예술가: 18세기 말과 19세기 초 유럽에서 유행한 서정가의 일종으로 흔히 예술가로 알려져 있다. (1) 가사는 대부분 유명한 시를 기반으로 하며, (2) 사람들의 내면 세계를 표현하는 데 중점을 두고 있습니다. (3) 피아노 반주를 자주 사용합니다. (4) 표현 방법과 작곡 기법이 비교적 복잡합니다.
프렐류드(Prelude): 자유로운 구조의 짧은 곡으로, 엄격한 구조의 곡이나 모음곡 앞에 도입부로 배치되는 경우가 많습니다. 바흐의 '평균율 클라비어곡'이 대표적이다.
Etude(Studi): 두 가지 유형으로 나뉩니다. (1) Czerny와 같이 종종 특정 기술적 목적을 가지고 악기 연주의 기술 교육을 위해 작곡된 음악입니다. 콘서트 에뛰드는 전자에서 파생되어 쇼팽, 리스트, 드뷔시, 슈트리아빈 등의 거장 예술 작품으로 점차 발전했습니다.
폴로네즈: 원래 귀족 살롱의 반주로 사용되었지만 나중에 도시 작곡가들이 피아노 음악에 이식했습니다. 쇼팽이 묘사한 장르는 3박자, 미디엄 템포, 대칭적이고 엄격한 형식이며 풍부한 피아노 질감을 가지고 있습니다.
소나타: "소나타 모음곡"이라고도 알려진 다중 악장 기악 모음곡입니다. 3~4개의 대조되는 악장으로 구성되며, 한 악기로 독주하거나 악기와 피아노가 함께 연주되는 앙상블입니다. 각 악장의 기본 특징과 음악적 구조는 다음과 같습니다. 첫 번째 악장은 소나타 형식의 아다지오(Adagio)입니다. , 변주곡 형식에서는 복합 3부작 형식 또는 자유 소나타 형식입니다. 세 번째 악장은 복합 3부작 형식에서, 네 번째 악장은 소나타 형식 또는 자유 소나타 형식입니다.
콘체르토(Concerto): 하나의 악기 또는 두 개의 악기가 오케스트라와 경쟁합니다. 협주곡이라는 단어에는 두 가지 의미가 있습니다. 하나는 '경쟁'이고 다른 하나는 '함께 작업하다'입니다. 이로부터 협주곡의 특징을 알 수 있다. 1악장의 마지막 부분에는 독주자의 기량을 강조하는 카덴자가 있다.
16세기에 교회 협주곡이 등장했고, 독주 협주곡은 기본적으로 18세기 말에 완성됐다. 모차르트는 다양한 독주 악기를 위한 협주곡을 만들어 오늘날에도 여전히 사용되고 있는 협주곡 구조를 확립했다. 19세기 초 베토벤은 협주곡의 예술적 수준을 새로운 차원으로 끌어올리기 위해 컨트리 음악이라는 공동 기법을 사용했다. 협주곡은 일반적으로 세 악장으로 구성되며, 소나타 형식인 경우가 많으며, 두 번째 악장은 대부분 서정적인 아다지오 형식이고, 세 번째 악장은 일반적으로 론도 또는 소나타 형식입니다. 2악장과 3악장 사이에는 때때로 카덴자가 삽입되기도 합니다. 그 밖에도 단악장 협주곡 작품도 있다.
교향시(Symphonic poem): 리스트가 개척한 단악장 관현악곡. 그는 문학과 음악의 결합을 옹호했으며 제목을 사용하여 청중에게 상기시켜 주었습니다. 이후 많은 작곡가들이 이 장르를 사용하여 작곡했습니다. 스메타나, 리하르트 슈트라우스 등과 같은 창작 교향시, 교향곡 그림, 교향곡 동화, 교향곡 환상 등이 모두 이 범주에 속합니다.
심포니(Symphony): 기대되는 다양한 기능과 표현을 최대한 활용하여 음악적 이미지를 만들어 내는 대규모 모음곡으로 교향악단이 연주한다.
