중국화는 중국 문화의 꽃이다. 독특한 매력과 색조로 유명하며 서양화와는 다르다. 이 차이는 중국시와 서양시의 차이와 같습니다. 그러나, 이런 차이를 파악하고 표현하는 것은 쉽지 않다. 물론 중국 그림의 스타일과 분위기는 서구 회화에서도 볼 수 있지만, 본질적으로 완전히 다르고 표현 수법이 크게 다르다. 중국의 그림은 재료면에서 매우 절약되는데, 이는 화면에 대량의 공백을 남겼다는 것을 보여준다. 이런 구조의 출발점은 화면 자체의 조화를 이루기 위해 생동감 있는 매력을 만들어 내는 것이다. 그의 대담하고 자유로운 획은 사람들에게 깊은 인상을 남겼다. 예술가는 창작 과정에서 소재를 선별하고 개조했고, 눈앞의 화면은 부적절하고 조화롭지 못한 성분을 제거했다. 우리가 보는 것은 완벽한 전체이고, 생활에 매우 충실하지만, 여기와는 다르다. 구도가 더 선명하고 소재에 대한 배척이 더욱 엄격하여 대비와 집중의 특징을 쉽게 찾을 수 있다. 우리에게 드러난 물질적 현실은 애초에 예술가에게 드러난 물질적 현실이다. 객관적인 현실과는 다르지만 기본적인 유사성과 이해성을 잃지 않는다. 주관적이지만 현대 서양화만큼 예술가의 자아를 강하게 표현하지도, 서양화처럼 대중에게 이해되지도 않는다. (알버트 아인슈타인, 예술명언) 중국의 그림은 사물에 대한 강한 주관적 인상을 줄 수 있으며, 어떠한 곡해도 없다. 예술가가 보는 모든 것을 표현하려고 하는 것이 아니라, 관객들에게 상상할 수 있는 많은 것을 남기지만, 결코 난해한 형상은 아니다. (알버트 아인슈타인, 예술명언) 때때로 중국의 그림은 중개 대상을 매우 중시하는데, 화면에는 매화 한 송이만 나타나는데, 설령 네가 완성한다 해도. 하지만 물질적인 현실에 대한 개입에도 불구하고 그림 자체는 예술가 자아의 강한 표현이 아니며, 어떤 불쾌한 느낌도 주지 않고 자연과의 극도의 조화를 느끼게 한다.
이런 효과는 어떻게 실현되었고, 이런 독특한 전통은 어떻게 발전했는가?
이런 예술 전통은 우연히 얻은 것도 아니고 우연히 발견한 것도 아니다. 나는 그것의 많은 특징을' 서정' 이라는 단어로 요약할 수 있다고 생각하는데, 이런 서정은 인류의 어떤 정신과 문화에서 나온 것이다. 우리는 중국의 그림이 운율과 기교에서 중국의 서예와 중국의 시와 밀접한 관련이 있다는 것을 기억해야 한다. 서예는 그것의 기교와 기본적인 표현 방식을 부여하고, 그것의 미래 발전을 결정한다. 중국의 시는 그것의 매력을 부여했다. 중국에서 시, 그림, 서예는 밀접하게 연결된 자매 예술이다. 이렇게 중국 그림을 이해하는 가장 좋은 방법은 이런 특수한 중국 전통 건립에 영향을 미치는 요소를 연구하는 것이다.
결론적으로, 이런 특수한 전통은 우리가 서정이라고 부르는 것은 두 가지 대립의 결과이다.
이 두 대립은 현대 서구 화단에서 모두 진행되고 있지만, 중국 회화사에서는 이미 8 세기에 출현했다. 하나는 예술가가 그린 선과 그린 물체를 묶는 것에 반대하는 것이고, 다른 하나는 카메라처럼 물질 현실을 복제하는 것에 반대하는 것이다. 중국의 서예는 첫 번째 문제를 해결하는 데 도움이 되고, 중국의 시는 두 번째 문제를 해결하는 데 도움이 된다. 이 두 가지 반대 의견과 이런 예술 전통의 기원을 연구하면 왜 중국의 그림이 오늘의 이런 특징을 가지고 있는지 이해하는 데 도움이 될 것이다.
중국 그림의 첫 번째 문제는 모든 그림의 첫 번째 문제이기도 하다. 페인트는 캔버스에 그려지고 잉크는 실크에 칠해져 있으며 선과 획을 어떻게 처리할까? 이것은 순수한 기술적 문제, 즉 "획" 입니다
어떤 예술가도 이 문제를 회피할 수 없다. 획의 운용은 전체 작품의 풍격을 결정할 것이다. 단지 선을 이용하여 기계적으로 회화 대상을 구성한다면, 선 자체는 자유롭지 못하며, 우리는 조만간 지치게 될 것이다.
