"예술이란 무엇입니까? 클릭합니다 이런 문제가 격렬한 논쟁을 불러일으켜 만족스러운 답을 얻지 못하는 경우는 거의 없다. 그러나 최종 결론을 내릴 수 없더라도 부분적으로 설명할 수 있다. 첫째로,' 예술' 은 우리가 예술 개념과 예술 자체의 존재를 인정한다는 것을 의미하는 단어이다. 이 단어가 없다면, 우리는 그것에 대해 의심을 가질 수 있지만, 사실 이 단어는 모든 사회의 언어 체계에 존재하지 않는다. 예술은 어디에나 있는' 제조' 이기 때문에 예술도 대상이 될 수 있지만, 모든 대상이 예술이 아니라 예술은 심미 대상이다. 이는 예술이 내재적 가치로 사람들의 관심과 감상을 받는다는 것을 의미하며, 바로 이 특징이 예술을 남다르게 만드는 것이다. 많은 귀중한 예술 작품들이 일상생활에서 벗어나 박물관, 교회, 심지어 동굴에 등장한다. 그렇다면 우리가 "미학" 이라고 부르는 것은 무엇을 의미합니까? 그것은 이렇게 정의되었다: 아름다움과 관련이 있다.
물론, 모든 예술이 눈과 귀를 즐겁게 하는 것은 아니지만, 그럼에도 불구하고 그것들은 여전히 예술이다. "심미" 라는 단어가 아무리 만족스럽지 못하더라도, 우리는 여전히 사용해야 한다. 왜냐하면 아직 더 좋은 단어가 없기 때문이다. 미학은 철학의 한 분야로서 플라톤부터 오늘까지 사상가들이 토론해 온 대상이지만, 철학과 관련된 모든 문제와 마찬가지로' 아름다움' 으로 인한 이 주제는 본질적으로 설명하기 어려울 수 있다. 지난 세기 미학은 심리학의 연구 분야가 되었지만 통일된 인식을 달성하지 못했다. 왜 그럴까요? 한편, 인간의 뇌 구조와 신경계가 같기 때문에, 모든 사람들은 매우 비슷한 기본적인 느낌을 많이 가지고 있을 것이다. 반면에, 우리의 취향과 선택은 각자의 문화적 배경에 의해 제한될 것이다. 문화의 유형은 이렇게 다채로워서 예술에 모든 문화 유형에 적용할 수 있는 보편적인 규칙을 줄 수는 없다. 더욱이, 이러한' 과학' 의 법칙은 예술가들이 이러한 법칙을 잘 알고 의식적으로 이러한 법칙에 따라 행동해야 인간의 시각에 영향을 미칠 수 있다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 과학명언) 그래서 법은 예술을 이해하는 데 의미가 없다. 예술의 절대적인 가치는 과거와 현재 모두 우리를 괴롭히고 있다. 우리는 예술품을 그것의 시대와 배경에 다시 넣어 연구해야 한다. 어쩌면 우리는 다른 방법이 있을지도 모른다. 예술 작품이 여전히 우리 곁에서 창조되고 있기 때문에, 우리는 항상 일어나고 있는 일에 주의를 기울이고, 자신의 시각적 취향을 조정하도록 강요해야 한다. (존 F. 케네디, 예술명언)
# 상상력
우리 모두는 꿈이 있다. 이것은 상상력이 작용하는 것이다. 상상력은 단순히 머릿속에 하나의 이미지, 즉 한 폭의 그림을 형성하는 것으로 묘사될 수 있다. 인간은 유일한 상상력이 있는 생물은 아니다. 동물도 자신의 꿈을 가지고 있다. 고양이가 잠을 잘 때 귀나 꼬리에 떨림과 경련이 생길 수 있다. 잠자는 개는 으르렁거릴 수도 있고, 심지어 허공에서 발톱을 춤을 추며 싸우는 것 같다. 깨어있을 때, 동물도 상상 속의 것을 "볼" 것이다. 고양이가 옷장 속에서 어둠을 볼 때 등 위의 털이 영문도 모른 채 곤두선다. 이런 상황은 우리가 보거나 듣지 못한 것과 마찬가지로 환각과 망상으로 인한 것이다. 하지만 어쨌든 사람과 동물의 상상력에는 깊은 차이가 있을 수밖에 없다. 인간은 글이나 그림으로 상상력을 표현할 수 있는 유일한 생물이며, 인간만이 예술을 창조하려는 욕망을 가지고 있다. 야외에서는 어떤 동물도 자발적으로 식별 가능한 이미지를 그릴 수 없다. 엄격하게 통제되는 실험 조건 하에서도 동물이 그린 이미지는 단지 실험 과정의 정보일 뿐 예술과는 무관하다.