서곡(Overture): 오페라, 오라토리오, 댄스 드라마, 기타 극음악과 성악 및 기악 모음곡의 오프닝 곡입니다. Scarlatti - 이탈리아 서곡은 빠르다-느리-빠르다; Lully- 프랑스 서곡은 느리다-빠르다-느다. 18세기 이후의 대부분의 서곡은 소나타의 극적인 구조를 채택합니다. 19세기 낭만주의 음악가들은 이 서곡을 독립된 제목의 관현악 감상곡으로 발전시켰습니다.
변주곡: 음악적 주제를 일련의 변화와 반복으로 구성한 음악 작품이다. 다양한 변주 기술에 따라 엄격한 변주(고정 베이스 변주와 장식 변주 포함)와 자유 변주라는 두 가지 범주로 나눌 수 있습니다. 변주곡은 하나의 음악 테마 또는 두 개의 음악 테마를 가질 수 있습니다(예: 이중 변주)
카덴차: 솔리스트가 이탈리아 오페라의 아리아에서 즉흥적으로 연주하는 부분, 나중에 협주곡 악장에서 이 단락이 자주 삽입됩니다. 일반적으로 독창자 혼자 완성합니다. 카덴차는 상대적으로 연주가 자유롭고 연주자가 자신의 연주 기술과 악기 연주를 최대한 발휘할 수 있습니다. 카덴차는 원래 연주자가 즉흥적으로 연주한 것이었고 나중에 작곡가 작곡의 필수적인 부분이 되었습니다.
모음곡: 서로 대조되는 여러 악장으로 구성된 관현악 또는 피아노 곡으로, 각각은 상대적으로 독립적입니다. 중국 고전 모음곡은 일반적으로 동일한 곡으로 구성된 4개의 아쿠사키 춤으로 구성됩니다. 현대 모음곡은 오페라, 댄스 드라마, 드라마 음악, 영화 음악에서 엄선된 음악으로 구성되며 타이틀 교향곡 모음곡도 있습니다.
모음곡: 모음곡의 구조를 사용하여 여러 곡이나 악장을 포함하는 기악 또는 성악의 완전한 세트입니다. 기악 모음곡에는 주로 클래식 모음곡, 현대 모음곡, 소나타, 교향곡, 협주곡, 교향시 모음집 "My Motherland"와 같은 교향시가 포함됩니다.
고대 그리스 음악의 형태적 특성(선율, 리듬, 질감, 선율체계)
선율과 리듬: 고대 그리스 음악은 시, 음악, 춤의 삼위일체에 기초를 두고 있다. 뮤지컬 예술(사실 이것은 기본적으로 초기 뮤지컬 예술의 경우입니다. 음악은 소리의 형태로 독립적으로 존재하지 않습니다. 예를 들어 중국의 "Ge Tianshi's Music"). 그 중 시는 음악보다 위상이 훨씬 높기 때문에 가사의 종지와 길고 짧은 리듬에 따라 선율과 리듬이 영향을 받는다.
소위 텍스처는 세 가지 범주, 즉 모노포닉 텍스처(단 하나의 멜로디만 나타남), 다성 텍스처(두 개 이상의 멜로디가 동시에 나타나는), 토닉 텍스처(하모닉이라고도 함)로 나눌 수 있습니다. 질감, 즉 멜로디와 하모니). 고대 그리스와 고대 로마의 음악 예술은 극히 초기 단계에 속했기 때문에 여전히 단성적인 질감을 띠고 있었다.
모달 시스템: 이때의 모드는 모두 부족의 이름을 따서 명명되었으며 옥타브 또는 이중 옥타브 음절이 위에서 아래로 배열되고 4음 열을 기본 단위로 합니다. 고대 그리스 음악 이론가들의 견해에 따르면 각 양식은 서로 다른 윤리적 특성을 가지고 있습니다. 예를 들어, 아리스토텔레스는 도리안 양식이 강인하고 남성적인 반면, 프리기아 양식은 열정을 불러일으킬 수 있다고 믿었습니다. (흥미로운 점은 고대 중국 음악가들이 고대 그리스, 로마와는 멀리 떨어진 지역에 살았다는 점이다. 둘 사이에는 대면 소통은 없었지만, 그들도 음악에 윤리적 특성이 있다고 믿었는데... 나중에 이 특성은 사람들에게 무시당했던, 지금까지 음악 치료의 출현으로 사람들은 음악의 이러한 기능을 깨닫게 되었습니다. 비록 그 중요성이 널리 인식되지는 않았지만, 머지않아 지금까지 가치 있게 여겨지지 않았던 방법인 음악치료가 이루어질 것이라고 믿습니다. , 매우 인기가 있을 것입니다.)
