20 세기 예술의 수도 파리에서 러시아의 유명한 예술 공연 매니저인 디아길레프 (Dyagilev) 는 매년 작곡가, 연극가, 화가들을 조직하여 발레극 russes 가 파리의 공연 시즌에 참신한 연극을 제공한다. 파리 관객들의 러시아 스타일 음악에 대한 관심이 높아지면서 스트라빈스키는 발레 음악' 불새' 와' 피터 루시카' 를 연이어 창작해 높은 평가를 받았다. 하지만 그의 세 번째 무용극' 봄의 제물' 이 19 13 에서 초연되었을 때 관객들은 원시주의가 거친 음악과 무대에서 삼베 봉지를 입은 배우의 춤에 충격을 받아 극장 폭동 추문이 벌어졌다.
발토는 그의 피아노' 폭력의 쾌판' 에서 피아노를 타악기로 사용했는데, 이 작품은 19 1 1 에서 창작되었다. 피아노 전통의 우아한 기교가 타격과 타격으로 대체되었고, 2 도 밀음조의 화음은 맹렬하고 무서운 소리를 냈다.
달의 피에로' 는 훈버그가 19 12 년 동안 창작한 독주 모음곡이다. 사람들은 과거의 희극 속의 사랑 실패자와 어릿광대 피에트로, 그는 외롭고 병들어 어렴풋이 지난 일을 회상했다. 상징주의의 추상 가사는' 암송' 이라는 말과 노래와 밀접하게 결합된 음조로 부르는 것이다.
이 세 작품은 비슷한 시대에 나타나 20 세기 1 차 전 유럽의 유럽 전통음악에 대한 반란의 물결을 대표한다. 그들은 낭만주의의 열정, 인상파의 심미 묵상, 심지어 수천 년 동안 형성된 음악미의 규범도 무자비하게 깨졌다. 이 세 작품은 처음에는 관객들을 받아들이기 어려웠던 것 같은데, 지금은 20 세기의 고전으로 여겨지고 있으며, 최근 반세기 동안의 주요 음악 트렌드를 대표한다.
신 민족주의 음악
19 세기에 유럽에서 시작된 민족주의 음악은 20 세기 상반기에 새로운 발전을 이루었다. 20 세기 민악학파의 작곡가들은 더 이상 전통적인 악보법에 의지하여 민악을 기록하는 것이 아니라 녹음기와 민족음악학의 신기술을 통해 민악의 원래 모습을 더욱 정확하게 기록했다. 그들은 민간 음악의 불규칙성을 예술 음악의 궤도에 포함시키는 것이 아니라, 이러한 독특한 자질을 소중히 여기고, 본민족의 원래 음악적 영성을 찾는다. 20 세기에 국악학당은 농촌과 도시 음악 문화에서 영양을 흡수했다. 그들은 20 세기의 현대 음악 기교, 날카로운 화음, 타악기와 비슷한 리듬과 오래된 어조를 채택했다.
헝가리의 벨라 바르토크 (1881-1945) 는 신민족주의 음악의 걸출한 대표이다. 그는 민족 음악가, 피아니스트, 작곡가이다. 그는 헝가리 민가에 대한 심도 있는 고찰을 통해 "고대 헝가리 5 음계는 중앙아시아, 터키, 몽골, 중국 5 음계 중심의 한 가지였다" 고 지적했다. 그는 헝가리 음악의' 미지의 정신' 을 자신의 작품의 기초로 삼으려고 시도했다. 고전주의, 낭만주의, 현대음악 기법이 광범위하게 결합되어 대표 작품으로는' 블루수염 공작의 성',' 신기한 사람',' 오케스트라 협주곡',' 제 3 피아노 협주곡' 등이 있다.
퍼셀 이후 2 세기 동안 영국은 음악계에서 줄곧 무명이었다. 19 년 말 민요 운동부터 20 세기 미국에 민족주의 작곡가들이 등장했다. 엘가 (1857-1934) 의' 신비한 변주곡' 과 청창극' 예세우스의 꿈' 은 영국 음악 부흥의 상징으로 여겨진다. 본 윌리엄스 (1872-1958) 는 진정한 영국 민요 스타일을 유지했고, 그의 음악 언어는 내향적이고 소박하며 조화롭다. 그는 9 곡의 교향악을 썼다. 홀스터 (1874-1934) 의 대형 밴드 모음곡' 행성' 은 스트라빈스키의 영향을 받아 동양의 신비로운 색채를 띠고 있다. 세기 중반의 벤자민 브리트-텐 (19 13- 1976) 은 더 많은 유럽 특색을 흡수하여 비공식적인 음악 스타일을 형성했다. 유명한 오페라' 피터 그리임스' 의 음악은 서정적이고 간단하다.