반면에 사람들은 의심할 여지 없이 예술적 재능을 가지고 있다. 어떤 평범한 아이라도 다섯 살 전에 납작한 얼굴을 보름달 모양으로 그린다. 예술적 창의력은 인간 특유의 것이다. 마치 넘을 수 없는 격차를 그려서 사람과 동물을 갈라놓는 것과 같다. (조지 버나드 쇼, 예술명언)
발육 중인 태아가 항상 인류 진화의 대부분의 과정으로 거슬러 올라가는 것처럼, 싹이 난 예술가도 그의 예술이 발생하는 첫 단계를 세워야 한다. 곧 그는 이 과정을 완성하여 주변 문화 환경에 반응하기 시작할 수 있을 것이다. 어린이 예술조차도 그들의 인격을 형성하는 사회적 흥미와 관념에 종속되어 있다. 사실, 우리는 항상 성인 예술을 판단하는 기준으로 아동의 창작을 판단하는 경향이 있다. 단지 적절한 용어를 사용했을 뿐이다. 예술가가 성장하는 모든 단계를 연구할 때, 아이가 성인이 되어서도 예술에 종사하고 싶다면 그의 모든 자질, 즉 조화성, 지능, 개성, 상상력, 창의력, 미적 능력을 넓혀야 한다는 것을 알게 될 것이기 때문이다. 이런 관점에서 볼 때, 한 청년 예술가의 성취 과정은 생명 자체의 성장만큼 연약하며, 생활의 어떤 변화로도 정체될 수 있다. 따라서 매우 운이 좋은 사람만이 성인이 되어서도 창의력을 계속 유지할 수 있다는 것은 놀라운 일이 아니다.
예술 창작은 이렇게 많은 요인과 관련이 있기 때문에 예술가의 인격에 매우 중요한 역할을 해야 한다. 현대 심리학의 아버지 시그먼드? 프로이트는 의경이 잠재의식의 승화라고 생각한다. 이런 관점은 예술 창작에 대한 해석이 다소 부정확하다. 예술은 신경질환에 의해 지배되는 부정적인 힘뿐만 아니라 인격의 다방면의 긍정적인 표현에서도 비롯되기 때문이다. 사실, 우리는 정신환자의 작품을 볼 때 그들의 열정적인 생명력에 감동을 받지만, 여전히 직관적으로 뭔가 잘못되었다고 느낄 수 있다. 이 표현이 불완전하기 때문이다.
예술가는 때로 감당할 수 없는 천부적인 재능으로 고통스러울 수 있지만, 정신질환에 얽매여 있다면 결코 진정한 창조성을 가질 수 없다. (존 F. 케네디, 예술명언) 상상력은 인류의 풀기 어려운 수수께끼이다. 그것은 의식과 무의식의 결합으로 간주되며, 우리 뇌의 많은 활동은 무의식 속에서 이루어진다. 상상력은 인격, 지성지식, 정신의 교차점이다. 왜냐하면 그것은 세 가지와 관련이 있기 때문이다. 그것의 방향은 예측할 수 없지만, 그것은 머리와 정신에 의해 결정되는 길을 따라 전진한다. 따라서 가장 개인화된 예술품이라도 직관적인 제품일 뿐 아니라 어떤 수준에서도 지음을 얻을 수 있다.
상상력이 중요하다. 그것은 우리가 미래의 다양한 가능성을 얻을 수 있게 해 주며, 또한 우리가 진정으로 가치 있는 방식으로 과거를 이해할 수 있게 해 준다. 상상력은 창조의 기초 중 하나이다. 인류 진화 역사 전체로 볼 때, 예술 창조력은 반드시 비교적 늦은 단계에서 인류에게 주어져야 한다. 인류의 최초의 예술 작품은 알려지지 않았다. 우리 조상은 이미 이 행성에서 300 만 년을 살았고, 알려진 가장 오래된 선사 예술은 25,000 년 전에 발생했다. 이것이 찾기 어려운 장기 발전의 정점이라는 것은 의심의 여지가 없다. 부족 민족의 가장 원시적인 예술작품조차도 구조가 안정된 사회에서 생겨났는데, 이는 예술 발전 과정의 나중 단계일 뿐이다.
최초의 예술가는 어떤 사람입니까? 가장 큰 가능성은 마법사일 것이다. 예를 들어, 전설의 오르페우스는 신성한 힘과 영감을 가지고 가사상태에서 잠재의식에 들어갈 수 있는 것으로 여겨진다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 지혜명언) 일반인과는 달리, 그들은 현실로 돌아갈 수 있다. 그들은 미지의 세계를 이해할 수 있는 능력과 예술적 표현의 재능을 가지고 있기 때문에 인간과 자연 뒤에 숨겨진 힘을 통제할 수 있는 힘을 얻었다. 오늘날의 예술가들조차도 신기한 힘을 가지고 있다. 그들의 작품으로 사람들을 현혹시키거나 감동시켜 문명사회의 구성원을 난처한 처지에 빠뜨린다. 이성적인 통제의 외모를 잃고 싶지 않기 때문이다.
