현대주의와 장식 예술은 모두 기하학을 강조하지만, 차이점은 기술에 있다. 장식 예술은 전통적인 캐비닛 제작 공예를 채택하여 대표작품이 현대주의자들에 의해 절묘하게 표방되어 부자만이 이렇게 아름다운 작품을 수작업으로 만들 수 있다.
프랑스의 새 예술 운동이 소멸된 후, 한동안 공백을 거쳐 새로운 풍격이 나타났다. 리처드 리머슈미드를 포함한 뮌헨 디자이너가 19 10 에서 개최한 전시회는 프랑스인들에게 깊은 인상을 남겼다. 그들이 전시한 실내작품은 미술과 실용예술의 결합으로 더 넓은 관중을 겨냥하고 있다. 모든 설계 작업의 기계 제조는 모두 높은 표준이다. 그때부터 일부 프랑스 디자이너들은 모더니즘 노선을 걷기 시작했고, 다른 디자이너들은 미술과 실용예술을 종합적으로 활용해 만든 조화로운 인테리어 디자인 사상을 흡수하여 당시 기하학 스타일을 바탕으로 전통적인 수공예 기법을 사용했다.
이 단계의 주요 인물 중 하나는 건축가와 R6 Ve ra 이다. 그는 프랑스가 루이 16 의 스타일을 계승하고 20 세기의 소박함과 18 세기의 패턴과 결합해야 한다고 생각한다. 이때 전통적인 불타는 횃불, 활과 화살 패턴과는 달리 기본 패턴은 꽃, 과일 바구니, 펜던트로 바뀌었다.
1925 파리 국제장식예술과 현대공업전은 이런 프랑스 스타일 (이하 장식예술) 이 세계로 향하는 지점이다. 전시회는 원래 19 12 로 예정되어 있으며 1925 로 연기되었다.
미국 디자이너를 초청하여 전시회에 참가했지만, 그들은' 현대' 작품이 없다고 생각했기 때문에 가는 것을 거절했다. 하지만 이후 미국 각 박물관과 각 상점에서 조직한 전시회에서 순회전을 벌여 이 새로운 스타일을 미국 대중에게 전해 미국이 자신의 스타일을 탐구하도록 추진했다. 미래주의자처럼, 그들은 기계, 자동차, 비행기의 영감을 받았다. 그들의 디자인은 기하학적이지만 미국식 디자인의 핵심 요소는 유선형이다.
기술은 설계에 헤아릴 수 없는 영향을 미쳤다. 공기역학의 발전으로 자동차와 비행기의 특징은 유선형이다. 그렇다면 왜 다른 것을 유선형으로 설계하지 않는가? 그때는 거의 집집마다 전기를 가지고 있었고, 라디오는 새로운 것이었고, 가전제품들은 활발하게 변화하고 있었고, 고층빌딩이 있으면 미국 장식 예술의 다방면성을 볼 수 있었다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언)
현대주의 디자이너와는 달리, 장식 예술의 구성원은 장식을 제창한다. 그들은 추상화를 사용하지만 순수한 기하학에 힘쓰거나 인조 소재의 혁신을 추구하지 않고 상아, 상어 가죽 등 유럽의 오래된 식민지에서만 볼 수 있는 재료를 선호한다. 장식 예술 운동은 1920 년대와 1930 년대 프랑스, 미국, 영국의 매우 특별한 디자인 운동이다. 이 운동은 유럽의 현대주의 운동과 거의 동시에 발생하고 발전하기 때문에 장식예술 운동은 현대주의 운동의 큰 영향을 받아 재료의 사용과 디자인의 형태에서 이러한 영향의 흔적을 분명히 볼 수 있다. 그러나 사상 발전의 배경으로 볼 때, 사상적으로 볼 때 현대주의 운동의 민주적 색채와 사회주의 배경은 장식 예술 운동에서 한 번도 일어나지 않았다. 장식 예술, 특히 프랑스 장식 예술 운동은 여전히 전통적인 디자인 운동이다. 스타일링, 색채, 장식동기에 새롭고 현대적인 내용을 가지고 있지만, 서비스 대상은 여전히 사회의 상류층과 소수의 자산계급 권력자이며, 이는 디자인 민주화와 디자인의 사회적 효과를 강조하는 현대주의 입장과는 크게 다르다. 따라서 이 두 운동은 거의 동시에 발생하고 상호 영향을 미치지만, 특히 현대주의가 장식예술운동이 형식과 재료에 미치는 영향은 두 가지 다른 범주에 속하며 각자의 발전 법칙이 있다. 20 세기 초에 한 무리의 예술가와 디자이너들이 새로운 시대의 피할 수 없는 가능성을 민감하게 깨달았다. 