전문 음악 전통이 부족한 미국은 독일 음악을 배우고 모방하면서 성숙해 가고 있다. 찰스 아이브스 (1874-1954) 는 여가 시간을 이용해 문을 닫고 실험을 했다. 그는 전통적인 미국 음조, 복리듬, 복조, 복잡한 직물로 미국 생활의 이미지를 생동감 있게 표현했다. 예를 들어, "뉴잉글랜드 3 곳" 과 "4 번 교향곡" 이 있습니다. 그러나 사람들이 그가 창작한 음악을 발견했을 때, 그는 이미 죽어가는 노인이었다. 1920 년대와 1930 년대 미국에서 부상한 2 세대 작곡가들은 코플랜드, 해리스, 피엔튼, 세센스, 톰슨, 스티어 등과 같은 미국 음악의 진정한 성숙을 표현했다. 게슈윈은 재즈, 브루스, 흑인 정신을 예술 음악에 성공적으로 도입했다. 오케스트라' 블루 랩소디',' 파리에 미국인 한 명',' 요괴와 베스' 를 쓴다. 금세기 중엽에는 윌리엄 슈만, 카터, 바버, 케이지, 바비트 등 차세대 작곡가가 등장했다.
신고전주의
신고전주의는 제 1 차 세계대전 이후 유럽 음악계에서 유행하는 일종의 음악사조이다. 전쟁으로 인한 사회정치의 격변, 마음의 트라우마는 예술이 전통으로 돌아가는 것을 초래했다. 이것은 "바흐로 돌아 가기" 의 "새로운 바로크 운동" 입니다. 신고전주의 작곡가는 18 세기에 헨델, 쿠퍼란, 스칼라티, 비발디와 같은 작곡가들의 스타일을 모방했다. 그들은 전쟁 전과 다른 방식으로 19 세기를 부정했다. 그들은 낭만주의 음악의 강한 주관성을 극력 배척하고 바로크 음악의 객관적이고 선험적인 요소를 자신의 예술 규범으로 삼았다. 그들은 18 세기에 동시 발음 기법과 음악 장르 형식의 응용에 중점을 두고 과거 음악 스타일을 모방하면서 현대 작곡 기법을 채택했다. 그들은 문학, 그림, 음악의 결혼에서 벗어나 순음악을 숭상하며 음악의 목적이 자신의 질서를 세우는 것이라고 생각한다.
이고르 스트라빈스키 (1882-1971) 는 신고전주의의 중요한 옹호자이다. 작가의 전후 신작은 발레극' 푸치넬라' 이다. 이 작품은 조용하고 고풍스러운 스타일과' 봄의 제물' 의 야만적인 잔인함과는 뚜렷한 대조를 이뤘다. 이런 스타일의 급격한 변화는 파리 관객들을 다시 한 번 놀라게 했다. 그가 30 년 동안 지속된 신고전주의 음악 스타일 시기에 음악은 객관적, 냉막, 이성을 추구했다. 그는 예술에 대한 통제와 제한을 많이 할수록 더 많이 연구할수록 예술이 자유로워질 것이라고 믿는다. 그러나 그는 초기 오페라 음악을 창작할 때 리듬의 창조성과 복조, 기악 조합에 대한 탐구와 같은 자신의 개성을 유지했다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) 주요 작품은 시 교향곡, D 장조 바이올린 협주곡, 발레극' 아폴로', 오페라-청창극' 오이디푸스', C 장조 교향곡, 오페라' 탕자의 일생' 이다.
독일 작곡가 폴 힌데미트 (1895-1963) 는 거의 모든 전통 장르를 사용하여 창작하고 거의 모든 상용 악기에 중요한 작품을 창작했다. 그는 르네상스 개혁에서 바흐의 복조 음악 전통을 연구하고, 정렬 직체와 잘 통제되는 불협화음을 선호하며, 음악의 서정적인 성질은 함축적이고 드러나지 않는다.