고대 그리스의 주요 음악 장르(각각의 형식적 특성, 문학과의 관계, 종교 의식 및 생활):
호메로스 시대의 영웅 서사시("일리아스" 및 "오디세우스" 등), 종교 예배 음악(예: 태양신과 디오니소스에 대한 찬가), 그리스 비극과 희극, 독창 서정시, 경쟁 대회의 합창(본질적으로 다중 보컬 합창이 아님) 및 댄스 음악, 기악 음악 솔로.
서양음악은 거문고를 음악의 상징으로 삼는다. 거문고(Lyre)라고도 합니다.
서양 음악은 주로 유럽 음악을 지칭한다. 유럽 역사상 지배계급이 음악에 더 많은 관심을 기울였기 때문에 많은 음악가들이 자금 지원과 보호를 받았으며 비교적 완전한 음악 이론을 발전시켰다. 현재 세계 음악산업에서는 서양음악이론이 지배적인 위치를 차지하고 있으며, 유럽 음악산업이 발전시킨 표기법과 작곡절차는 전 세계적으로 인정받고 있다.
서양 음악은 다음과 같은 8단계로 구분됩니다.
1. 고대 그리스와 로마 시대의 음악
시대는 기원전 3200년부터 서기 400년 정도입니다. . 이 부분의 음악 데이터는 고고학에서만 나올 수 있으며, 발굴된 그림, 조각, 전승된 소수의 시, 문학, 철학 작품을 통해서만 이해할 수 있지만 듣고 감상하는 것은 거의 불가능합니다. 통계에 따르면 이 단계에서 남아 있는 악보는 10개 미만이지만, 현존하는 조각품 등 많은 문화유산은 고대 그리스의 위대한 철학자들이 음악과 연구에 대해 논의했던 영광과 업적을 보여줄 수 있습니다. 후세에서는 서양음악의 원천으로 여겨진다.
기원전 12세기부터 기원전 8세기까지 호메로스 시대의 두 편의 서사시는 고대 그리스의 음악 문화를 반영하고 있다. 서사시 자체는 문학 작품이자 음악 작품입니다. 이 작품은 전문 노래와 연주 예술가인 "Aed"가 키사라라는 악기의 반주와 함께 부릅니다.
기원전 776년에는 고대 올림픽 경기가 종종 음악과 함께 열리기 시작했고, 나중에는 음악 대회도 등장했습니다.
기원전 7세기부터 기원전 6세기까지 스파르타는 음악을 국가 활동과 교육의 중요한 수단으로 여겼고, 이는 음악의 발전으로 이어졌다.
기원전 146년 이후 고대 로마가 그리스를 정복한 후 그 문화는 주로 그리스의 혜택을 받았고 동시에 시리아, 바빌론, 이집트 등의 문명 성취를 흡수했다.
2. 중세 시대의 음악
서기 476년 로마 제국이 멸망한 후 그리스와 로마 문명은 쇠퇴했습니다. 게르만 민족은 역사적으로 "암흑 시대", "중세 시대"라고도 알려진 유럽 서부 절반을 지배했습니다.
당시 교회는 사람들의 삶의 중심이었으며 정치, 경제, 문화에서 중요한 역할을 담당했습니다. 예술가들은 종교 속에서 살았기 때문에 당시에는 예술과 종교가 밀접하게 연관되어 있었습니다.
이 시기의 음악 활동은 기독교의 영향을 많이 받았다. 음악은 주로 종교의식이나 찬송가를 중심으로 그레고리오 성가 등 기능에 중점을 두었다. 대부분의 가사는 성경에서 따왔습니다.