이것은 또한 우리가 현대 예술에서 본 반란이다. 중국에서는 이런 반란이 오도자 (약 700-760) 가 발기한 것으로, 그는 붓의 대담하고 자유로운 활용을 통해 이 문제를 해결했다. 예술가는 선을 보존하는 것이 아니라, 그것들을 발휘하게 한다. 우리는 중국 건축에서 같은 원칙을 볼 것이다. ) 이런 식으로 우리가 보는 것은 구카이지 (346-407) 의 판에 박힌 것과 독창성이 결여된 것, 심지어 어느 정도는 펜으로 그린 선과 같다. 우리가 본 것은 오도자가 창업한 이른바' 약식사' 로, 일파삼할인, 묘필생화, 자연스럽고 유창하다. 사실 오의 학생인 장욱은 선생님의 그림에서 영감을 받아 광초 서예를 창작했다. 왕위 (699-759) 는 그림의 획을 더욱 발전시키고 개선하였으며, 때로는 아예 전통적인 획을 폐지하기도 했다.
사생' 기법은' 남종' 의 원조로 널리 알려져 있다. 우리는 곧 남종화파의 깊은 영향을 보게 될 것이다.
두 번째 질문은 예술가의 개성을 어떻게 작품에 투사해야 예술이라고 부를 수 있는가이다. 진실과 조화를 포기하지 않고 간단한 사진 촬영 수법을 뛰어넘는가? 기계적인 모방현실에 대한 저항은 현대예술의 모든 새로운 트렌드의 원인이기도 하다. 현대예술은 물질현실에 대한 도피로 예술가의 자아가 작품에서 표현하는 방식을 찾는 것이라고 할 수 있다. 중국 미술사에서도 같은 변화가 8 세기의 새로운 유파가 가져온 것이다. 그 당시 사람들은 이미 물질적 현실의 카메라식 재현에 싫증이 나거나 불만을 느꼈다.
아니면 그 오래된 질문: 예술가들은 어떻게 엽기적인 그림을 만들지 않고 자신의 감정과 감정을 대상에 통합시킬 수 있을까? 이 문제는 중국의 시에서 이미 해결되었다. 소위 변화란 단순한 정밀함과 장인 같은 자질구레한 것을 위한 것이다. 신구화파의 대비는 한 이야기에서 잘 드러난다. 당명제년, 황궁 벽에는 이사훈 (651-716) 과 오도자를 위한 쓰촨 산수화 두 장이 걸려 있었다. 이사훈은' 북종' 의 대화가로서 한 달 정도 색칠하고 금을 칠했다고 한다. 오도자 () 는 먹물을 구름처럼 뿌리고, 어느 날 자릉강 파노라마를 완성했다. 당찬은 "이은훈 1 월의 작품, 오도자 1 일의 작품, 각자 최선을 다한다" 고 말했다.
작은 손 공업자에 반대하는 이 혁명이 왔을 때, 왕위가 나타났다. 그 자신은 일류 풍경화가이다. 그는 인상주의, 서정주의, 중신운, 범신론을 포함한 중국시의 정신과 기교를 흡수했다. 이런 식으로, 중국 화가가 명성을 얻게 한 이' 남종의 시조' 는 중국시의 영향을 받았다.
시간순으로 중국 그림의 발전은 이렇다. 중국의 예술적 천재가 4, 5, 6 세기에 자신의 가치를 깨닫기 시작한 것 같다. 바로 이 시기에 예술 비평과 문학 비평이 발전했다. 왕희지 (32 1-379) 는 당시 명문족에서 태어나' 서성' 이 되었다. 이후 몇 세기 동안 불교의 영향으로 대동 용문의 석각이 나타났다. 북위는 서예 풍격을 발전시켰는데, 지금은' 위북' 이라고 불리는데, 바로 당시의 비각 개척이다. 이런 서예 스타일은 중국의 서예를 매우 높은 수준으로 끌어올렸다. 작가의 관점에서 볼 때, 위북은 서예사상 최고의 서예 스타일이다. 비범하고 탈속적인 문필로, 아름다울 뿐만 아니라 아름다움, 힘, 일을 하나로 모은다. 이 시대의 셰이크는 먼저' 기운이 생동감 있다' 는 원칙을 확립했다. 이 원칙은 1400 년 이후 중국의 모든 그림의 중심 원칙이 되었다.