그들은 더 이상 기계적 형식이나 새로운 재료 (예: 강철과 유리) 를 회피하지 않는다. 그들은 프랑스에서 기원하고 서방국가에 영향을 미치는 영국 공예미술운동과 신예술운동에 치명적인 결함이 있다고 생각한다. 바로 현대화와 공업화의 형식을 단호히 부정하는 것이다. 시대가 변하여 현대화와 공업화의 형식은 막을 수 없다. 도피하는 것보다 적응하는 것이 낫다. 대량의 새로운 장식 동기의 채택은 기계적 형태와 현대적 특징을 더욱 자연스럽고 호화롭게 하여 새로운 탐구 방식으로 삼을 수 있다. 이러한 인식은 프랑스, 미국, 영국의 일부 디자이너들 사이에서 널리 퍼져 있으며, 특히 1920 년대에는 서구가 번창하고 미국이 급속히 발전하여 새로운 시장을 창출하고 새로운 디자인과 예술 스타일의 생존과 발전을 위한 기회를 제공했다. 이런 역사적 조건은 새로운 실험의 출현을 촉발시켰고, 그 결과 20 세기 초 또 다른 중요한 디자인 운동인 장식 예술 운동이 나왔다. 장식 예술 운동의 명칭은 65438-0925 년 파리에서 열린 대형 전시인 장식 예술 전시회에서 유래했다. 이번 전시회는' 신예술' 운동 후의 건축과 장식 스타일을 전시하기 위한 것이다. 전시회의 이름은 일반적으로 특별한 디자인 스타일과 특정 디자인 개발 단계를 가리키는 데 사용됩니다. 그러나, 장식 예술이라는 용어는 실제로 단순한 디자인 스타일만을 의미하는 것이 아니다. 1920 년대 색채가 알록달록한 이른바 재즈 패턴, 30 년대의 유선형 디자인 스타일, 영국 화장품의 간단한 포장부터 미국 뉴욕 록펠러 센터 건물에 이르기까지 새로운 예술 운동과 마찬가지로 적용 범위가 넓다. 그들 사이에는 * * * 관계가 있지만, 그들의 개성은 더 강하다. 따라서 장식 예술을 통일된 디자인 스타일로 보는 것은 적절하지 않다.
이데올로기와 이데올로기의 관점에서 볼 때, 장식 예술 운동은 허세 부리는 새로운 예술 운동에 대한 반동이다. "신예술" 은 중세, 고딕, 자연 장식을 강조하고 수공예의 아름다움을 강조하며 기계화 시대의 특징을 부정한다. 장식 예술 운동은 고전주의, 자연 (특히 유기적 형태), 순수한 수공의 조류에 반대하고 기계화의 아름다움을 숭상하기 위한 것이다. 따라서 장식 예술 스타일은 더욱 긍정적인 시대적 의의를 가지고 있다. 반면에 장식 예술 운동을 하는 시기는 현대주의가 진행되는 시기다. 따라서 운동이 장식의 효과를 얼마나 강조하든, 장식은 모더니즘이 반대하는 주요 디자인 내용 중 하나이며, 디자인은 모더니즘의 큰 영향을 받는다. 재료의 사용, 디자인 주제의 선택, 심지어 디자인 자체의 특성에서도 이 두 가지 디자인 운동에는 많은 내적 연관이 있다. 과거에는 장식 예술이 모더니즘과 반대되는 디자인 운동으로 여겨졌지만, 연구에 따르면 그것들은 매우 밀접한 연관이 있는 것으로 나타났다. 특히 미국의 산업 디자인과 장식 예술 운동은 때로는 완전히 헤어지기 어려울 때가 있다. 예를 들어, 미국 디자이너 raymond loeway 가 1937 에서 뉴욕 엑스포를 위해 디자인한' 산업 디자이너 사무실' 은 순수한 모더니즘인지 장식 예술 스타일인지 말하기 어렵다. 프랑스 모더니즘의 거장인 르 코브시예가 1920 년대 중반에 디자인한 가구도 두 가지 스타일이 모두 있다. 이것들은 모두 장식예술과' 현대주의' 의 관계가 완전히 모순되는 것은 아니지만, 형식적 특징상 밀접하고 복잡하다는 것을 보여준다. 양자의 차이는 주로 그들의 동기와 대표하는 이데올로기에 있다. 장식 예술은 프랑스 중심의 유럽과 미국 국가들의 오랜 전통을 계승했다. 부유한 상류층을 위해 봉사하는 것이기 때문에 여전히 고관 귀인을 위해 설계되었으며, 그 대상은 자산계급이다. 현대주의 운동은 디자인이 대중을 위해 봉사하는 것, 특히 저소득층 무산계급이기 때문에 작은 지식인들에게는 좌경, 이상주의, 유토피아라는 것을 강조한다.
