 하나는 한 비트를 초과하지 않는 것입니다.
상충되는 소리가 한 박자 이상 떨어지지 않도록 하는 이 방법은 과도한 음악적 불협화음을 생성하지 않고 상충되는 소리를 사용하는 가장 좋은 방법 중 하나입니다. 예를 들어 C 코드 진행에서는 즉흥적으로 섹션을 만들려고 합니다.
C (C
5 3b 3 3 1# 2 1 - - - "
- - - -
C 코드와 충돌하는 두 음인 3b와 1#을 반박자만 두고, C코드 구성으로 이어지는 사운드로는 즉흥적으로 프레이즈를 만들어 상반되는 소리를 넣었고, 상반되는 소리를 피하기 위해 상반되는 소리가 1비트를 넘지 않도록 노력했습니다. 물론 상반되는 소리를 어떻게 활용하느냐는 것입니다. 개인적인 취향의 문제입니다. 어떤 사람들은 충돌하는 소리를 듣는 것을 좋아하지만, 어쨌든 우리가 관심을 갖는 것은 당신이 즉흥 연주인지 여부가 아닙니다. 당신이 행복하면 듣는 사람들도 행복할 것입니다. 청중이 없고 당신만 즉흥 연주를 즐기고 있다면 마음껏 이야기해도 됩니다. 모두, 이것은 "즉흥 연주"입니다.
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- 원칙 3 적용: 일관된 멜로디 라인 만들기-
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일관된 멜로디 라인이란 무엇입니까? 이것 자체는 의견의 문제입니다. 어떤 사람들은 그러한 멜로디 라인이 매우 일관성이 없다고 생각합니다.
그러나 즉흥 연주는 실제로 분위기를 따르는 것이지만 사람들이 즉흥 연주를 용인하거나 좋아하게 하려면 그들의 취향에 적응해야 합니다(또는 그들이 당신의 취향을 좋아하도록 그들의 취향을 바꿔야 합니다). 줘) 그리고 대부분의 사람들이 듣는 음악은 매끄럽고 일관된 멜로디 라인이 있는 음악입니다.
예를 들어 즉흥 연주를 하면 갑자기 한 음이 나옵니다. 한 옥타브 높게, 한 옥타브 낮게, 중간에 한 음, 그리고 한 옥타브 낮게. 이런 종류의 멜로디 라인은 듣는 사람의 기분을 위아래로 움직입니다. 청취자의 반응은 이미 기분이 좋아서 "견딜 수 없을 것"입니다. 하루 동안 열심히 일했기 때문에 아름다운 멜로디 라인과 부드러운 즉흥적 MELODY 진행 라인이 매우 중요합니다. 매끄럽게 해주세요, 미안해요, 실력이 부족해서, 매끄럽게 할 수 있을 만큼만 갈 수 있을 뿐입니다. 매끄럽지 않은지는 문학 작품을 읽을 때와 마찬가지로, 판단은 여러분의 몫입니다. 작가가 매끄럽게 글을 쓴다고 생각하는 이유는 무엇입니까? 이런 판단은 순전히 주관적이라는 것을 알지만, 작품을 많이 볼수록 비교가 더 잘 된다는 것을 알고 있습니다. 더 많이 들을수록 비교하는 능력이 더 좋아질 것입니다. 연주하는 즉흥 연주가 실제로 그렇게 부드러운지 더 많이 비교하게 될 것입니다.
앗! 마지막으로, 여기서 우리는 더 많이 듣고, 더 많이 잡고, 더 많이 배우고, 더 많이 모방한다는 개념으로 돌아갑니다. 괜찮은! 단순히 흐름이 원활한지 여부를 판단할 수 있는 별로 좋지 않은 방법을 제공하고 싶습니다. 그러나 이 방법은 실제로 좋지 않으며 충분히 "정확"하지 않다고 해야 합니다. 이 방법은 "Lianliankan"입니다.
시간이 나면 직접 즉흥 연주를 녹음해 보세요. 녹음 후에는 자신이 즉흥적으로 작성한 메모를 오선보에 복사할 방법을 찾아보세요. (오보선을 그릴 수 없다고 하셨어요! 그러면 제가 할 수 있는 게 없어요. . ) 그런 다음 모든 소리를 연결하고 연결한 선이 아름다운 포물선인지, 아니면 빠르게 뛰는 심전도와 같은지 확인하세요. 일반적으로(제가 강조하는 바는) 좋은 멜로디는 심전도가 아닌 아름다운 포물선을 그릴 수 있다는 것입니다.
이 방법은 좋지 않다는 점을 다시 말씀드리고 싶습니다. '듣기'를 정말 못하시는 분들을 위한 참고사항일 뿐입니다. 그러나 나는 충분히 듣지 못한 사람들에게 경고하고 싶습니다. 당신은 충분히 진지하지 않습니다.