그다음은 위대한 8 세기였다. 어떤 이유로 중국 역사상 가장 원시적인 시기가 되었는데, 작가 자신도 그림, 시, 산문 창작인지 잘 모르겠다. 하지만 그 이유 중 하나는 적어도 지난 몇 세기까지 거슬러 올라갈 수 있는데, 난세는 새로운 혈통을 뒤섞었다. 이백과 왕위는 모두 중국 서북지역에서 태어났는데, 그곳은 인종 혼합이 가장 활발한 곳이다. 비록 우리가 이 점을 증명할 더 정확한 자료가 부족함에도 불구하고.
어쨌든, 인간의 사상은 더욱 자유롭고 원시적이 되었다. 이번 세기에는 이백 두보와 같은 일류 시인들이 쏟아져 나왔다. 회화에는 이사훈, 왕위, 오도자, 서예에는 장욱초서, 안진경 해서체, 산문에는 한유가 있다. 왕웨이생은 699 년에 태어났고, 오도자는 약 700 세, 이백 70 1 세, 안진경 708 세, 두보 7 12 세, 한유 768 세, 백거이 772 세였다. 이번 세기에는 절세의 미녀 양귀비도 생겨났고, 시인 이백과 함께 황제와 함께 궁정을 미화했다. 그러나이 시대는 평화에 능숙하지 않습니다.
어쨌든,' 남종' 이 마침내 생겨났다. 우리의 가장 큰 흥미를 불러일으키는 것은 부사장이다, 왜냐하면 그것이 가장 중국특색 있기 때문이다. 이런 그림을 "스승의 그림" 이라고 부른다. 서기 1 1 세기, 수리코 동파 (1035- 1 1), 미초 소동파는 심지어 마디가 없는 대나무를 그렸다. 누군가가 그에게 왜 여기에 왔는지 묻자, 그는 대답했다. "대나무가 태어날 때 명절이 있다." 소동파는 위대한 작가이자 시인이다. 특히 대나무를 그리는 방면에서 그는 대나무를 매우 좋아한다. 그는 한 번 말했다: "고기없이 먹는 것이 죽없이 사는 것보다 낫다. 클릭합니다 그가 그린 대나무는 그의' 취서들풀' 과 매우 흡사하고, 먹칠을 구름처럼 하고, 색채가 없다. 그가 그림을 그리는 방식은 먹고 마시고, 술에 취하고, 잉크를 묻히고, 마음대로 휘두르거나, 책을 쓰거나, 대나무를 그리거나, 시를 쓰는 것이다. 한번은 이런 상태에서, 그는 주인을 초대한 벽에 독특한 질문을 적었다. "공장은 술이 가득하고, 간폐는 모치에서 죽석이 나온다. 네가 해야지, 집에 쓴 눈벽으로 돌아갈 수도 없다. 클릭합니다 여기서 그림은' 그림' 이 아니라' 쓰기' 와 같다. 오도자도 마찬가지다. 술이나 친구가 칼을 추는 동안 그림에 영감을 불어넣고, 검춤의 리듬을 작품에 융합하는 경우가 많다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 친구명언) 분명히 이런 자극은 잠시 사라지기 때문에 아주 짧은 시간 안에 몇 번 해야 한다. 그렇지 않으면 알코올의 작용이 짧은 시간 안에 사라진다.
그러나, 이런 쾌속 뒤에는 기묘한 회화 이론이 있다. 중국 화가는 내용이 풍부한 예술 평론 작품을 대량으로 남겼다. 그들은 "형성" 할 것입니다.
(물체의 물리적 형태), "리" (내면의 법칙이나 정신), "의미" (예술가 자신의 관념). 문인화' 는 수동적인 사진 기술에 대한 일종의 저항이다. 이런 수법은 예나 지금이나 곳곳에서 볼 수 있다. 송대 학자들은' 리', 즉 사물의 내면정신에 더 신경을 쓴다.
세부적인 그림을 추구하는 것은 상업 화가가 하는 것이고, 진정한 예술의 그림은 정신을 표현하기 위해 노력해야 한다. 문제는 술에 취해만 해결할 수 있는 것이 아니라는 것을 알 수 있다.
그러나 이런 그림은 전문 예술가가 그린 것이 아니라 학자들이 그린 것으로 의미가 크다. 바로 이런 아마추어 성질로 그들이 가볍고 유쾌한 정신으로 그림을 그릴 수 있게 했다.