인간은 왜 예술을 창조해야 하는가? 그 이유 중 하나는 의심할 여지 없이 거부할 수 없는 자신을 장식하고 주변 환경을 미화하려는 욕망이다. 이것은 더 깊은 욕망에서 비롯된다. 작품에 세상을 묘사해야 할 뿐만 아니라 이상적인 형식으로 자신과 환경을 재구성해야 한다는 것이다. 따라서 예술은 장식보다 훨씬 더 많은 의미를 지니고 있습니다. 비록 그 의미가 때로는 미묘하고 이해하기 어렵긴 하지만, 예술은 의미가 가득 차 있습니다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) 예술은 우리가 다른 방식으로 표현할 수 없는 것을 전달할 수 있게 해준다. 묘사 기능이든 상징적인 의미든 한 폭의 그림이 천언만어를 대체할 수 있다. 언어에서처럼 사람은 우선 예술에서 상징적인 의미의 창조자이며, 완전히 새로운 방식으로 복잡하고 미묘한 사상을 전달한다. 우리는 예술을 일상생활의 수필로 여겨서는 안 된다. 예술은 시이다. 새로운 것을 전달하기 위해, 보통 더 풍부한 의미와 감정을 전달하기 위해 시는 전통적인 어휘와 문장 구조를 자유롭게 재구성할 수 있다. 한 폭의 그림은 보통 그것이 묘사한 것보다 더 많은 의미를 의미한다. 시와 마찬가지로 예술의 가치는 무엇을 표현하고 어떻게 표현하느냐에 있다. 그러나 암시, 자세, 표정, 리얼리티를 통해 암시할지 여부 또는 선, 형식, 색, 구도 등 시각적 요소를 통해 사람들의 감정을 불러일으키는 것은 그 의미를 완전히 전달하지 못한다.
예술의 의미는 무엇입니까? 예술품은 우리에게 무엇을 알려주고 싶습니까? 예술가는 종종 설명이 잘 안 된다. 왜냐하면 작품은 내용 자체이기 때문이다. 이 내용들을 문자로 표현할 수 있다면 예술가는 작가가 될 것이다. 다행히도, 일부 시각적 기호와 그 상징적인 의미는 서로 다른 시간과 지역에서 규칙적으로 반복되기 때문에 보편적인 것으로 간주될 수 있다. 이 기호들은 특정 문화적 배경에서만 그 정확한 의미를 가질 수 있어 예술의 무한한 변화를 불러일으킨다. (존 F. 케네디, 예술명언)
그래서 예술은 언어와 같습니다. 제대로 이해하려면 국가, 시대, 예술가의 스타일과 사상을 이해해야 한다. 우리는 정확하게 복제된 자연주의 전통에 매우 익숙하기 때문에 예술은 현실을 모방하는 것이라고 생각한다. 환상을 만드는 이런 예술 수법은 예술가가 현실에 대해 인식하는 한 가지 방법일 뿐이다. 진리는 항상 상대적이다. 눈에서 보는 것뿐만 아니라 내면에서 느끼는 것이기 때문이다.
그래서 사실주의로 인해 사실주의를 중시하고, 스타일과 내용에 걸맞아야 할 이유가 없다. 사실주의 작품의 가장 큰 장점은 통속적이고 이해하기 쉽다는 것이다. 그것의 결점은 잡문과 마찬가지로 항상 일상생활에서 어느 정도의 진술과 표면 현상을 빼놓을 수 없다. 사실 현실주의는 예술 자체의 목적을 위해서라도 예술사의 예외로 여겨져야 한다. 예술가는 단지 자신의 창의력에 의지하고 있기 때문에, 그가 창조한 어떤 이미지도 모두 독립적이고 자족적인 현실이며, 모두 자신의 결말을 가지고 있으며, 모두 자신의 법칙을 따르고 있다는 것을 이해해야 한다. (존 F. 케네디, 예술명언) 현실에 대한 가장 진실한 재현조차도 예술가의 상상력과 이해력의 산물이다. 그래서 우리는 그가 왜 이 제재를 선택하는지, 왜 이런 예술 표현을 선택하는지 끊임없이 캐물어야 한다.
# 창의력
제작' 은 무슨 뜻인가요? 문제를 단순화하기 위해 우리는 시각 예술만 논의한다. 그러면 우리는 예술 작품이 인간의 손으로 만든 유형적인 물체여야 한다고 말할 수 있다. 이 정의는 적어도 예술작품과 꽃, 조개, 석양 등 자연현상을 구분할 수 있다. 이 정의는 분명히 불완전하다. 예술품 외에 인간의 손이 다른 많은 것을 만들어 냈기 때문이다. 그러나이 정의는 또한 시작으로 사용될 수 있습니다. 이제 피카소의 놀라운 작품을 살펴보겠습니다. ‖ 소머리 ‖ (그림 1) 그것은 낡은 자전거 좌석과 낡은 차 한 개로 이루어져 있습니다. 여기서 우리의 정의는 무슨 의미가 있습니까? 피카소가 사용하는 재료는 모두 인조된 것이 분명하다. 하지만 피카소와 자전거 제조사 * * * 가 서명권을 누리고 있다면 정말 우습다. 좌석과 핸들 자체는 예술품이 아니기 때문이다.
