색상의 영향
19 세기 프랑스는 세계예술의 중심지로 예술백가쟁명, 백화제방, 유파 간 예술논쟁도 치열해 당시 프랑스 예술의 발전을 크게 촉진시켰다. 신고전주의를 비롯한 학원파와 낭만주의 예술가 사이의 논쟁은 예술가의 창작의식을 고전의 냉담함에서 개인의 감성적 인식의 창작 방식으로 되돌려 놓는다. 1930 년대에 현실주의와 비현실주의 (고전주의, 낭만주의) 의 논쟁으로 예술가들은 허황된 이상세계에 대한 동경을 버리고 현실생활로 돌아갔다. 그들의 예술 창작은 시대의 특징을 반영해야 한다. 이 예술 유파 간의 충돌은 젊은 예술 반역자들을 만들었다. 그들은 더 이상 학원파가 지켜준 살롱전을 자신의 예술 창작의 유일한 목적으로 삼지 않는다. 그들은 예술을 재검토하기 시작했고, 선배 정신의 격려로 화실을 나와 자연을 살피고 낙후된 창작 방법을 포기하고 산업혁명이 가져온 신기술의 성과를 이용하여 큰 영향을 미치는 예술혁명을 열었다. 인상주의는 이 혁명의 결과이다. 인상주의, 전인상주의, 신인상주의, 후인상주의만큼 다양한 회화 유파는 현대예술에 전례 없는 혁신을 가져왔고, 19 세기부터 미국 경제가 급속히 비약했고, 영토는 대서양에서 태평양으로 확장되었고, 광활하고 야성적인 자연은 미국인의 강한 민족적 자부심을 불러일으켰고, 미국 본토를 묘사했다 점점 더 많은 미국 예술가들이 출국하여 세계화에 가입하는 과정. 인상주의는 당시 세계 예술의 수도 파리 못지않게 미국에서 유행했다. 기술의 영향은 주로 색채를 예술 창작의 주요 표현 언어로 구현한다.
색채는 현대 예술에서 가장 많이 사용되는 예술 표현 언어이며, 색채의 독립성은 고전 회화 체계에 있어서 혁명적인 혁신이다. 프랑스 선사 시대 동굴 벽화부터 반 에이크 시대, 그리고 유화가 재료 개선으로 탄생한 지 수백 년 후, 색채의 작용은 보조 스케치가 물체의 본래 모습을 더욱 사실적으로 표현한 것이다. 우리는 이 시기를 고유색 시기라고 부르는데, 고유색은 물체 자체의 색깔이다. 이 시기의 화가들은 빛이 물체의 색깔에 미치는 영향을 고려하지 않을 것이다. 몇 가지 이유가 있다. 첫째, 고전 화가의 직장은 보통 실내이다. 정상적인 상황에서 빛은 매우 안정적이다. 비가 오는 날에도 화가는 자신이 일상 창작에서 습득한 법칙에 따라 물체의 색채를 완성할 수 있다. 둘째, 완전한 고전 작품의 제작은 시간이 오래 걸리고 제작 과정도 복잡하다. 스케치부터 캔버스나 대지, 그리고 1 층까지 덮고 염색하는 데 최소 6 개월 이상 (중국의 꼼꼼한 획과 유사) 이 걸리기 때문에 예술가는 한 물체의 색깔을 묘사할 때 기본적으로 안정된 광원 아래 있는 물체의 색을 물체의 고유 색상으로 삼는다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) 이런 관찰과 회화 방식은 중국 셰혁이 제기한' 반색' 등 6 법 중 하나와 비슷하다. 예를 들어 빨간색 옷을 그리면 빨간색 물감에 흰색과 검은색을 섞어서 그 명암 변화를 구분할 수 있고, 각각 옷의 명암 부분에 적용할 수 있다. 색채는 독자적인 체계가 아니라 스케치 관계에 의존한다. 물론, 이 시기는 예술가가 색채를 주목하지 않는 것이 아니라, 많은 천부적인 예술가들이 장기적인 예술 실천에서 색채가 차갑고 따뜻한 보색 관계를 가지고 있다는 것을 점차 발견하였다. (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 예술명언) 예를 들어, 인쇄 품질이 매우 아름다운 외국어 그림책에서 미켈란젤로 천정 벽화 속의 선지자를 보았는데, 그가 입은 황포의 암부에는 분명히 많은 보라색 성분이 있었다. 하지만 당시 이 예술가들은 이런 현상의 원인을 너무 많이 연구하지 않았다. 단지 창작 과정에서 대량으로 나타났을 뿐이다. 고유 색채체계의 창작 방식은 인상주의 이전까지 이어졌다. 미국 건국 초기에 미국 예술은 기본적으로 유럽 고전 회화의 모델을 답습했다. 대량의 유럽 이민자들이 가져온 것은 실용적인 기능을 갖춘 회화 형식 (집을 장식하고 조상을 기념하는 것) 일 뿐, 유럽 학원파 스타일과 미국 본토 풍속화의 결합이기 때문에 이 시기의 미국 회화도 고전 색채체계에 속한다.