1 1 세기에' 문인화' 가 등장하기 시작했고' 잉크극' 이라고 불렸다. 그림은 문인의 일종의 오락 수단으로, 마치 서화처럼 보인다. 그들은 무거운 정신적 부담이 없다. 문인의 서예는 이미 조예가 깊었던 것 같은데, 그들은 다른 예술에 더 많은 정력을 쏟고, 일종의 즐겁고 재미있는 조제제로 삼고 있다. 두 사람이 사용하는 도구는 똑같다. 같은 수직축, 같은 필묵, 같은 맑은 물, 모든 것이 책상 위에 놓여 있어 팔레트가 필요 없다. 검사 회화의 대가 중 한 명인 미드는 때때로 붓 대신 두루마리를 쓰거나 사탕수수 찌꺼기, 연꽃줄기를 사용한다.
영감과 손목 밑바닥의 마법이 왔을 때, 예술가로서는 얻을 수 없는 것은 아무것도 없다. (알버트 아인슈타인, 예술명언) 그들은 기본적인 리듬을 전달하는 예술을 장악했기 때문에 나머지는 모두 그다음이다. 오늘날에는 노출된 손가락과 유연한 혀끝으로 그림을 그리고 잉크에 찍어 종이에 칠할 수도 있습니다. 그림은 과거였으나 지금도 학자들의 소일거리이다.
이 게임의 의경은 중국 그림의 몇 가지 특징을 설명하는 데 사용될 수 있는데, 이를' 쉽게' 라고 한다. 이 단어의 가장 가까운 영어 번역은' fugitivenelss' 로' 즉흥' 과' 유랑' 을 의미하지만' 낭만주의' 와' 은퇴정신' 이라는 의미도 있다. 이백의 시도 가볍고 유쾌한 낭만주의로 유명하다. 이런' 쉽게' 의 특징은 협의화의 최고 기준으로 불리며 게임정신에서 비롯된다. 도교와 마찬가지로, 인류가 시끄러운 세상에서 벗어나 정신적 자유를 얻기 위한 노력이기도 하다.
학사의 정신이 어떻게 도덕과 정치의 틀 안에 국한되어 있는지 알게 된다면, 우리는 그들의 소망을 쉽게 이해할 수 있을 것이다. (존 F. 케네디, 공부명언) 학자들은 적어도 그림에 대한 자유를 회복하기 위해 최선을 다했다. 예운림 (1301-1374), 원대 대화가.
그가 잘하는 것이 바로 이 특징이다. 그는 "어떻게 역설, 나뭇잎의 복잡함과 희소성, 나뭇가지의 경사와 직선을 비교할 수 있을까?" 라고 말했다. 그는 또한 이렇게 덧붙였습니다. "하인이 화가라고 부르는 것은 단지 조잡한 필법일 뿐, 모양을 추구하지 않고, 그저 즐겁게 이야기를 나누려고 하는 것이다. (윌리엄 셰익스피어, 오페라, 희망명언) (윌리엄 셰익스피어, 오페라, 희망명언)."
그러므로 우리는 남송수묵화의 인물과 산수에서 중국 서예의 영향을 보아야 한다. 우선, 사람들은 빠르고, 강력하고, 리드미컬한 뇌졸중을 볼 수 있다. 소나무의 우여곡절선에서 우리는 중국 서예의 곡선 원리를 볼 수 있다. 동치창은 나무 한 그루를 그리면 각 선마다 우여곡절이 있어야 한다고 말했다. 왕희지는 서예에 대해 이야기하면서 이렇게 말했다. "한 획마다 반드시 30% 할인이 있을 것이다." 동치창도 "문인들이 그림을 그리는 것은 잔디가 이상한 글자를 쓰는 방법을 근거로 해야 한다" 고 말했다. 사람들은 또한 그린 기석의 곡선에서' 비백' 의 필법을 볼 수 있다. 이런 필법은 드라이 펜으로 남은 잉크가 많지 않다. 그 결과, 선 중앙에 간격이 생겼습니다. 녹색 덩굴에 싸인 나뭇가지의 인감 모양을 볼 수 있습니다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 계절명언) 이것은 Zhao mengshun 이 우리에게 공개 한 비밀입니다. 그리고 빈 위치의 예술 운용도 서예의 중요한 원칙이다. 보신보가 말했듯이, 적절한 공백은 서예의 첫 번째 요지이다.
구도가 적당하기 위해, 비워 두는 등. 우리는 우임 중의 인물처럼 형식상의 대칭을 희생하는 것을 선호한다.
중국의 서예에서 균형 여부는 중요하지 않지만, 구도와 빈 배치가 맞지 않으면 용서할 수 없다. 이는 그 사람의 서예가 성숙하지 않다는 것을 증명하기에 충분하기 때문이다.