멜로디의 기복이 적고 조화로운 기반이 부족하며 연주가 단순하다는 것이 특징이다.
중세 음악에 가장 큰 공헌을 한 사람은 밀라노의 암브로시우스 주교와 교황 그레고리오 1세이다.
서기 390년경, 암브로스는 찬송가의 이중 합창을 장려하고 화성을 도입했으며, 승려나 신부가 아닌 평신도들도 노래에 참여할 수 있도록 허용했습니다. 발전하고 대중화 된 것은 교회 음악이었습니다.
서기 590년부터 604년까지 재위했던 교황 그레고리오 1세는 엄숙한 예배를 위한 레퍼토리를 편찬했고, 기도예식에 음악이 반드시 포함되어야 한다고 법적으로 규정해 그레고리오 시편 전집을 이루게 됐다. 이후의 표기법이 개발되었지만 아직은 막대선과 보표가 없었지만 고음과 저음표를 사용하는 방식이 오선 표기법의 창안의 기초가 되었습니다. 각 줄 앞에는 세 개의 마름모꼴 음자리표가 있고, 다음 줄의 음높이를 표시하기 위해 끝 부분에 마름모꼴 음자리표가 있습니다. 기본적으로는 오선보의 원형이지만 리듬을 표현할 수는 없습니다. 가수들을 양성하기 위해 학교도 설립되었고, 교회의 영향권 내에서 음악이 활발하게 장려되어 10세기 이전에는 교회 음악이 유럽의 주요 음악 형식이 되었습니다.
3. 르네상스의 음악
르네상스 시대는 서기 1450~1600년경 중세의 '신예술'을 바탕으로 인간 본성의 해방과 인간의 본성에 대한 이해와 내면의 감정 표현. 이때 음악가들은 인문주의적 사상사조에 이끌려 다성음악을 발전시키고 개량하였고, 성악과 기악은 점차 분리되어 독립적으로 발전하였다. 이 기간 동안 오선보가 완성되었고 악보에도 인쇄술이 적용되어 음악의 보급이 더욱 편리해지고 널리 퍼졌습니다. 이 기간 동안 다음과 같은 더 영향력 있는 음악 학교가 있었습니다:
네덜란드 학교
주요 음악 활동이 네덜란드에서 이루어진 음악가 그룹. 창작 콘텐츠는 세속음악뿐만 아니라 미사, 모테트 등 종교음악이 대부분이다. 대표적인 인물로는 Di Fei, Ruoskan, Bian Shua, Okegemu 등이 있습니다.
베네치아 악파
1530년에서 1620년 사이에 설립된 기악 학교로 넓고 웅장한 사운드와 날카로운 대비 효과가 특징입니다. 그의 작곡에는 금관과 현악을 위한 앙상블, 오르간 전주곡, 환상, 토카타가 포함됩니다. 대표적인 인물로는 Virat, A. Gabrielli 등이 있습니다.
로마 음악 학교
주로 아카펠라 노래 형식의 종교 작품 창작을 전문으로 하는 이 시대의 음악 학교입니다. 대표적인 인물로는 Palestrina, G.M. Nanino, F. Soriano 등이 있습니다.
4. 바로크 음악
바로크 음악은 르네상스 이후 유럽에서 생겨나기 시작하여 클래식 음악이 형성되기 이전부터 유행했던 음악의 종류를 일컫는다. 1750년까지. 150년 사이.
바로크(Baroque)라는 말은 둥글지 않거나 모양이 불완전한 진주를 뜻하는 포르투갈어 '바로코(Barocco)'에서 유래됐다. 원래는 건축 분야에서 사용된 용어였으며 이후 점차 건축 분야에서도 사용됐다. 예술과 음악. 예술 분야에서 바로크 양식은 정교한 장식과 화려한 스타일이 특징으로 나타나는데, 이러한 현상이 나타나는 주된 이유는 바로크 시대가 귀족들이 권력을 장악하던 시대였으며, 웅장한 궁전의 호화로운 과시가 새로운 문화였기 때문이다. 예술의 발전 중심지이며, 이러한 환경의 변화는 음악가들의 창작에도 직접적인 영향을 미쳤다. 17~18세기 궁중음악가들이 작곡한 음악작품의 대부분은 상류층의 사회적 요구를 위한 것이었고, 귀족의 권력과 부를 과시하기 위해서는 당시 궁중음악이 화려하고 비범한 음악을 제시해야 했다. , 기분 좋은 분위기를 조성합니다.