일부 서구 디자인 이론가들은 장식 예술 운동을' 유행현대주의' 또는' 대중현대주의' 라고 부른다. 그 풍격은 대규모로 생산된 강관 가구, 자동차, 마천루와 같은 일부 인기 상품을 설계하는 데 사용되기 때문이다. 이 명칭은 오해하기 쉽다. 예술 풍격을 장식하는 주요 서비스 대상은 여전히 대중이 아니라 사회의 고관 귀인이기 때문이다.
1960 년대 이후 점점 더 많은 디자인 이론가들이 장식예술운동을 영국의' 공예미술' 운동과 유럽과 미국의' 신예술운동' 의 확장과 발전으로 보고 있다. 인테리어 동기의 관점에서, 혹은 그것이 강조하는 서비스 방향에서 볼 때, 이런 관점은 당연히 나무랄 데가 없다. 그러나 복잡성은 이 운동의 주요 발전 시기가 제 1 차 세계대전과 제 2 차 세계대전 사이라는 점이다. 이는 현대주의 운동 발전의 주요 단계이기 때문에 혼란이 잦다는 점이다. 이름으로 보면 좀 혼란스럽다. 예를 들어 프랑스에서는 이런 운동과 디자인 스타일을' 모더니즘' 이라고 부르고, 재즈 모더니즘이라고 부르는 사람들도 있다. 이런 스타일에 영향을 미치는 요소 중 하나는 미국의 재즈 음악과 연주이기 때문이다. 그러나 이데올로기적인 입장에서 볼 때, 장식 예술 운동이 강조하는 권세 있는 입장과 현대주의 운동이 강조하는 대중을 위한 사회주의 입장은 여전히 뚜렷한 차이가 있다.
Art Deco Sport Spinning 의 원단과 벽지 패턴의 선은 대부분 대자연의 아름답고 구부러진 몸 (예: 꽃줄기, 꽃봉오리, 덩굴) 에서 채취한 것이다. 인간 예술이 탄생한 날부터' 장식' 이라는 단어는 한 번도 떠난 적이 없다. 인류 예술의 기원은 원시 장식과 밀접한 관계가 있다. 유명한 예술사학자 볼프린은 "예술사는 주로 장식사" 라고 생각한다. 장식은 원시 사회 사람들이 창조한 예술의 심미 핵심이다. 각종 도자기 도안이 각종 장식미와 형식미의 표본이 되었다. 장식은 의미 있는 형식이다. 그것은 일종의 심미 형태일 뿐만 아니라, 더 깊은 의미를 가지고 있다. 그것은 특정한 사회적 감정과 문화적 의식을 포함하고 있다. 그것은' 장식성' 뿐만 아니라' 문화성' 이기도 하고, 질서, 선, 형태, 색채 등에서 사람들에게 심미적인 즐거움을 주고, 문화, 이상, 상징, 역사 등에서 사람들의 더 깊은 수요를 만족시킨다. 볼링거는' 추상과 공감' 에서 장식 예술의 본질적 특징은 한 민족의 예술적 의지가 가장 순수한 방식으로 표현된다는 것이다. 장식 예술은 예술에 대한 모든 미학 연구의 출발점과 기초를 반드시 구성해야 하며, 장식은 현대 디자인에도 중요한 연구 의의가 있다. 장식의 관점에서 우리는 현대 디자인의 발전을 분명히 볼 수 있다.