프랑스 낭만주의, 특히 여리고와 드라크로바는 색채의 표현을 매우 중시한다. 이들은 "낭만주의 예술가가 이성이 아니라 감정과 환상을 강조하고 개성이 스케치보다 중요하다는 점을 강조하며 모든 고전적인 상황과 법칙을 뒤엎는다" 고 강조했다. [1] 이춘의' 서구 미술사 자습서' 258 면 7 행에서 인용] 섬서성인민미술출판사 [1] 그들은 화면 속 빛의 사용을 중시하지만 빛과 색채를 연결하지 않고 빛이 색상에 미치는 영향을 고려하지 않는다. 고전 회화와의 비교에서만 그들은 색채에 더 많은 관심을 기울이기 시작했다. 고전 색계는 빛을 중시하지 않지만, 그들은 색채를 통해서가 아니라 명암 관계를 그려서 빛을 표현한다. 인상주의는 물체의 고유 색깔이 이상화된다고 생각한다. 물체가 빛에 따라 변하고, 빛은 시시각각 변하며, 고전주의가 묘사한 이상 상태의 고정 조명 아래 물체의 색깔을 완전히 깨뜨렸기 때문이다. 색채의 운용이 처음으로 전례 없는 높이로 올라섰고, 색채는 예술가가 빛을 표현하는 주요 수단이 되었다. 스케치 시스템과 무관한 예술 언어가 되다.
그림의 여러 요소 (구도 요소, 스케치 요소, 색상 요소) 중 색상 자체가 가장 추상적입니다. 칸딘스키는 이렇게 말합니다. "색깔은 영혼에 직접적인 영향을 미치는 방식입니다. 색채는 피아노의 건반이고, 눈은 거문고, 마음은 거문고 현이 가득한 피아노이다. 색상은 시각적 통로를 통해 마음의 현을 움직인다. 그러면 색채의 조화는 목적이 인간의 영혼을 휘젓는 원칙에만 세워질 수 있다. " [2] 칸딘스키의' 선과 면' 논증을 인용한다 [2] 칸딘스키는 석판나미해, 이신이 중국 인민대학 출판사로 번역된다] [2] "모양과 색의 관계에 대해 이야기하면서" 둘 사이의 기본 관계는 색채와 모양의 표준화이며, 동시에 모양의 시각 효과를 강화한다 "고 말했다. 예를 들어, 고전적 사실화에서 사과를 그릴 때 명암 대비를 통해 사과의 공간 위치를 강조하고, 허실변선을 통해 사과의 긍정과 부정 관계를 강화시킨다. 즉, 스케치 요소가 이미 사과의 특징을 드러낼 수 있다면,' 사과' 의 시각 효과는' 사과' 의 흑백 사진과 컬러 사진처럼 채색된 후에 향상된다. (알버트 아인슈타인, Northern Exposure (미국 TV 드라마), Northern Exposure (미국 TV 드라마) 컬러 사진이어야 합니다. 붉게 물든 사과는 우리의 식욕을 불러일으킬 수 있고, 식욕은 시각적인 감각을 통해 우리의 정신적 욕구를 불러일으킬 수 있다. 