사람들은 중국 회화 구도의 단순한 조화에서 붓의 응용 리듬을 더 잘 이해할 수 있다. 이것이 바로' 필의 의미' 다. "의미" 는 예술가의 마음 속에 있는 "관념" 이다. 중국화를 창작하는 것은 바로' 자신의 생각을 표현하는 것'-'프리 핸드' 이다. 화가는 붓을 종이에 그리기 전에 명확한 생각을 했다. 그가 이른바 그림이란 바로 획으로 그의 사상을 차근차근 그리는 것이다. 그는 무관한 일이 그의 완전한 사고를 파괴하는 것을 용인할 수 없다. 그는 여기에 작은 나뭇가지를 하나 더 추가했고, 거기에 나뭇잎을 더해 이 그림을 유기적이고 운치가 가득한 전체로 만들었다. 그는 자신의 기본 생각을 표현하고 나서 일을 끝냈다. 그래서 이 그림은 생명력이 있다. 왜냐하면 그것이 표현하는 사상은 생명력이 있기 때문이다. 아름답고 익살스러운 짧은 시를 읽는 것과 같다. 말이 끝났는데도, 멋은 여전히 남아 있고, 청춘은 끝이 없다. 중국 예술가들은 이런 기법을 "먼저, 먼저" 라고 부른다. 중국인은 예술을 암시하는 전문가로서 "적당히 멈출 수 있다" 는 것을 중시한다. 그들은 좋은 향차와 올리브를 좋아해서 "뒷맛" 을 가져다 주는데, 차를 몇 분 동안 씹어야 올리브를 느낄 수 있다. 이런 회화 기법의 효과를' 공영' 이라고 하는데, 이는 경제 디자인으로 생동감 있는 이미지를 표현하는 것을 의미한다.
중국의 시는 중국의 그림에 정신을 부여했다. 우리는 시를 토론할 때 중국의 시인과 화가, 화가, 시인이 서구보다 많다고 지적했다. 시와 그림은 모두 사람의 마음에서 나온 것이기 때문에 자연히 같은 정신과 내공이 있다. 시인의 눈도 화가의 눈이기 때문에 그림이 원근법에서 시에 어떤 영향을 미치는지 우리는 이미 보았다. 그러나 화가의 정신이 어떻게 같은 인상주의를 나타내는지, 같은 암시수법, 변화무쌍한 분위기의 렌더링, 자연과 하나가 되는 범신론을 볼 수 있다. 이것들은 모두 시의 특징이다. 시와 그림은 왕왕 같은 일이다. 예술가의 마음이 전자를 파악하고 시의 형식을 부여할 수 있다면, 약간의 수양으로도 후자를 파악해 그림의 형식으로 표현할 수 있다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 예술명언)
우선, 서양인을 괴롭히는 시각문제를 설명해 봅시다. 다시 한번, 중국의 그림은 높은 산꼭대기에서 하는 것으로 간주되어야 하며, 높은 곳에서 지면을 내려다보는 것 (예: 지상에서 6000 피트 떨어진 비행기) 은 투시효과가 심상치 않다는 것을 다시 한 번 분명히 하고 싶다. 물론 관찰점이 높을수록 중심에서 만나는 선이 줄어든다. 이것은 또한 중국 그림의 직각 축에 의해 분명히 영향을받습니다. 이 직사각형은 드로잉 축 하단의 클로즈업 뷰와 드로잉 축 위의 수평선 사이에 상당한 거리가 필요합니다.
현대 서구 화가들과 마찬가지로 중국 화가들은 보이지 않는 현실을 묘사하고 싶지만, 그들의 인상적인 현실이기 때문에 인상파 기법을 채택하고 있다. 서구 인상파의 결점은 너무 기민하고 논리가 너무 강하다는 것이다. 중국의 예술가들도 창조적이지만, 그들은 일반인을 겁주기 위해 예술적 엽기적인 예술을 창조할 수는 없다. (존 F. 케네디, 예술명언) 우리는 이미 중국 인상주의의 기초가' 먼저 의도적으로 뒤로 문자가 있다' 는 이론에 있다고 설명했다. 그래서 그림의 의미는 물질적 현실이 아니라 예술가가 현실을 대하는 관념에 있다. 그들은 자신이 주변 사람들을 위해 그림을 그리고 있다는 것을 기억하므로, 여러 가지 개념은 분명히 그들이 이해하는 것이다. 그들은 중용의 도에 얽매여 있다. 그 결과, 그들의 인상주의는 인류의 인상주의로 변했다. 그들의 그림의 목적은 완전한 개념을 전달하고, 이를 통해 화면에서 어떤 것을 선택할지 결정하여' 공영' 의 특징을 만들어 내는 것이다.