사람들이 이 예술품의 구성 요소를 알아보는 것에 충격을 받았을 때, 천재만이 이렇게 독특한 방식으로 그것들을 조합할 수 있다고 느꼈고, 이것이 예술품이라는 것을 부인하기가 어려웠다. 이 작품 (좌석과 핸들) 은 매우 간단하지만 단순한 피카소의 점프 사고는 아니었다. 그는 무관한 물체에서 소머리의 이미지를 발견했다. 오직 그 사람만이 이 일을 할 수 있다는 것을 인정해야 한다. 예술 창작은 결코 공예나 솜씨와 혼동해서는 안 된다. 어떤 예술 창작에는 많은 기교가 필요하고, 다른 예술 창작에는 많은 기교가 필요하다. 그러나 가장 심혈을 기울인 공예품조차도 예술품이라고 불릴 수 없다. 단, 활발한 상상력이 굳어지지 않는 한.
그렇다면' 소머리' 창작의 실제 과정이 피카소의 머릿속에서 이뤄졌다는 뜻인가요? 사실은 그렇지 않다. 피카소가 좌석과 손잡이를 함께 보여주지 않고 "오늘 나는 자전거 좌석과 손잡이를 보았다. 함께 있는 것은 소머리 같다! " "그러면 예술작품이 없을 것이고, 대화 자체도 지루하고, 전혀 흥미진진하지 않을 것이다. 피카소 본인은 전적으로 개인의 상상력으로 예술 작품을 창작하는 것에 만족하지 않을 것이다. 일단 아이디어가 생기면 실천에 옮겨야만 그 효과를 최종적으로 확정할 수 있다.
그래서 아무리 간단한 작품이라도 예술가의 손은 창작 과정의 가장 기초적인 부분이다. 이것은 좋은 예이다. 이 과정에서 반드시 머리를 쥐어짜서 실현할 수 있는 방법을 생각해 내야 한다. 관건은 상상력이 겉으로 관련이 없는 것 사이의 관계를 찾아 표현 방식을 찾아야 한다는 것이다. (존 F. 케네디, 생각명언)
일반적으로 예술가는 기성된 물체를 사용하지 않고, 자신의 형식이 없거나 거의 없는 재료를 사용한다. 창작 과정에는 일련의 상상력이 풍부한 활동과 재료를 형성하기 위한 노력이 포함된다. 예술가의 손은 상상에 따라 기대되는 한 획을 그리려 하였으나, 결과가 반드시 만족스럽지 못한 것은 아니다. 한편으로는 재료 자체가 사용하기에 적합하지 않기 때문입니다. 반면에 예술가의 마음 속에 있는 이미지는 항상 변하기 때문에 상상력 자체는 그다지 선명하지 않다. 사실, 예술가가 선을 그려야 그의 마음 속의 이미지가 확정되기 시작했다. 이 선은 이미지의 일부가 됩니다. 유일한 확실한 부분입니다. 나머지는 아직 나타나지 않은 것은 여전히 변화하고 있다. 예술가는 대사 한 마디를 추가할 때마다 그의 머릿속에서 성숙한 이미지에 맞춰 새로운 상상력이 필요하다. 만약 이 선이 호환되지 않는다면, 그는 포기하고 다시 그릴 것이다.
이런 식으로, 끊임없는 창작 충동에서, 자신의 상상력과 눈앞에서 이미 부분적으로 형성된 소재 사이에 예술가는 마침내 시각적 이미지가 주어질 때까지 점차 자신의 뇌 속 이미지를 명확하게 파악했다. 물론, 예술 창작은 미묘한 내적 경험이며, 그 중의 모든 단계를 정확하게 묘사할 수는 없다. (알버트 아인슈타인, 예술명언) 예술가 본인만이 충분히 체득할 수 있다. 그러나 그는 너무 몰입해서 다른 사람을 끌어들이는 것은 매우 어렵다.
하지만 출생과 양육의 비유로 창작 과정을 묘사하면' 예술가의 머리 속에 있는 이미지의 변환이나 투영' 보다 창작의 진실에 더 가깝다. 예술 창작은 즐겁고 고통스럽고 놀라움으로 가득 차 있기 때문이다. 결코 기계적인 것이 아니다. 심지어, 우리는 예술가 자신이 자신의 창작을 생명이 있는 것으로 생각하는 것을 더 선호한다고 말할 수 있는 충분한 증거가 있다. (존 F. 케네디, 예술명언) 아마도 그것이 창조가 한때 신의 독점적인 권력일 뿐인 이유일지도 모른다. 오직 그 사람만이 자신의 생각에 따라 물질적 형태를 부여할 수 있기 때문이다. 사실 예술가의 작품은 성경에 나오는 신의 창조와 같은 의미를 가지고 있다. 미켈란젤로가 그의 창작을' 대리석의 속박에서 이미지를 해방시킨다' 고 묘사할 때까지 이런 신성한 능력은 오랫동안 무시되었다. 그는 창작 경험에서 누구보다도 고통과 영광을 생생하게 표현했다. 그의 조각 과정은 채석장의 원석에서 인물을 발견한 것으로 이해할 수 있다. 때때로 그는 심지어 석두 채굴되기 전에도 그것을 관찰하고 있다. 모두 알다시피, 그는 채석장에 가서 현지에서 취재하는 것을 좋아한다. ) 을 참조하십시오
미켈란젤로는 사람들이 아직 자궁에 있는 아기를 볼 수 없는 것처럼 석두 속에 숨겨진 이미지를 볼 수 없다. 하지만 우리는 그가 대리석에서 투석의' 생명의 징후' 를 볼 수 있다고 믿는다. 석두 표면의 무릎이나 팔꿈치에 나타난다. 미켈란젤로는 이러한 모호하고 흐르는 이미지를 단단히 잡기 위해 항상 많은 스케치를 그리는데, 때로는 왁스나 점토로 작은 모형을 만들어' 대리석 우리' 를 공격하기도 한다. 왜냐하면 그는 이것이 그와 물질의 마지막 대결이라는 것을 알고 있기 때문이다. 일단 그가 조각하기 시작하면, 칼을 자를 때마다 투옥된 이미지에 대한 그의 책임은 1 점 증가할 것이다. 그가 그림의 자세를 정확하게 예측해야만 구슬이 완전히 방출된다.