우리는 검은 사과를 먹는 것보다 못생긴 사과를 먹기를 원하기 때문에 색깔은 인간의 정신세계와 관련이 있으며 모양보다 더 추상적이다. 예를 들어, "빨강" 블록은 무엇인지 말하기는 어렵지만, "피 묻은 느낌" 을 줄 수 있습니다. 단순히' 모양' 으로' 피투성이의 느낌' 을 어떻게 표현합니까? 칸딘스키는 그림을 두 가지로 나누었다. 하나는 물질에 대한 것이고, 하나는 정신에 대한 것이다. 재료 회화는 시각신경을 통해 관람자를 자극한다. 이것은 외부적이다. 정신그림은 마음의 격동에 의해 생기는 내면의 소리이다. 그는 전자를 현실주의 예술의 특징으로 귀결시키고 후자를 추상 예술의 핵심으로 본다. 인상파의 작품을 볼 때, 우리는 먼저 그들이 그린 색채에 감동을 받아야 하며, 물체의 구체적인 이미지는 이미 색채에 포함되어 있다. 그들은 물체의 색상의 광도와 순도를 변화시켜 스케치 관계를 표현하고, 온도를 변화시켜 물체의 공간을 표현하고, 보색 관계로 현실을 표현한다. 모네는 자신의 그림 상태를 묘사하면서 이렇게 말했다. "내가 본 풍경은 더 이상 집, 나무, 언덕이 아니라 다양한 색과 모양의 블록으로 구성된 그림이다. "[3]
색채의 독립성은 인상파 예술가 덕분이 아니지만, 이 예술가들은 당시의 새로운 과학 연구 성과를 이용하여 이러한 광학 이론을 자신의 예술 창작에 적용했는데, 과학과 예술의 완벽한 결합이라고 할 수 있다. 그들은' 빛' 이 인간의 눈으로 물체를 인식하는 진정한 원인이라는 것을 검증했다. 18 세기 말 뉴턴은 프리즘을 통해 백색광을 7 가지 색으로 나누어 색이 다른 파장의 빛으로 인해 생겨났다고 생각했다. 저명한 작가 괴테가 우연히 보색의 존재를 발견하였다. 그는 색이론에서 뉴턴의 이론에 완전히 동의하지 않는다. 그는 색깔이 단지 빛과 관련이 있다고 생각한다. 뉴턴의 관점은 색을 고립적으로 바라보면서 관찰자의 역할을 배제했고 괴테는 또 다른 관계를 보았다. 괴테는 이렇게 말합니다. "제 모든 계획 중에서 가장 흥미로웠던 것은 빛, 그림자, 색깔에 대한 새로운 이론이었습니다. 만약 내가 잘못 본 것이 아니라면, 자연과 예술 연구에서 아인슈타인의 상대성 이론, 특히 플랑크의 양자론과 하이젠버그의 예측할 수 없는 원리가 나타날 때까지 혁명 괴테의 색깔 이론까지 일어나야 하는 경우가 있다. 광학 연구는 독립적인 학과가 되었다.