더 많은 음악을 찾고 더 많은 시간을 들여 음악을 듣거나, 갑자기 즉흥 연주에 재능이 생기기를 기도하거나, 아니면 즉흥 연주를 중단해야 합니다!
==============
= 리듬 문제=
========== = ===
리듬 문제는 제가 이 글에서 별로 다루고 싶은 내용은 아니지만, 저의 책임감을 보여드리기 위해 간략하게 언급하겠습니다.
즉흥 연주를 할 때 어떤 재료를 사용할 수 있는지 이전에 너무 많이 이야기를 나눴는데, 이러한 재료를 사용하는 방법은 다소 리듬과 관련이 있습니다.
여기서 내가 사용하는 리듬이라는 단어는 박자 길이, 강하고 약한 악센트 등을 포함하는 매우 광범위한 용어입니다. 시중에는 리듬연습에 관한 책들이 많이 있는데, 혼자서도 읽어보실 수 있습니다. 하지만 특히 강약의 문제에 주의를 기울여 주시기를 바랍니다. 다른 유형의 음악은 제쳐두고 적어도 재즈에서는 강점과 약점이 매우 중요합니다. 대부분의 사람들은 재즈의 느낌(FEELING)을 설명할 수 없습니다. 그 이유는 주로 강약에 대한 정확한 감각이 없기 때문입니다.
다양한 리듬을 배운 후에는 이러한 리듬의 모든 타격이 똑같이 무겁거나 똑같이 가벼운 것은 아니라는 점에 유의해야 합니다. 그리고 동일한 리듬 세트가 가벼움과 심각도를 변경한 후에는 완전히 다른 효과를 생성할 수도 있습니다. 믿기지 않는다면 '사랑의 격려'를 시도해 볼 수도 있다. 사랑의 격려의 모든 스트로크를 똑같이 크게 만들고 모든 스트로크를 똑같이 조용하게 만들어 보십시오. 한두 가지 소리를 크게 하여 모두 부드럽게 만들어 보십시오. 또는 그 중 4개가 더 컸습니다. 당신은 스트레스의 각각 다른 분포가 당신에게 "사랑의 격려"라는 다른 느낌을 줄 것이라는 것을 알게 될 것입니다. 그러므로 제가 힘과 리듬의 중요성에 대해 말씀드리고 싶은 것은 이것이 전부입니다. 시간이 되시면 스스로 정보를 수집하고 직접 확인해 보시기 바랍니다! 결국, 더 많은 노력을 기울일수록 더 많은 것을 얻을 수 있습니다.
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= Postscript=
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이것을 익힌 후 어떤 것이 더 이론적이라고 해서 즉흥적으로 할 수 있다는 의미는 아닙니다. 사실, 즉흥적으로 연주할 수 있는 많은 사람들이 이론을 이해하지 않고도 훌륭한 즉흥 연주를 할 수 있다는 것도 서두에서 말씀드렸습니다. 그렇다면 오랫동안 내 이론의 요점은 무엇입니까? 나는 이것이 단지 모든 단어를 주의 깊게 읽은 독자들이 무엇을 해야 할지, 어떤 방향으로 가야 할지를 아는 데 도움이 된다고 생각합니다. 제가 말했듯이, 나는 단지 다리를 건설하고 있을 뿐이며, 아니면 다른 곳으로 걸어갈 수도 있습니다. 그것은 모두 당신에게 달려 있습니다.
저도 마찬가지로 즉흥 연주를 할 때 어떤 이론에도 관심을 두지 않았습니다. 위에서 말씀드린 내용 중 이해가 되지 않는 부분이 많아서 나중에는 즉흥 연주를 잘하게 되었습니다. 이론은 나의 "느낌"을 바탕으로 내가 연주한 것을 검증했습니다.
원래 같은 목표를 달성하는 방법은 다양합니다. 어떤 사람들은 이론부터 먼저 시작하는 반면, 다른 사람들은 음악을 듣고 느끼는 것부터 시작합니다. 누구도 옳고 그름이 없으며, 누구도 다른 사람보다 더 효율적이지 않습니다. 단지 어떤 사람들에게는 너무 많은 이론에 참여하는 것이 지루하다고 생각하기 때문입니다. 곧장. 하지만 너무 많은 이론을 접하는 것이 지루하다고 생각하는 사람들에게는 노래를 듣고 직접 파악하는 것이 더 의미 있고 효과적입니다. 그러나 어떤 사람들에게는 노래를 들으면서 즉흥연주를 배우는 방법이 너무 추상적이라고 느껴서 이론적인 측면에서 시작하고 싶어하는 경우도 있습니다. 원래 세상에는 다양한 사람들이 존재합니다. 그렇다면 우리는 다양한 사람들의 다양한 선호와 선택을 존중해야 합니다!