때때로 그의 기대는 완벽하지 않다. 대리석은 심지어 죄수의 가장 기본적인 부분을 보여주기를 거부한다. 미켈란젤로는 그의 "세인트 마태" 처럼 미완성 작품만 남기고 실패했다 (그림 2). 그것의 모든 부분은 헛된 해방 투쟁을 보여준다. 세인트 마태 조각상의 측면도 (그림 3) 를 보면 미켈란젤로의 어려움을 알 수 있을 것이다. 그러나, 그는 다른 자세로 완성할 수 없을까? 분명히, 그가 이렇게 할 수 있는 충분한 자료가 있다. 예, 그는 할 수 있지만, 아마도 그가 예상한 방식으로 조각품을 완성할 수 없기 때문에, 그로 하여금 이중고통을 느끼게 할 수 있습니다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언)
분명히 예술 작품의 창작은 우리가 일반적으로 말하는' 제조' 와 거의 공통점이 없다. 이것은 이상하고 위험한 작업이다. 예술가는 진정으로 작품을 완성하기 전에 자신이 무엇을 창작하고 있는지 전혀 알지 못한다. (존 F. 케네디, 예술명언) 다른 말로 하자면, 예술 창작은 숨바꼭질 게임이다. 찾는 사람은 목표를 찾기 전에 자신이 무엇을 찾을지 모른다. (알버트 아인슈타인, 예술명언) 소머리 ‖ 에서 우리에게 가장 인상 깊었던 것은 대담한' 발견' 이었고, ‖ 성마동 ‖ 에서는 힘든 탐구였다. ) 을 참조하십시오
예술가가 아닌 사람들에게는 불확실성과 우연성이 예술가의 작품의 본질이라고 믿기 어렵다. 왜냐하면 우리는 종종 창작을 예술가나 장인과 연결시키기 때문이다. 처음부터 그들은 자신이 무엇을 해야 하는지 알고, 가장 적합한 도구를 선택하며, 자신이 하는 모든 단계의 유효성에 대해 좋은 생각을 가지고 있다. 이' 제작' 은 두 단계로 나눌 수 있다. 하나는 장인 제작 방안이다. 그런 다음 그는 계획대로 행동했다. 그 또는 그의 고객은 이미 가장 중요한 결정을 미리 내렸기 때문에 계획을 실행할 때 결과가 아니라 수단만 걱정하면 된다. 이런 일은 모험정신은 없지만 모험정신도 있을 수 있다. 그의 일은 결국 정형화되어 기계로 대체될 것이다.
그러나 예술가는 어떤 기계도 대체할 수 없다. 사상과 기법이 한데 어우러져 밀접하게 상호 의존적이기 때문에 예술가들은 그것들을 완전히 분리할 수 없다. 장인은 그에게 무엇이 가능한지 알도록 요구하지만, 예술가는 항상 불가능을 추구하도록 부추긴다. 적어도 불가능하거나 상상할 수 없는 것이다. (아리스토텔레스, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) 결국 피카소가 발견하기 전에, 소머리가 자전거 좌석과 핸들에 숨어 있을 것이라고 누가 상상한 적이 있습니까? 피카소의 오리지널 사상이 없다면, 누가 부패를 신기하게 할 수 있겠는가? 예술가의 작업 방법이 항상 어떤 오래된 규칙과 상충되는 것도 놀라운 일이 아니며, 장인의 일은 표준화와 규칙의 요구 사항을 기초로 한 것이다. 우리가 예술가에 대해 이야기할 때, 우리는 항상 그들을 "생산적인" 작품이 아니라 "창의적인" 작품이라고 부르는데, 이는 우리가 그들 사이의 차이를 인정한다는 것을 의미한다. 창조' 가 너무 빨리 남용돼 초심을 잃었지만 거의 모든 어린이나 립스틱 제조사에' 창조' 라는 낙인이 찍혔다.