인상파 예술가는 창작 과정에서 순도와 색채 성향이 뚜렷한 색채를 사용하여 가능한 가장 높은 색채 채도를 달성한다. 그러나 페인트 튜브에서 직접 돌출된 단색을 완전히 사용하는 것이 아니라 적절하게 조화를 이룹니다. 차가운 색과 따뜻한 색의 대비가 물체의 부피와 공간을 표현하는 주요 수단이 되어 기본적인 그림 법칙을 형성한다. 즉, 물체가 차가운 빛 아래 어두운 부분에서 따뜻한 색을 띠는 것이다. 따뜻한 빛 아래 물체는 차갑고, 앞의 물체는 뒤의 물체보다 더 따뜻하다. 고전주의 화가와 인상파 화가는 자신의 그림을 창작할 때 서로 다른 화면 요인에 의존한다. 고전주의 화가는 흑백톤, 해부학, 투시학의 관계에 의지하여 2 차원 평면에 3 차원 환상을 창조한다. 인상파 화가들은 수백 년 동안 전해 내려온 고전 화가의 모델을 버린 것 같은데, 광학 이론을 다시 한 번 채택하여 색채의 따뜻함과 색채의 상보적인 관계를 이용하여 새로운 회화 언어를 창조한 것 같다. 광학 연구 외에도 산업 물감 제작으로 화가는 물감 파이프로 포장된 공업용 물감을 직접 사용하여 그림을 그릴 수 있고, 주석관 포장용 물감은 화가가 휴대할 수 있어 야외에서 더 나은 사생을 할 수 있다. 또한 공업에서 생산되는 물감 품종도 매우 풍부해 수백 종에 달하는데, 이는 고전 시대에는 거의 상상도 할 수 없는 일이다. 고전 시대의 물감 생산 기술의 제약으로, 물감을 전문적으로 생산하는 작업장과 공장이 없다. 물감의 제작과 배합은 모두 예술가 견습 기간 동안 작업장식 예술작업장에서 선생님께 배운 것으로, 그림을 배우기 전에 필수 과목이라고 할 수 있다. 물감을 만드는 재료는 대부분 매우 희귀한 광물 물감이기 때문에 예술가는 물감을 만들 때 자신의 창작 내용과 취향에 따라 한정된 몇 가지 색깔만 조절할 수 있다. 이는 당시 화가의 색채에 대한 관심도 어느 정도 제한한 것이다. 서양 예술사를 살펴보면 과학은 예술, 해부학, 원근 등의 원소에 영향을 미치고 고전적 사실화의 기초를 형성하고 있지만, 이러한 과학 원소들은 독립된 학과를 형성하지 못했다. 화가의 이러한 원소에 대한 이해는 주로 선생님이 축적한 경험과 자신의 창작 과정에서 비롯된다. 해부와 투시는 화가의 표현 대상이 아니라 그린 대상을 더욱 실감나게 하는 도구이다. 인상파 화가는 풍경이 아니라 빛을 묘사하며, 과학 이론과 성취는 그들이 표현하는 대상이 되었다.
둘째, 산업 혁명의 성과 지원
광학 이론의 수립과 화학 안료의 산업 생산은 예술가가 세상을 보고 표현하는 방식을 완전히 바꾸었다. 19 세기의 또 다른 위대한 기술 성과로서 카메라도 당시의 예술가들에게 큰 영향을 미쳤다.
카메라의 발명은 당시 화가들 사이에서 큰 공황을 불러일으켰는데, 이는 당시 학원파 화가 중에서 비교적 흔했을 것이다. 카메라가 만든 화면은 사실주의에서 손으로 그린 예술가를 뛰어넘어 고전 회화의 기능을 완전히 대체할 수 있다. 인상파 화가들은 자신의 창작에서 대부분 카메라를 도구로 사용한다. 인상파 화가들은 한때 저속한 것으로 여겨졌던 생활 장면을 재빨리 포착했다. 평범한 사물의 아름다움을 발견하고 야외에서 직접 풍경을 그려냈기 때문이다. 그들의 제재에 대한 선택은 일반적으로 매우 캐주얼하며, 화면 내용도 의도적으로 어떤 사상을 전달하지 않았다. 그것들은 분명히 사진 속' 거리 촬영' 의 영향을 받아 구도가 전통 그림만큼 엄격하지 않다. " [4]' 중국유화' 2002 년 제 6 호' 서양회화와 사진의 상호 작용' 에서 인용한 하윤저, 천진인민미술출판사 ][4] 카메라를 사용하는 것이 가장 눈에 띄는 것은 데가입니다. 그가 그린 많은 가무녀의 이미지는 대부분 카메라로 캡처한 후 스케치나 직접 창작에 쓰인다. 그가 찍은 사진에서, 우리는 그가 그린 일련의 분홍색 그림 속 인물 동작의 원형을 찾을 수 있다. 카메라의 특수 구도도 데가에 큰 영향을 미쳤다. 예를 들어, 그의 댄스 교실과 목욕 소녀 시리즈 모두 이런 영향을 볼 수 있다. 사진은 사진, 사진작가, 피사체가 같은 공간에 놓이는 것과 같다. 그의 사진을 보는 것은 카메라 관찰자에서 본 사진과 같고' 현장감' 이 있다. 데가가 직접 연출한 미국 인상파 여성 화가 카사트는 데가와 마찬가지로 현실 사회의 인물에 관심을 갖고 있다. 그녀의 시리즈작' 어머니와 아들' 은 데가의 분필화 기법 덕분에 데가와 같은 사진 구도를 채택해 일상생활처럼 보이는 사진이다. 덕가 외에도 고갱은 카메라로 자신을 위해 창작 소재를 수집하는 것을 좋아한다. 원주민에 관한 그의 일련의 유화 중 일부는 그의 사진에서 직접 취재했다.