에릭 사티 (1866-1925) 는 드뷔시의 동시대인이다. 그는 프랑스 음악이 간단하고 자연스럽고 명랑하며 평범해야 한다고 생각했고, 그의 관점은 한 세대의 프랑스 작곡가에게 영향을 미쳤다. 1920, 프랑스 기자 콜레는' 오오, 법육, 사티' 라는 제목의 문장 한 편을 썼는데, 그는 문장 중 여섯 명의 청년 작곡가의 음악회에 대해 논평했다. 그들은 나이젤, 미월, 플랑크, 오릭, 두리, 테브입니다. 창작팀으로서, 6 인조의 활약 기간은 그리 길지 않다. 그들은 모두 사디와 신고전주의의 영향을 많이 받았지만, 그들의 음악 스타일 발전 경향은 크게 다르다. 이들의 대표작품은 미요의' 브라질 조곡', 오네그의' 태평양 제 23 1 호', 청창극' 불타는 무더기의 성녀 정덕' 이다.
표현주의
표현주의는 그림과 시 분야에 최초로 등장해 제 1 차 세계대전 전에 음악 분야로 확장되었다 .. 표현주의 음악의 주요 대표인물은 훈버그 (1874- 195 1), 버저 (1) 였다
표현주의, 20 세기 후반 데오 낭만주의 음악. 표현주의는 낭만주의 음악과 마찬가지로 주관적인 내면의 감정을 표현하고 긴장감과 낯설음을 선호하는 것을 추구한다. 낭만주의와 달리 표현주의 창작은 종종 내면 깊은 곳의 강렬한 충동에서 비롯된 것으로, 잠재의식을 통해 현실의 느낌을 과장하고 변형시킨다. 현대 사회의 사람들은 종종 벗어나기 어려운 내적 갈등, 긴장, 불안, 공포 속에 있다.
쇤버그의 음악은 말기 낭만주의부터 점차 음조를 포기한다. 하지만 조정 센터와 곡을 떠나면 전통적인 음악 조직 형식을 잃게 된다. 그는 짧은 곡을 쓰고 음악 이외의 문학과 연극에 의지하여 음악 작품의 형식을 형성했다. 과도기적 탐구를 통해 그는 마침내 음악을 조직하는 새로운 대체조를 찾았다. 12 음조의 작곡 방법, 이12 음조 사이에는 상호 관계만 있고 중심음-주음은 없다. 각 작품에서 작곡가는 반음계의 12 음을 일정한 순서로 배열하여 작품의' 순서' 또는' 순서' 라고 부른다. 이 순서의 각 음조는 선율을 형성하기 위해 연이어 나타날 수도 있고, 동시에 화성이나 대위법을 형성할 수도 있다. 음순은 거꾸로 그림자를 형성하여 뒤에서 앞으로 역주행하거나 뒤에서 앞으로 역주행할 수 있다. 그 중 어떤 음도 다른 11 음이 나타날 때까지 반복해서는 안 된다. 12 음이 똑같이 중요하고 어떤 음도 강조하지 않도록 해야 한다. 리듬 음색과 강도는 어떤 형태로든 나타날 수 있다. 12 음 기법은 구체적인 실천에서 다양한 변화를 가지고 있지만, 어떤 의미에서 이렇게 쓴 음악은 노래 기본음계의 무한한 변주라고 할 수 있다. 이런 음조에서 벗어나는 음악 조직 방법은 제 2 차 세계대전 이후 서방에 광범위한 영향을 미쳤다. 쇤버그의 12 음 대표작으로는 그의 첫 작품인' 피아노 모음곡', 그의 유일한 작품인' 한 밴드를 위한 변주곡', 이런 수법으로 완전한 밴드를 위해 쓴' 바르샤바의 생존자' 가 있다. 버그의 유명한 오페라' 워제크' 는 고전 형식과 주도동기와 음조 음악, 12 음 음악을 결합했다. 읽기와 노래는 전통 창법과 번갈아 진행되며 음조 성주가 자주 나타난다. 이 표현주의 오페라는 강한 사회적 비판성을 가지고 있다. 위본은 훈버그의 12 음 법칙을 더욱 철저하고 이성적으로 운용하여 그의 음악 언어를 더욱 추상적이고 실험적으로 만들었다.
초기 실험 음악
20 세기 전반기에 서양 음악은 이미 실험주의 경향을 나타냈고, 작곡가의 실험은 음악 체계에 그치지 않았다. 그들은 전통적인 음악 체계를 흔들거나 뛰어넘어 창작하려고 시도했다.