바로크 음악은 극도의 사치와 장식적인 음이 많은 것이 특징입니다. 리듬은 강하고 짧으며 리드미컬하고 멜로디가 절묘하다. 다성음악(다성음악)은 장조와 단조가 교회의 양식을 대체하면서 여전히 지배적이었고 토닉 음악도 번성했습니다. 그 결과, 다성음악의 조화로운 성격이 점점 더 분명해졌습니다. 다성음악은 J.S. 바흐 시대에 정점에 이르렀습니다.
디지털 베이스와 즉흥 연주는 바로크 음악의 중요한 부분이며, 오케스트라 편곡은 아직 표준화되지 않았습니다.
5. 클래식 음악
클래식 음악은 1730년부터 1820년까지의 유럽 주류 음악을 말하며 비엔나 고전파라고도 알려져 있습니다. 이 학교의 가장 유명한 세 명의 작곡가는 하이든, 모차르트, 베토벤입니다.
클래식 음악은 바로크 음악의 발전을 계승한 음악으로, 유럽 음악사에서 한 시대의 음악 스타일이다. 이 시대에는 다악장 교향곡, 독주 협주곡, 현악 4중주, 다악장 소나타 및 기타 장르가 출현했습니다. 소나타 형식과 론도 형식은 고전과 낭만주의 시대에 가장 일반적인 음악 형식이 되었으며, 그 영향은 20세기까지 깊었습니다. 바로크 시대에 비해 오케스트라의 규모가 커졌고, 점차 지휘자가 오케스트라를 이끄는 것이 일반화됐다. 현대 피아노는 고전 시대에 등장하여 점차 하프시코드를 대체했습니다.
프랑스 혁명이 사회에 미친 영향으로 작곡가의 생계도 영향을 받았고, 처음에는 궁궐과 교회에 의존하여 지원을 받다가 독립된 운영자로 변신했다.
6. 낭만주의 음악
낭만주의는 주로 1830년에서 1850년 사이의 문학 창작과 1830년에서 1900년 사이의 음악 창작을 묘사하는 데 사용됩니다.
낭만주의 음악은 클래식 음악(비엔나 고전파)의 연속이자 발전이다.
기존 비엔나 고전음악에 비해 낭만주의 음악은 감정과 이미지의 표현에 더 중점을 두고 형식과 구조에 대한 고려를 상대적으로 과소평가한다. 낭만주의 음악은 상상력이 풍부한 경우가 많고, 낭만주의 음악은 비현실적인 문학 작품의 영향을 받은 경우가 많으며, 타이틀곡의 구성도 상당하다. 낭만주의의 요소는 고대부터 현재까지 음악 창작에 포함되며 특정 시대에 국한되지 않습니다. 왜냐하면 음악 창작 자체는 상상력의 표현이고 낭만주의는 바로 상상력의 가장 좋은 구현이기 때문입니다.
베토벤은 클래식 음악의 대가이자 종결자이자 낭만주의 음악의 선구자이다. 낭만주의 음악은 클래식 음악의 선율 기반의 통일성을 버리고 다양성과 발전, 조화를 강조하는 역할을 한다. 캐릭터 캐릭터의 특별한 특성을 살리고 변조 기술과 반음이 더 많이 사용됩니다. 낭만주의 오페라의 대표자는 베버이고, 음악의 대표자는 슈베르트이다.
낭만주의 음악은 폭넓은 영향력과 민족적 차별화의 경향을 반영한다. 프랑스에서는 베를리오즈, 이탈리아의 로시니, 헝가리 리스트, 폴란드의 쇼팽, 러시아의 차이코프스키 등이 등장했다. 낭만주의 음악은 바그너와 브람스 시대에 점차 역사 속으로 들어갔습니다.