인상파 예술가는 최초로 카메라를 사용한 예술가로 산업혁명의 성과와 예술이 다시 충돌하게 했다. 1960 년대와 1970 년대에 미국을 풍미한 사진현실주의는 풍격이 냉정하고 객관적이었다. 예술가의 창작은 직접 사진을 대상을 묘사하는 도구로 사용한다. "진실을 포착하고 인위적인 수식과 용기가 없다." [5]' 중국유화' 2002 년 제 6 호' 서양회화와 사진의 상호 작용', 호윤, 천진인민미술출판사, 49 페이지, 1 행 ][5] 미국에서 가장 유명한 사실사진작가 앤드류 와이스 또 미국현실사진작가 Close 는 카메라의 짧은 렌즈와 초점 밖의 몽롱한 사진 효과로 육안으로 볼 수 없는 디테일을 그려내고 사진으로는 찾을 수 없는 기계적 현실을 표현하는 것을 좋아한다.
1877 에서 모네는 짙은 연기와 증기를 내뿜는 일련의 기차를 그렸다. 그림 속에 높이 솟은 단단한 유리와 철강역 건물은 현대 유럽 도시의 생활을 보여준다. 예술가가 암시하는 것은 산업혁명 중 파리의' 기계미학' 의 형성뿐만 아니라 새로운 회화 방법이며, 이 그림의 이념은 처음부터 기계 문명에 의해 밀접하게 따라갔다. 20 세기 미국 추상 화가 폴록은 모네의 영향을 많이 받았다. 그의' 라벤더의 안개' 에서 우리는 모네의' 수련' 과 비슷한 점을 볼 수 있다. 이런 유사성은 흐릿한 런아웃 화면 효과만 의미하는 것이 아니다. 더 많은 것은' 그림' 이 폴록에 의해 일종의 행동으로 승격되었다는 것이다. 앞서 언급했듯이 모네는 대성당 시리즈를 그릴 때의 창작 상태가 운동 중에 끊임없이 캔버스를 바꾸었다. 오늘 모네는 행동예술을 하고 있다. 보크로는 그림을 그릴 때 몸의 박동을 과장하는 것이 더 많다. 페인트 통의 튀기는 것은 열정적인 예술 행위다. 이런 화풍이 창작한 작품은 관람객들이 작품을 창작할 때 자연스럽게 자신의 심리상태를 연상하게 한다.