완전한 개념이 가장 중요하기 때문에 예술가는 이 시적인 것을 얻기 위해 최선을 다해야 한다. 송대에서는 로얄 화원에서 경쟁 시험을 치렀다. 여기서 우리는 이 시적 개념에 대한 고려가 어떻게 다른 기준보다 앞서고 1 위를 차지하는지 볼 수 있다. 사상을 표현하는 가장 완벽하고 걸출한 그림들은 항상 경기에서 이길 수 있다. 예외는 없다. (알버트 아인슈타인, 생각명언) 가장 좋은 생각은 항상 암시를 통해 표현된다. 이것은 이미 뚜렷한 특징이 되었다. 주제 자체가 충분히 시적이다. 왜냐하면 그것들은 항상 한 편의 시에서 추출한 한 마디이기 때문이다. 하지만 예술가의 독창성은 이 말을 해석할 때 가장 교묘한 암시를 사용했다는 데 있다. 몇 가지 예를 들면 충분하다. 송휘종 () 년 동안 한 번의 시험 제목은' 죽쇄교 옆에서 음식점을 파는 시' 였다.
많은 경쟁자들이 식당을 전체 그림의 중심으로 여긴다. 그런데 한 사람이 다리 하나만 그렸는데, 옆에는 대나무 숲이 있었는데, 안에는 은은하게 간판이 하나 있었는데, 그 위에는' 술' 이라는 글자가 적혀 있었다. 사진에는 호텔이 전혀 없다. 이 그림이 우승한 것은 상상 속에 호텔을 숨겼기 때문이다.
또 다른 주제는 웨이의 시입니다. "아무도 야외에서 배를 건너지 않을 겁니다." 시인은 묵은 배 한 척을 통해 침묵과 황량함을 암시하는 암시수법을 사용했지만 화가는 이런 암시수법을 더 사용했다. 우승은 침묵과 서늘함을 표현하는 수법이다. 물새 한 마리가 배에 서식하고, 다른 한 마리는 날개를 치며 배를 향해 날아가고 있다. 이 두 마리의 새는 주위에 사람이 없다는 것을 설명한다.
주문 일가의 럭셔리를 돋보이게 하기 위한 그림도 있다. 현실을 묘사하는 것에 대한 혐오감 때문에 암시를 시도하기도 하는 현대 서양 화가는 샴페인이 가득한 유리잔을 통해 색소폰을 신기하게 그려 한 여자의 가슴에 올려놓을 수 있다. 여자의 가슴은 4 분의 3 을 드러낸 자동차 바퀴 뒤에 숨어 있고, 자동차는 큐나드의 굴뚝을 지나가고 있다. 중국의 인상파 화가는 호화로운 집을 배경으로 그렸고, 문은 반쯤 열렸다. 한 여종이 머리를 내밀어 이 부잣집 자식의 정교한 음식, 오리발, 리치, 호두, 종려씨 등을 한 바구니 가득 쏟았다. 이 물건들은 매우 세밀하게 그렸다. 여기에는 집집마다 맞는 잔치가 없지만 쓰레기 더미에 던져진 쓰레기로 측정할 수 있다. 그래서 관념은 전부다. 작품의 시적은 대부분 이 관념에 달려 있다. 그것은 직설적인 묘사를 부끄러워해서 늘 암시하려고 한다. 중국 예술가의 좌우명은 상상력에 약간의 공간을 남기는 것이다.
그러나, 만약 중국의 그림이 감정보다는 관념을 강조하는 것에 만족한다면, 중국의 그림은 막다른 골목으로 들어갈 것이다. 이런 상황이 발생하면 감각과 감각에 주로 호소해야 했던 예술이 수학 게임이나 논리적 문제로 퇴화되기 때문이다. 아무리 똑똑한 생각이라도 아무리 똑똑한 기술이라도 우리에게 위대한 예술을 가져다주지는 않을 것이다. 만약 이런 것들이 우리에게 감정적 윙윙거리는 소리를 줄 수 있는 분위기를 만들어 내지 못한다면. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 지혜명언) 이 점은 모든 위대한 그림에서 볼 수 있다. 중국의 그림이든 서양의 그림이든. 그래서 감정이 전부다. 물새 두 마리가 작은 배 위에 서식하여 근처에 뱃사공이 없다는 것을 암시하기 위한 것이다. 그리고 이것은 우리를 외롭고 처량한 감정으로 인도합니다. 그렇지 않으면 그림은 의미가 없다. 왜 이 배는 역류하여 내려갔을까? 강 한가운데만 떠돌아다니기 때문에 아무도 묻지 않기 때문에, 우리를 처량하게 하고 우리의 감정을 감동시킬 수 있으며, 이 그림도 생동감 있고 의미 있게 변할 수 있다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) 대나무 잠금 다리 옆에 있는 술띠가 호텔에 있는 사람들을 생각나게 하지 않는다면, 시간이 천천히 지나가고, 평온한 가운데 살고, 사람들은 오후 내내 어부의 류머티즘에 대해 이야기하고, 황후의 젊은 시절의 풍랑에 대해 이야기할 수 있습니다. 만약 술띠가 우리에게 이런 것을 생각나게 하지 않는다면, 그 가치는 무엇입니까?