말할 필요도 없이, 군중 속의 장인은 예술가보다 훨씬 많다. 친숙하고 실현 가능한 것에 대한 우리의 수요가 예술작품에서 창의력을 발견할 수 있는 우리의 능력을 압도했기 때문에, 이런 발견은 종종 사람을 불안하게 한다. 누구나 때때로 미지의 것을 알고 새로운 것을 발견하려는 욕망이 있을 수 있다. 이런 의미에서 우리 모두는 자신을 잠재적인 예술가, 즉 침묵하고 알려지지 않은 밀턴으로 상상할 수 있다. 일반인과 예술가를 구별하는 것은 탐구의 욕망이 아니라' 천부' 라고 불리는 신비한 발견 능력도' 천부' 라고 부른다. 즉, 이것은 하늘이 주신 선물이거나,' 천재' 라고 불린다. 이 단어는 원래 예술가의 몸이 더 높은 힘, 즉 선량한 괴물 (정력적이고 기예가 뛰어난 요정) 이 차지하고 자신의 뜻에 따라 행동하는 것을 가리킨다.
재능에 대해 정말 말할 수 있는 것은 그것이 능력과 혼동되어서는 안 된다는 것이다. 능력은 장인이 필요로 하는 것이다. 평범한 사람이 할 수 있는 일을 할 때 평균보다 높은 비결을 보여 준다는 의미다. (알버트 아인슈타인, 능력명언) 능력이 안정적이고 전문적이다. 그것은 테스트 결과를 통해 측정할 수 있으며, 이를 통해 우리는 누군가의 미래의 성과를 예측할 수 있다. 반면에 창조적 인재는 전혀 예측할 수 없는 것 같다. 우리는 과거의 표현에서만 정탐할 수 있다. 과거의 표현조차도 예술가의 미래가 같은 수준에서 창작될 것이라는 것을 증명하기에는 충분하지 않다. 어떤 예술가들은 예술 생애의 초창기에 창작의 절정에 이르렀고, 그런 다음 사상이 고갈되었다. 또 다른 시작은 늦었고 장래성이 없어 보이는 사람들은 중년 혹은 더 늦은 시기에 놀라운 창의적인 작품을 만들 수 있다.
# 아이디어
요약하면 독창성은 예술과 기교를 구별하는 시금석이다. 그래서 우리는 그것이 예술의 가치와 의미에 대한 측정이라고 말할 수 있다. 불행히도 정확하게 정의하는 것은 쉽지 않습니다. 일반적인 동의어-독특하고 참신하며 신선하다-모두 정확하지 않다. 사전도 단지 우리에게 창의적인 작품을 표절해서는 안 된다고 말했을 뿐이다. 이런 식으로, 우리가 독창적인 관점에서 작품을 평가하려고 할 때, 문제는 작품이 오리지널인지 (명백한 표절이나 모방을 쉽게 배제할 수 있음) 를 판단하는 것이 아니라, 그것이 얼마나 오리지널인지 결정하는 것이다. 이렇게 하는 것은 불가능하지는 않지만, 우리는 이렇게 많은 어려움에 시달려 가설적이고 불완전한 판단만 할 수 있다. 그렇다고 우리가 노력해서는 안 된다는 뜻은 아니다. 반대로, 어쨌든, 우리의 노력의 결과가 어떻든 간에, 우리는 항상 심사 과정에서 많은 이익을 얻을 수 있다.
직접 모방은 내부 피쳐로만 식별할 수 있습니다. 만약 모방자가 예술가가 아니라 책임있는 장인이라면, 그가 할 수 있는 것은 수공예품이다. 그의 노력에 대한 우리의 평가는 평범하고 상상력이 부족하며 원작의 정신적 내포를 이해하지 못했을 뿐이다. 그리고 이런 모방에는 약간의 누락과 실수가 있을 수 있으며, 인쇄에서 흔히 볼 수 있다. 하지만 만약 위대한 예술가가 또 다른 위대한 예술가의 작품을 모방한다면 어떨까요? 다른 작품을 그의 "본보기" 로 삼다. 물론, 예술가는 전적으로 그것에 기반을 둔 것이 아니라,' 모형' 이라는 단어의 원시적인 의미라는 뜻이다. 복제효과를 원하지 않기 때문에, 그는 순전히 자신의 의지로 다른 예술품을 복제했고, 작품에는 자신의 독특한 매력을 남겼고, 아무도 흉내낼 수 없었다. 다른 말로 하자면, 적어도 그는 그의' 모형' 이 또 다른 예술품이기 때문에 속박되거나 능숙하지 않을 것이다. 일단 우리가 이것을 알게 되면, 우리는 예술가가 다른 예술품을 재표현 (그는 모사하지 않음) 하고 있다는 것을 알게 된다. 이것은 그의 예술적 독창성을 모욕하지 않는다.