체코 작곡가 알로이스 바하 (1893-1973) 는 창작에서 미분음악을 대량으로 사용했다. 즉, 음정의 최소 단위는 반음이 아니라 반음보다 작은 1/4 또는 그의 민족적인 스타일의 오페라' 어머니' 는 1/4 음계로 쓴 것이다. 미국 작곡가 해리 파치 (190 1- 1974) 는 옥타브를 43 급으로 나누었다. 그는 자신의 음악을 연주하기 위해 많은 악기를 직접 만들었다. 미분음악은 전통 악기 구조에 제약을 받아 일반인이 소리를 분별할 수 있는 능력을 뛰어넘어 큰 영향을 미치지는 않았지만, 이후 많은 작곡가들이 이 방면에서 실험을 해 왔다.
세기 초에 이탈리아에서 일어난 미래주의는 현대 기계 문명에 대한 예술의 표현을 강조하여 음악 분야에서 단명 소음 음악의 출현에 영향을 미쳤다. 이탈리아인 루솔로 (1885- 1947) 는' 순음악의 편협한 동그라미를 깨야 한다' 고 주장하며 일상생활에서 들을 수 있는 소음을 음악 작품의 기본 음향 소재로 삼았다.
미국계 프랑스 작곡가 발레제 (1883- 1965) 도 미래주의의 영향을 받아 새로운 과학시대에는 음악이 "등리듬의 음계와 악기의 속박에서 해방되어야 한다" 고 생각한다. 그의 작품은 프리즘, 적분, 이온화, 밀도 2 1.5 와 같은 모두 자연과학과 관련이 있다. 소음음악과는 달리 발레제 신음학 실험은 주로 타악기 분야에 있다. 이온화 과정에서 약 40 개의 타악기와 두 개의 경보기가 사용되었다. 멜로디도 없고, 화음도 없고, 금속, 나무, 무게, 빛 등 다양한 음색과 소리 구조로 구성되어 있습니다. 1950 년대에 새로운 전자기기를 이용하여' 사막',' 전자음악시' 등 전자음악을 창작했다. 바레저는 음고 변화가 음악에서의 역할을 낮추고 음색과 음향을 최우선으로 하여 전후 음악 스타일에 중요한 영향을 미쳤다.
아방가르드와 실험 음악
1945 이후 서구의 더 복잡한 음악 장르 중 시퀀스 음악이 음악계의 주목을 가장 먼저 받았다. 제 2 차 세계대전 동안 연주가 금지된 새로운 비엔나 학파의 12 음 작품은 특히 전후 젊은 작곡가들의 주목을 끌었다. 65438 부터 0946 까지 그들은 다임슈타트의' 신음악 휴가 학원들' 에 모여 위보른의 음악을 배우고 연구했다. 전후 서열 음악 발전의 막을 열었다. 12 음 음악의 순서는 음고에만 나타난다. 1950 년대에 등장한 시퀀스 음악은 음고에 시퀀스 기법을 사용했을 뿐만 아니라 리듬, 힘, 음색에도 시퀀스 기법을 사용했기 때문에' 전체 시퀀스 음악' 이라고도 불린다. 위보인의' 관현악을 위한 12 음작 변주곡' 은 서열의 원리를 리듬까지 확장해 시퀀스 음악의 발전을 위한 토대를 마련했다. 메이선의 피아노 곡' 시간과 힘 모델' 은 최초의 직접적이고 완전한 시퀀스 작품으로 여겨진다. 전후 서열 음악의 중요한 대표인물은 피에르 플러즈 (1925-), 스토크하우젠 (1928-), 바비트 (19/KK 신고전주의의 대표 스트라빈스키는 1950 년대에도 시퀀스 음악으로 바뀌었다. 전순음악은 질서 정연한 수학 실험으로 예술적 감성을 약화시키고 작곡가의 창의력을 과도하게 제한하며 70 년대 이후 쇠퇴했다. 엄격한 전순기법으로 작곡하는 작곡가는 거의 없다.
또 다른 극단은 음조가 질서 정연한 시퀀스 음악과는 정반대로 우발적인 음악이다. 비이성적 직감, 우연성, 충동이 음악 작품에서 결정적인 역할을 강조한다. 우연한 음악을 만들 때 작곡가는 주사위를 굴려 음악 소재를 결정하거나 우연히 소리를 선택하여 작곡할 수 있다. 그들은 음악의 장을 배정했지만 연주자가 연주할 때 연주 순서를 자유롭게 선택할 수 있도록 허락했다. 그래서 공연은 음악의' 사고' 가 되고, 음악의 모든 공연은 다른 모습을 보입니다. 미국 작곡가 존 케이지 (1912 케이지는 작곡가와 연주자가 피아노 곡' 4 분 33 초' 에 대한 통제를 포기한 것은 이미 극한에 이르렀다. 이 작품 속 유일한 소리는 실제로 연주할 때 주변 환경의 소리다. 임시 음악 작품을 쓴 다른 사람들은 펠드만, 브라운, 스토크하우슨이다.