그래서 감정이 불러일으키는 것은 모든 것이다. 그림이든 시가든, 이것은 우리에게' 기운' 인지' 기운 생동감' 이라는 문제를 일깨워 준다. 이것은 1400 년 중국 회화의 최고 이상이다. 그것은 셰이크가 발기했고, 다른 화가들은 많은 사람들의 반복적인 토론과 토론을 거쳐 상세히 보충했다.
우리는 중국의 화가가 세부적인 것을 정확하게 하기를 원하지 않는다는 것을 기억해야 한다. 스와 동포 (su Dongpo) 는 "그림과 모양에 관해서는 이웃에 아이들이있다" 고 말했다. 그런데 화가가 사실주의 외에 우리에게 무엇을 제공할 수 있을까요? 그림의 최종 목적은 무엇입니까? 대답은 예술가가 우리에게 풍경의 정신과 매력을 전달하여 우리의 마음을 불러일으켜야 한다는 것이다. 이것은 중국 예술의 최고 목적과 이상이다.
우리는 예술가들이 어떻게 일정한 간격으로 명산을 유람하고, 산야 공기 속에서 정신을 차리고, 가슴에 쌓인 도시 사상과 교외의 열정적인 먼지를 정화할 수 있는지 기억한다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 예술명언) (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 예술명언) 그는 최고봉에 올라 도덕과 정신의 승화를 얻어 바다의 파도에 귀를 기울였다. 며칠째 그는 황산야령의 잡초 속에 앉아 대숲에 숨어서 자연의 정신과 활력을 빨아들였다. 자연과 교류한 후, 그는 그의 수확을 우리에게 전달해야 한다. 그의 마음이 사물의 운율과 교류할 때, 그것은 또한 사물의 운과 교류한다. 그분은 우리를 위해 감정과 감정으로 가득 찬 그림을 다시 만들어 주실 것입니다. 자연처럼 변화무쌍합니다. 미우인처럼, 그는 구름, 돌, 나무가 가득한 산수화를 만들어 줬을지도 모른다. 모든 세부 사항은 습한 분위기에 잠겼다. 그는 가을 척박한 창족을 그린 니켈 운림처럼, 단지 몇 개의 낙엽이 가지에 걸려 외롭고 서늘한 광경을 연출할 수 있을 것이다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 가을명언) (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 가을명언) 이런 분위기와 전체 리듬의 힘으로 모든 세부 사항은 잊혀지고 중심 감정만 남는다. 이것은 "생생한"
중국 예술의 최고 이상, 시화는 다시 한 번 하나가 되었다.
이것은 중국 예술의 정보이다. 그것은 우리에게 자연을 사랑하도록 가르친다. 독특하고 진정한 걸출한 중국화는 자연을 묘사하는 산수화이기 때문이다. 코너의 작품과 같은 서양 최고의 풍경화도 우리에게 같은 분위기와 자연에 대한 같은 느낌을 준다.
하지만 유감스럽게도 중국은 인물화 방면에서 뒤떨어졌다. 인체는 자연물의 장식품으로 여겨진다. 만약 사람들이 평소에 여성의 신체미를 감상한다면, 그림 속에는 이런 감상의 흔적이 없다. 구카이지와 원수가 그린 벼슬녀화의 암시는 여성의 신체미가 아니라 바람에 흩날리는 선의 아름다움에 있다. 제 생각에는, 인간의 아름다움 (특히 여성의 인간의 아름다움) 에 대 한이 숭배는 서양 예술의 가장 두드러진 특징 이며, 중국과 서양 예술의 가장 큰 차이점은 영감의 원천의 차이: 동양의 영감은 자연 자체에서 유래 하 고, 서양인의 영감은 여성의 신체에서 비롯 됩니다. 한 여성 인물화는' 사색' 이라고 하고, 한 폭의 알몸욕 소녀 그림은' 9 월의 아침' 이라고 부른다. 이보다 중국 국민의 마음을 더 흔들 수 있는 것은 없다. 오늘날 중국에는 아직도 많은 사람들이 서양 문화에서 한 가지 사실을 받아들이지 못하고 있다. 살아있는' 모델' 을 찾아 옷을 벗고 사람 앞에 서서 하루에 몇 시간씩 쳐다보면 사람들이 그림의 기본 요령을 배울 수 있다.