두 예술품 사이의 이런 밀접한 관계는 사람들이 생각하는 것만큼 드문 것은 아니지만 정상적인 상황에서는 분명하지 않다. 에드워드? 마네의 작품' 풀밭의 점심' (그림 4) 은 1 세기 전 처음 전시될 때 이렇게 혁명적이었고, 여러 가지 유언비어를 불러일으켰는데, 부분적으로는 예술가가 한 누드 여성을 두 패션의 젊은이 사이에 배치했기 때문이다. 실생활이라면, 이런 모임은 의심할 여지 없이 경찰에 의해 금지될 것이다. 관중들은 마네가 생활 속의 실제 장면을 표현하고 있다고 생각한다. 여러 해가 지나서야 한 예술사학자가 마나이 이미지의 원천, 즉 라파엘의 작품을 원형으로 한 고대 신령동판화 한 세트를 찾았다 (그림 5). 이런 연락이 일단 지적하자 우리는 놀라지 않을 수 없었다. 이렇게 명백한 사실은 오히려 간과되었다! 마네는 라파엘의 구도를' 표절' 하거나' 복사' 하지 않았기 때문이다. 그는 인물의 기본 윤곽을' 차용' 한 다음 현대적인 어휘를 부여했을 뿐이다.
마네의 동시대 사람들이 이것을 안다면,' 잔디밭의 점심' 은 그렇게 악명 높지 않을 것이다. 지금도 라파엘에 대한 존경심은 여전히 남아 있기 때문이다. 아마도 마네는 보수적인 대중을 조롱하려고 했을 뿐, 초기 충격 이후 누군가가 그의' 수치스러운' 그림자 속에 숨어 있는 라파엘을 알아볼 수 있기를 바랐을 것이다. 관객들에게 이런 비교는 마나이 작품의 냉정하고 형식적인 특징을 더욱 분명하게 이해할 수 있게 해준다. 그러나 우리는 이것 때문에 그의 독창성을 폄하할 것인가? 그는 라파엘의 작품을 실제로' 차용' 했지만 잊혀진 고대 작품을 실생활의 독창성과 창의력으로 되돌려 그가 빌린 물건을 갚을 수 있을 만큼 충분했다. 사실 라파엘의 작품은 마나와 마찬가지로 고대 로마나 더 오래된 예술에서 나온' 파생생물' 이다.
이렇게 마네의 작품, 라파엘의 작품, 로마의 작품이' 세상에 섬이 없다' 고 하면 이 말은 예술작품에도 똑같이 적용된다. 모든 관계사슬이 큰 그물로 얽혀 있고, 각 예술작품마다 그 위에 특정한 자리가 있다. 이것은 전통이다. 전통이 없으면 (이 단어는 "우리에게 전해진 것" 을 의미함) 오리지널이 없을 것이다. 그것은 예술가에게 상상력을 발전시킬 수 있는 단단한 토양을 제공하고, 예술가의 상상력이 떨어지는 곳은 인터넷의 일부가 되어 다음 예술가에게 비약의 출발점을 제공한다.
관객에게 이 전통 네트워크는 똑같이 중요하다. 우리가 이것을 인식하고 있든 그렇지 않든, 우리는 모두 전통의 영향으로 예술 작품에 대한 견해를 형성하고 그 독창성을 평가한다. 그러나, 우리는 또한 이 평가가 항상 열려 있고 끊임없이 수정되어야 한다는 것을 기억해야 한다. 결론적인 관점을 형성하려면 각 관계 체인의 모든 부분을 봐야 하기 때문이다. 이때 우리는 바다를 바라보며 탄식할 수밖에 없다.
오리지널이 예술과 기술을 구별하는 시금석이라면 전통은 양자의 결합을 위한 기초를 제공한다. 초창기 예술가들은 모두 다른 예술작품을 모방하여 기술학습으로 시작했는데, 이런 방식을 통해 그는 자신이 처한 시대와 지역의 예술 전통을 점차 흡수하여 결국 그 속에 깊이 뿌리박히게 될 것이다. (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 예술명언) (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 예술명언) 그러나 진정으로 재능이 있는 사람만이 전통의 속박에서 벗어나 자아창조자가 될 수 있다. 창조는 가르칠 수 없고 창조의 제스처만 가르칠 수 있다. 천재가 있어야 그는 결국 진리에 도달할 수 있다. 장인과 견습생처럼 예술생들은 원래 기술과 기술, 즉 전통적인 스케치, 그림, 조각, 디자인 방법, 사물을 관찰하는 방법을 배웠다.
만약 그가 그림, 조각, 건축에 재능이 없다고 느낀다면, 그는' 실용예술' 의 많은 분야 중 하나로 전향할 가능성이 높다. 이렇게 하면 상대적으로 제한된 범위 내에서 큰 성과를 거두고 일러스트레이터, 인쇄디자이너, 인테리어 장식사가 될 것이다. 그는 직물 패턴, 도자기, 가구, 패션 또는 광고를 디자인할 수 있는데, 이 모든 것은' 순수' 예술과' 순수' 기술 사이에 있다. 이 분야들은 예술 창작 욕망은 있지만 재능이 부족한 사람들을 위한 창작 공간을 제공한다. 이런 창작은 비용, 재료 출처, 제작공예, 실용성, 적용성, 객관적 필요 등 현실적인 요인에 의해 제한된다. 실용예술은 우리의 일상생활과 밀접한 관련이 있기 때문에 그림이나 조각품보다 대중의 입맛에 더 잘 맞아야 한다.