빛의 운동도 인상파 작품의 큰 공헌이다. 그들의 눈에는 물체의 색깔이 움직이는 상태인데, 그들이 묘사한 것은 일종의 동적 빛 아래 있는 물체의 색깔이다. 인상파 청년 예술가들은 학원파 살롱전에서 벗어나면서 바비송 학파의 영향을 받아 산수화가 그들의 예술 추구의 돌파구가 되었다. 그들과 바비송 화가 사이에는 스승의 전승이 있다. 코로는 젊은 인상파 화가의 친구이자 멘토이다. 그들은 함께 단풍 백로 숲에 그림을 그리며 생활상 줄곧 그들을 지지하고 있다. 예를 들어, 시슬리 모네와 코로는 모두 망년교이며, 화풍은 코로의 영향을 받는다. 은색 톤은 종종 그의 사진에 나타난다. 그러나 다른 점은 인상파 풍경화와 전통 풍경화의 경계가 더욱 뚜렷해졌다는 점이다. 코로가 고전 풍경화를 이어가는 특징과는 달리 장기적이고 안정된 빛의 정적인 풍경을 묘사한다. 유일한 차이점은 색채가 더욱 다채로워져 학원과 전위 사이를 거닐고 있다는 점이다. 모네 등은 짧은 시간 동안 빛이 풍경에 미치는 영향에 더 많은 관심을 기울이고, 다른 시간 환경에서 풍경의 색상 변화에 초점을 맞추고 있다. 그래서 인상파 풍경화는 역동적이고 반 고흐의 작품 속 별빛도 강과 같다. 그들은 지속적인 빛에 관심이 없다. 모네는 루앙 대성당을 그릴 때 보통 10 폭의 그림으로 시작하며, 시간에 따라 다른 캔버스에 다른 기상 조건을 그려서' 빛의 노예' 라고 불린다. 모네의 그림은 그가 본 물체를 묘사하는 것이 아니라 물체의 색상 변화를 그려서 빛을 묘사한다. 모네는 철저한 인상파이자 가장 집착하는 인상파 화가이다. 그의 예술적 추구를 가장 대표해 광독감을 표현한 작품은 의심할 여지 없이 만년의 대표작' 수련' 시리즈로, 반짝이는 수면을 통해 아침저녁의 빛의 변화를 극치로 표현했다. 고전 산수화는 고전 초상화와 같다. 정적이고 영원한 업적은 화가의 주요 표현이다. 그들이 그린 빛은 안정적이고 영원하며 종교적이며 하느님을 상징한다. 인상파 화가의 작품에서 빛은 신을 대표하지 않는다. 그것은 진리와 과학을 대표한다. 인상파 색채의 시각적 충격은 폭발력을 지녔고, 밝은 색채가 전체 화면을 주도했고, 빛의 점프감이 극치로 치솟아 평온감이 전혀 없었다. 공업시대의 산물로서 빛의 유동성으로 인한 현상은 이미 예술 창작에 적용되었다. 기계 문명과 현대 예술의 관계, 그림 그리는 방식, 획에서 사용하는 재료에 이르기까지 점차 예술가의 세계에 대한 견해와 태도에 영향을 미쳤다. 그들은 과학 이론과 공업 성과에 동의하고 이용한다.
반항정신의 유혹
인상주의의 반항 정신도 미국의 젊은 예술가들을 크게 고무시켰다. 이 반란에는 두 가지 주요 측면이 있다.
1, 동양 감성 지식은 서구 이성 지식에 반항한다.
인상파는 동양예술 (주로 중국과 일본) 을 자신의 화면에 직접 적용한다. 모네는' 기모노를 입은 소녀' 를 썼는데, 이는 동양예술에 대한 그의 사랑을 분명히 보여준다 ...' 수련' 은 모네의 만년 눈이 거의 시력을 잃을 때 창작한 것이다. 분방한 필법은 매우 강한 중국 서예의 프리 핸드 스타일을 가지고 있으며, 화면의 색채는 동양의 감성으로 가득 차 있다. 중국인들이 인상파 작품을 받아들이는 것은 인상파 화가와 중국 서화의 유사성에서 비롯된다. 폴록은 "그림을 그리기 전에 무엇을 그려야 할지 모르겠다. 내가 그림을 그린 후에야 내가 그린 것이 무엇인지 보았다. " 이것은 중국 서화의 창작 상태와 거의 일치한다.
반 고흐는 일본 부세화를 대량으로 모사하여 유화로 만들었다. 반 고흐의' 해바라기' 에서 볼 수 있듯이 해바라기가 든 꽃병은 뒷벽과 거의 공간 관계가 없다. 책상과 벽은 두 폭의 조화된 화면 색조의 냉톤 평면화일 뿐이다. 반 고흐의 비이성적인 예술 스타일은 어느 정도 동양 감성 세계의 영향을 받았다. 제 2 차 세계대전 후의 미국 추상표현주의, 특히 더운 추상 표현주의에도 영향을 미쳤다.