물론, 휘틀러의 유화' 어머니' 를 벽난로 위에 걸어놓고 묵상하는 서양인들도 많았고,' 묵상' 처럼 여성 인물화에 대해 묵상할 엄두가 나지 않았다. 오늘날까지도 영미 사회에는 집이 임대될 때 집 안의 프랑스 그림이 이렇게 장식되어 있다는 사실을 다른 사람들에게 미안하게 말하는 사람들이 여전히 많다. (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 영국명언) (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 영국명언) 어떤 사람들은 친구들이 보낸 크리스마스 선물을 어떻게 처리해야 할지 모른다고 말한다. 그들은 대화할 때 항상 이 화제를 피하고, 단지 이런 것들을' 예술' 이라고 부르고, 이 작품을 창작하는 사람을' 미친 예술가' 라고 부른다. 그럼에도 불구하고 정통 서양화의 기원과 영감은 술신 디오니소스에 속한다. 서양 화가들은 한 점도 걸치지 않거나 거의 한 점도 걸치지 않는 인체의 다른 것을 찾을 수 없을 것 같다. (존 F. 케네디, 예술명언) 중국화는 풍만하고 아름다운 자고를 봄의 상징으로 사용하고, 서양 화가는 춤을 추는 선녀로 봄을 상징하고, 그 다음은 농목의 신이다. 중국 화가들은 매미, 귀뚜라미, 메뚜기, 개구리의 발달된 팔다리의 선에 관심이 많다. 중국 학자들은 매일 벽에서 이 그림들을 묵상하는데, 서양의 화가들은 에넬의' 리스스' 나' 마그달레나' 같은 작품을 제외하고는 만족할 수 없다.
① 코너 (Cotot,1796-187s), 프랑스 화가.
① 휘틀러 (whistlet,1834-1903), 미국 인상파 화가, 판화가.
② 에넬 (Hennet,1829-1905) 은 프랑스 화가이다.
인체에 대한 이런 새로운 발견은 서구 문화가 오늘날 중국에 가장 강력한 영향 중 하나이다. 왜냐하면 그것은 예술적 영감의 원천을 바꿔 사람들의 세계관을 변화시켰기 때문이다. 결국, 이것은 또한 그리스의 영향이라고 말해야 한다. 르네상스는 신체 숭배의 부흥과 생활에 대한 아름다운 진심 어린 선언을 가져왔다. 중국의 전통의 상당 부분은 그리스의 영향은 없지만, 충분한 인간성이 있다. 그러나 인체가 아름답다고 공개적으로 주장하는 것은 중국에서는 극히 드물다. 하지만 일단 우리가 눈을 뜨고 인체의 아름다움을 보면, 다음에는 잊어버린다. 인체에 대한 발견과 여성 신체에 대한 숭배는 서구에서 가장 강력한 영향이 될 수밖에 없다. 인류의 가장 강한 본능 중 하나인 섹스와 연결되어 있기 때문이다. 이런 의미에서 태양신 아폴로의 예술은 중국에서 술신 디오니소스의 예술로 대체되었으며, 대부분의 일반 학교나 심지어 대부분의 예술학교도 더 이상 중국 전통 예술을 가르치지 않는다고 말할 수 있다. 그들은 또한 살아있는 모형이나 고전 (그리스와 로마) 조각상에서 여성의 인골을 묘사하는 것을 배웠다. 플라톤의 미학으로 누드에 대한 숭배를 변호할 필요는 없다. 노예술가만이 인체의 아름다움에 무관심하고 핑계를 찾을 수 있기 때문이다. 인체에 대한 숭배는 육욕으로 가득 차 있으며, 그렇게 해야 한다. 진정한 유럽 예술가들은 부인하지 않고 공개적으로 선언한다. 따라서 우리는 중국의 예술에 대해 이런 비난을 할 수 없습니다. 사람들이 좋아하든 그렇지 않든, 이런 조류는 일단 도입되면 깊은 돌에서 비약할 것입니다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언)