전자음악의 출현은 제 2 차 세계대전 이후 서양 음악의 중요한 발전이다. 테이프 녹음의 발명은 오디오 저장 및 편집을 위한 편리한 도구를 제공할 뿐만 아니라 전자 음악을 가능하게 한다. 1940 년대 말, 파리의 초기 전자음악 실험자들은 여러 가지 접착과 테이프 재생 기술을 이용하여 종이에 추상적으로 쓰는 대신 테이프에 구체적으로 그들의 작품을 창작했다. (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 음악명언) (윌리엄 셰익스피어, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) 그들은 이런 음악을 구체적인 음악이라고 부른다. 195 1 년, 서독 쾰른 방송국은 전자음악 실험실을 설립했다. 그들은 발열기에서 나오는 소리를 테이프 녹음으로 만든 전자 음악의 오디오 원료로 사용한다. 에머트와 스토크하우젠은 모두 이곳에서 창작한다. 레벨 제어 합성기는 1960 년대에 출시된 후 전자 음악의 창작 과정 (테이프가 전자 음악을 만드는 과정은 복잡하고 시간이 오래 걸림) 을 크게 단순화하여 소리 표현의 범위를 넓히고 즉석에서 즉흥적으로 연주할 수 있게 되었다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) 미국 작곡가 모튼 수보트닉 (1933-) 의 합성기 걸작은' 달의 실버애플' 이다. 컴퓨터 사운드 합성의 출현은 전자 음악 전시를 위한 더 넓은 길을 제공한다.
20 세기 전반기에 많은 서양 음악 작품에서 리듬은 전통적인 배경 지위로 갑자기 두각을 나타내어 음악 표현과 창작의 중요한 요소가 되었다. 1945 이후 서양 음악의 음색 탐구가 대세의 흐름이 되었다. 메이선 (1908-), 프랑스 작곡가, 창작 생애는 세기 중엽을 넘나들며 전후를 계승한 인물이다. 제 2 차 세계대전 전에 그는 동양 음악에서 영양을 흡수하여' 제춘' 이후 20 세기의 리듬법을 발전시켰다. 제 2 차 세계대전 후 그는 음색 연구로 돌아섰고, 그의 많은 작품들은 그가 녹음한 새소리를 바탕으로 리듬과 음색으로 원시적인 색채를 표현했다. 판델리 판드레츠키 (1933-), 전후 폴란드 작곡가는 새로운 음색과 음화 블록 기술을 이용해 널리 알려진 작품이 되었다. 헝가리 작곡가 Ligethy (1923-) 는' 사건' 이 없고' 상태' 가 있는 이른바' 비음악성' 음악을 만들고 싶어 한다. 수많은 단일 악기들이 서로 얽혀 밀집된 직물 소리를 형성했다. 이 새로운 음색을 탐구하는 다른 작곡가로는 그리스의 시나크스, 이탈리아의 노노, 벨리오, 미국의 클렘이 있다.
1960 년대 말, 회화와 조각의 영향으로 미국은 성약 간 음악을 선보였다. 고도로 질서 정연하고 복잡한 시퀀스 음악과는 달리, 단순파는 음악의 극단적인 단순함을 추구하며, 의도적으로 리듬, 멜로디, 하모니, 배화기를 아주 작은 범위로 제한한다. 인도와 인도네시아 음악의 영향으로 그들은 멜로디와 리듬의 미묘한 변화를 중시한다.
1950 년대 말 세 번째 트렌드 음악은 전통적인 전문예술음악과 민간이나 대중음악을 결합한 추세다. 역사상 같은 흐름과는 달리, 제 3 의 조류는 민요나 대중음악의 즉흥적 특징을 보존하고 있다.
신낭만주의가 1970 년대와 80 년대에 출현한 것은 서방이 19 세기의 낭만주의 음악의 4 분의 3 세기 후의 부흥을 상징한다. 신낭만주의 음악은 음악의 음조, 기능, 화성을 복원하고, 감정 표현에 치중하며, 심지어 19 세기 낭만주의 작곡가의 음악 소재를 자주 인용한다. 한편, 음악에는 20 세기에 나타난 더 풍부한 음악 언어, 기교, 풍격이 채택되어 낭만주의와 모더니즘의 결합이 형성되었다.