카사트가 파리로 유학하는 동안 인상파를 통해 동양 예술 작품을 알게 된 것처럼, 당시 인상파의 동양 정서가 미국 예술가들에게 어느 정도 영향을 미쳤던 것처럼, 사상이 선진적인 미국 젊은 예술가들이 많이 있었다. (윌리엄 셰익스피어, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) 데가의 영향을 받은 카사트는 데가만큼 동양 예술에 매료되어 있었기 때문에, 그녀의 그림은 동양적인 장식감이 강했다. 그녀의 유화에서, 우리는 일본 부세식의 평면 장식화가 여성 캐릭터 의상에 미치는 영향을 볼 수 있다.
동양 감성 예술과 서구 원시 이성 예술의 충돌은 프랑스 예술가를 통해 미국으로 전해졌다. 계몽 된 미국 예술가의 후기 추상 표현주의. 미국 추상 화가 클라인과 마서웰이 1960 년대에 창작한 추상 예술 작품은 동양서예감이 강하다.
비주류 예술은 주류 예술에 반항했다.
인상주의는 현대예술사상 처음으로 전통예술에 반대하는 예술혁명을 이끌었다. 그들의 반항 정신은 전통 예술의 현대화 과정을 자극했다. 인상파는 19 연말에 반란의 대명사가 되었다. 그들의 회화 이론은 전통에 대한 반란에서 비롯될 뿐만 아니라 인상주의 내면의 반란정신까지 인상주의를 더욱 다양화시켰다. 인상주의는 발전 과정에서 점차 대중에게 받아들여지고, 모네를 비롯한 전인상주의는 점차 인상주의의' 학원파' 로 발전하여 세잔은 인상주의를 탈퇴한 최초의 예술가가 되었다. 그는 모네가' 빛' 이 그림에 미치는 영향에 지나치게 신경을 써서 화가와 묘사된 풍경 사이의 관계를 전혀 보지 못하고 개인의 감정을 소홀히 했다고 생각한다. 그가 Birna 에게 보낸 편지에서, 그는 "빛은 본질적으로 그림을 그리기 위한 것" 이라고 말했다. 그 후 인상주의는 두 유파, 새로운 인상주의와 후인상주의로 나뉘는데, 이것은 발전전 인상주의의 두 가지 극단적인 방식이다.
새로운 인상주의는 예술가의 과학적 이성적인 태도를 자신의 창작에 적용했고, 수학 계산 방법은 그들의 창작 방식에 영향을 미쳤다. 예를 들어, 새로운 인상주의의 대표 예술가인 수라는 그림을 그릴 때 종종 수학 공식을 사용하여 색상 영역 내의 색상 구성 요소와 색상 구성 요소의 함량을 계산하고 모네 전 인상파의 "프리 핸드" 를 균일하고 규칙적인 점화법으로 변환합니다. 당기는 화면은 화면의 공간감을 약화시키고, 인물과 배경은 엠보스 효과를 낸다. 그는 모네와 다소 비슷해서 캔버스를 일종의 예술 실험으로 삼아 과학자의 이성적 사고 방식을 자신의 예술 창작에 융합시켰다.