7. 현대음악
현대음악(Modern Classic Music, 20세기 클래식음악)이라고도 불리는 현대음악은 1900년부터 현재까지 유럽의 클래식음악을 계승해 온 장르를 말한다. 음악 시대에는 많은 음악 학교와 스타일이 있습니다. 이전에는 현대 음악의 두 가지 주요 원천이 있었습니다. 구스타프 말러와 리하르트 슈트라우스의 후기 낭만주의 음악과 드뷔시의 인상주의 음악이었습니다. 그 부문에는 Boulez의 순차 음악과 미니멀리스트 음악, Steve Reich와 Philip Glass의 단순한 3음 코드 사용, Pierre Schaeffer의 구체적인 음악, Harry Partch, Alois Hába 등의 차등 음악을 포함하여 훨씬 더 많은 유형의 음악이 있습니다. 사운드 음악과 존 케이지의 우연의 음악.
현대음악 이전에는 바르토크 벨라, 말러, 리차드 슈트라우스, 푸치니, 드뷔시, 아이브 등 유럽의 클래식 음악가들이 경, 엘가, 숌벡, 라흐마니노프, 프로코피예프, 스트라빈스키, 쇼스타코비치, 브리튼 등을 계승했다. , 코플랜드, 넬슨 등. 당시에는 클래식 음악과 재즈도 서로 영향을 주었고, 거슈윈(Gershwin)이나 번스타인(Bernstein)처럼 두 분야를 동시에 작곡할 수 있는 음악가들이 있었습니다.
현대음악의 매우 중요한 특징은 소위 전통음악과 아방가르드 음악의 구별이 있다는 점이다. 그들의 음악적 원리는 한편으로는 매우 중요하지만 그다지 중요하지 않거나 받아들여지지 않는 경우가 많다. 반대편에. 예를 들어 Weiburn, Carter, Varris, Milton Babbitt 등은 아방가르드 분야에 중요한 공헌을 했지만 종종 이 분야 밖에서 공격을 받았습니다. 시간이 지나면서 아방가르드라는 개념이 점점 더 수용되게 되었고, 두 분야의 구분은 더 이상 명확하지 않게 되었으며, 놀랍게도 이러한 선구적인 기법은 대중음악에서 자주 인용됩니다: 비틀즈, 핑크.. . Freud, Michael O. Field, Transcendence, Radiohead 등 유명 가수는 물론 많은 영화에 사용된 사운드트랙도 포함되어 있습니다.
본 글은 20세기 음악의 개요만을 제공할 뿐이라는 점에 유의해야 한다. 언급된 음악가들이 한 측면에서 기여했다는 사실이 그들이 그 분야에서만 활동했다는 의미는 아니다. 예를 들어, 스트라빈스키는 작곡가로서의 경력 중 여러 시기에 낭만주의, 현대, 신고전주의 및 순차 음악 학교의 회원으로 간주되었습니다.
20세기의 경제적, 사회적 패턴 역시 음악에 큰 영향을 미쳤다. 산업화 시대를 거치면서 세계는 테이프에서 CD, DVD에 이르기까지 녹음 및 재생 장비가 점차 발전해 갔다. 라디오와 텔레비전, 그리고 전체 자본주의적 맥락의 내재성. 19세기 사람들은 대부분 자신이 직접 음악을 작곡하거나 콘서트에서 그 음악을 들었습니다.
8. 뉴에이지 음악(영어: New Age music)이라고도 번역되는 음악은 1970년대에 처음 등장하여 마음을 정화하고 명상하는 데 도움을 주기 위해 사용된 음악의 한 형태입니다. 그러나 많은 후기 창작자들은 더 이상 이러한 출발점을 갖지 않았습니다. 다르게 말하면, 풍부하고 다채로우며 변화무쌍하기 때문에 이전의 어떤 음악과도 다르다는 것입니다. 그것은 하나의 카테고리를 지칭하는 것이 아니라 과거와는 다른 모든 개선된 음악을 의미하며 변화를 상징합니다. 시대적 의미와 영적인 의미를 해석할 수 있는 것에 속하므로 뉴에이지, 즉 신세기 음악이라 명명된다.