이름에서 알 수 있듯이 실용예술의 목적은 실용적인 것을 미화하는 것이다. 이것은 당연히 중요하고 영광스럽지만, 결국 순예술이 고상하지 않다. 그러나, 우리는 종종 이 둘을 구분하기가 어렵다는 것을 발견한다. 예를 들어 중세의 그림은 대체로 실용적이다. 그들은 벽, 페이지, 창문, 가구의 표면을 장식하는 매우 실용적인 용도를 가지고 있다. 고대와 중세의 많은 조각품들도 마찬가지다. 고대 그리스의 도병은 완전히 기술의 산물이지만, 가장 재능 있는 예술가는 왕왕 도병의 장식화를 완성하는 경향이 있다. 게다가, 건축물에서는 예술과 실용예술을 전혀 구분할 수 없다. 시골 별장이든 대성당이든, 그들의 디자인은 지리적 위치, 비용, 재료, 기술, 건축 구조의 실용성 등 제약을 고려해야 하기 때문이다 ("순수" 건축예술은 공중 누각에 불과하다). 따라서 건축은 실용적인 예술로 정의되지만, 다른 작은 예술에 비해 큰 예술이기도 하다.
# 즐거운 시간 보내세요
예술이 무엇인지 판단하고 예술품의 가치를 평가하는 것은 두 가지 다른 문제이다. 만약 우리가 예술과 비예술을 구분할 수 있는 절대적으로 믿을 만한 방법이 있다면, 그것은 우리가 예술 작품의 질을 결정하는 데 도움이 되지 않을 수도 있고, 오랫동안 사람들은 이 두 가지 문제를 혼동하는 데 익숙해져 왔다. 그들은 보통 이렇게 묻습니다. "왜 이것이 예술품입니까?" 그들은 실제로 "왜 이것이 좋은 예술인가?" 라고 말하고 있습니다. 오늘날의 박물관이나 예술 전시회에서는 이상하고 불안한 예술 작품이 곳곳에서 볼 수 있다. 이 작품들에 대해 사람들은 이런 질문을 수없이 많이 제기했고, 심지어 우리 자신도 같은 의문을 품게 되었다. (윌리엄 셰익스피어, 템페스트, 독서명언) 이 문제는 우리가 예술품을 보고 있다고 생각하지 않는다는 뜻이지만, 전문가 (예술평론가, 박물관 관장, 예술사학자) 는 반드시 그렇다고 생각해야 한다. 그렇지 않으면 왜 대중에게 보여줘야 하는가? 분명히, 그들의 기준은 관객의 기준과 크게 다르지만, 관객은 이러한 기준에 대해 부적절하기 때문에 전문가들이 따를 수 있는 간결한 규칙을 제공할 수 있기를 바란다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 지혜명언) 아마도 이렇게 해야만 우리는 점차 보는 것을 좋아하게 되고,' 왜 이것이 예술이냐' 를 이해할 수 있을 것이다. 그러나 전문가들은 우리에게 어떤 단서도 주지 않았다. 그래서 예술 애호가들은 마지막 방어선으로만 물러날 수 밖에 없었다. 네, 예술에 대해서는 아무것도 몰랐지만, 적어도 내가 좋아하는 것은 알고 있었다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 예술명언)
이 문제는 오랫동안 해결되지 않아 전문가와 예술 애호가들이 서로를 이해하는 데 가장 어려운 장애물이 되었다. 최근까지 둘 사이에는 의사 소통이 필요하지 않습니다. 일반 대중은 예술 분야에서 발언권이 없고, 그들의 호불호는 소수의 전문가의 판단을 위협하기에 충분하지 않다. 이제 양측은 장애물의 존재 (장애물 자체는 새로운 것은 아니지만 이전보다 더 두드러짐) 와 장애물을 제거할 필요성을 인식하고 있다. 이 책과 비슷한 책이 바로 이를 위해 쓴 것이다. 이제 이 장애물과 그 많은 원인을 분석해 보겠습니다.
우선, 이러한 토론을 통해, 곤혹스러운 예술 애호가들은 예술을 복잡하고 미묘한, 심지어 신비로운 인간 활동으로 여기고 싶어할 수 있습니다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) 전문가조차도 그것들을 완전히 이해할 것으로 기대할 수 없다. 하지만 이런 생각은 아마도 예술 애호가들이 자신의 고집을 부리는 이유로' 나는 예술에 대해 아무것도 모른다' 는 이유로 사용되었을 것이다. 정말 예술을 전혀 모르는 사람이 있을까? 유아와 심각한 정신질환이나 정신 지체자를 배제한다면 답은 반드시 부정적일 것이다. 왜냐하면 우리는 항상 자각적으로 조금 알고 있기 때문이다. 우리가 오늘날의 정치나 경제에 얼마나 관심이 있든 간에, 우리는 여전히 무언가를 알고 있다. 예술은 우리 생활에서 없어서는 안 될 부분이며, 예술에 대한 우리의 접촉은 잡지 표지, 광고 포스터, 전쟁 기념비, 텔레비전, 우리 생활, 일, 숭배의 건물로 제한될 수 있지만 언제든지 존재할 수 있다.
이 예술들은 매우 훌륭하다.