후인상파 예술가는 이성을 배척하고, 전 인상파가 객관적 세계에 대한 묘사에 지나치게 치중하고, 표면에만 머물러 있다고 생각한다. 그들은 주관적인 세계를 강조하고, 자기 표현에 초점을 맞추고, 묘사한 것에 대해 긍정적인 과장과 변형을 한다. 이 두 화파는 모두 전인상주의에서 유래한 것으로 인상주의의 예술적 표현을 더욱 현대적으로 만들었다. 고갱이 쓴 인물은 순진하고, 색채가 옅고, 명암이 그의 그림 속에서 완전히 무시되어 강렬한 장식 풍격을 지녔다. 그는 또한' 원시 세계 예술' 을 주목하는 최초의 사람이다. 세잔은 개인의 성취가 가장 큰 예술가라고 말해야 한다. 그는 색채와 조형 방면에서 현대 예술에 큰 혁신을 가져왔다. 색채는 그림의 일부가 되었고, 그의 몸은 주관적으로 과장되어 물체의 체감과 무게감을 높였다. 색채와 스케치에 대한 그의 혁신 원칙은 각각 피카소가 대표하는 입체주의와 마티스가 대표하는 야수파에 영향을 미쳤다. 그래서 세잔은' 현대주의의 아버지' 라고 불리는데, 현대예술의 근원은 인상주의에 있다는 것을 알 수 있다. 신인상주의와 후인상주의는 당시 예술의 두 가지 발전 모델, 냉추상과 열추상을 대표한다.
인상파티 미국 예술은 쿠르베와 마나가 인상파에 미치는 영향처럼 전통에 대한 강한 반항정신을 가지고 있다. 1908 년경에 미국도 프랑스 학술 살롱과 비슷한 성격의 예술기관인 국립디자인학원을 형성했다. 예술가가 예술계에서 성공할 수 있을지는 전적으로 그들이 국가설계원의 회원 자격을 취득하느냐에 달려 있다. 1908 년 2 월 뉴욕에서 열린 미국 예술가 8 인전은 프랑스 살롱의 실패한 작품 전시회와 비슷하다. 이 여덟 명의 미국 예술가는 로버트 헨리, 그라켄스, 로스, 셰인, 슬로언, 데이비스, 로슨, 프렌드가스터입니다. 이 여덟 명의 예술가 중 로버트 헨리는 그들의 지도자이다. 그는 초창기에 여러 차례 파리를 유학하여 마네의 작품을 매우 좋아했다. 그는 이 작품들을 젊은 화가인 그라켄스에게 소개했고, 그라켄스가 창작한 Chez Monquin 과 같이 그라켄스에게 큰 영향을 미쳤다. 또한, 프렌드가스터는 새로운 인상주의의 영향을 받아, 그의 그림은 대부분 평평한 색채 도안을 사용한다. 이 8 인화파는 미국의' 쓰레기통 화파' 이다. 아나단은 서구 현대예술사의' 쓰레기통화파' 를 이렇게 평가했다.' 1908 의 8 인 전시회의 의미는 아마도 미국 예술사에서 고립된 이정표라는 것이다. 하지만 또 다른 예술가들과 학생들은 헨리가 설립한 독립예술학교에 합병되어 미국 회화의 새로운 아이디어를 다양한 방식으로 계속 탐구하고 있다. 이들은 맥도널드 라이트, 브루스, 스튜어트 데이비스, 미국의 중요한 추상 예술가, 현실주의와 낭만주의의 다양한 형태를 탐구하는 벨로와 홉을 포함한다. 개인과 가장 가까운 추종자들의 이 행사는 미국 현대회화사에서 중요한 의미를 지닌다. " [5]' 서구 현대예술사' 작가 아나단 (미국), 조덕농, 바, 유위역, 천진인민미술출판사 [5] 에서 인용했다.
인상주의는 미국 현대예술의 계몽 선생님으로서 미국 예술가와 전통의 반항정신을 전승하여 미국 예술 풍격이 급증하고 있으며, 20 세기 이후 미국은 점차 프랑스를 대신하여 세계 현대예술의 지도자가 되었다.
매듭
프랑스 인상주의는 기술 혁신과 정신적 지지를 통해 미국 현대예술에 큰 영향을 미쳤다. 이 두 가지 영향으로 미국 예술은 점차 유럽 예술 견습생의 신분에서 벗어나 점차 미국과는 독립적인 예술 도로를 탐구하게 되었다. 20 세기에 미국은 세계 1 위 경제강국이 되었다. 상업예술과 대중문화가 부상하면서 박물관과 뉴미디어의 보급으로 미국 현대예술이 세계 예술의 발전 방향을 이끌었다.