곤브리시는 그의 저서' 질서감' 제 2 판의 서문에서 "대담하게 말하자면, 나의 목적은 해석하는 것이다. 이 책의 부제가 발표한 장식 예술에 대한 심리학 연구는 주요 제목이 주장하는 이론을 세우고 검증하기 위한 것이다. 질서감, 이 질서감은 모든 디자인 스타일에 나타난다. 나는 그 근원이 인간의 생물학적 유전에 있다고 믿는다. 현대 디자인은 산업화 문명의 산물이다. 현대디자인은 현대인에게 서비스를 제공하는 예술 활동이자 현대경제사회의 생활방식이다. 현대주의 디자인 운동 과정에서 몇 가지 중요한 디자인 운동이 있는데, 항상 장식의 승화와 관련이 있다. 장식을 사용하거나 장식을 버리는 것은 대부분 현대 디자인이 장식을 둘러싼 새로운 발전이다. ⑴ "초심자 예술과 공예 운동" 과 장식
18 세기 산업혁명에서 19 세기 말까지 산업기술은 사람들의 생활방식을 바꾸었고, 제품 설계는 이런 변화와 혼란 속에서 발전했다. 사람들은 생활습관과 심리적으로 낡은 제품의 형식과 스타일에 대해 집요한 미련을 가지고 있는데, 이런 미련은 디자인의 장식적 특색과 전통 장식의 취향에 대한 강조를 보여준다. 인테리어와 기계화 생산의 모순은 불가피하다. 많은 디자이너들은 산업 제품의 디자인에 참여하기를 꺼립니다. 대부분의 산업 제품은 표준화와 대량 생산을 일방적으로 추구하며 장식미와 형식미의 요소를 무시하고 거칠고 추악하며 심미 정취와 풍격이 낮습니다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언)
185 1 년, 영국 런던 하이드 파크에서 열린 세계공업박람회에서 약간의 갈등이 드러났다. 대부분의 전시품은 외관이 거친 공업 제품이다. 많은 제품들이 불륜의 도안으로 장식되어 장식으로 그 형식의 추함을 메우려고 한다. 하지만 결과는 더 나쁘다는 것이 밝혀졌습니다. 이에 따라 존 로스킨과 윌리엄 모리스를 비롯한 식견 있는 사람들이' 초심자 공예 미술 운동' 이라는 디자인 스타일 개혁 운동을 벌여 예술가들이 생활로 들어가 대중의 이해와 수용을 받는 작품을 만들자고 제창했다. (윌리엄 셰익스피어, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) 빅토리아 시대의 위선에 반대하고 중세의 간단한 장식을 제창하고, 일본의 장식을 흡수하고, 자연에서 재료를 배우고, 새로운 디자인 스타일을 창조한다. 이것은 가치 있는 탐구이다. 그 영향은 유럽의 여러 국가에 퍼져 있어 새로운 예술 운동이 유럽에서 활발하게 발전하게 되었다. 이런 의미에서' 초심자 공예 미술 운동' 은 새로운 장식으로 교정에 반대하고 정교하고 합리적인 디자인을 제창하며 수공예품을 보존하는 것은 현대 디자인 사상의 형성에 중요한 영향을 미쳤다.
⑵ 새로운 예술 운동과 장식
영국의' 초심자 공예미술 운동' 에서 영감을 받아 19 년 말, 20 세기 초, 유럽과 미국에서 규모가 크고 영향력이 큰' 신예술운동' 을 발전시켰는데, 특히 건축, 가구, 공산품, 의류, 보석, 책 삽화에 나타난다 조각과 그림의 순수 예술 분야에서도 새로운 디자인 스타일과 예술적 면모가 나타났다. 프랑스, 네덜란드, 벨기에, 스페인, 미국 등 10 여 개 국가와 지역이 관련되어 19 10 정도가 점차' 장식 예술 운동' 과' 현대주의 운동' 으로 대체되고 있다. 이 운동은 가식적인 스타일에 반대하고 자연으로 돌아가는 것을 제창하며 식물과 동물 도안을 도안 디자인에 응용하여 미학적인 장식 스타일을 창조했다.
프랑스 가구 디자이너 Samur Bing 은 1895 에' 신예술의 집' 이라는 스튜디오와 디자인실을 개설하여 디자이너가 새로운 스타일을 창조하도록 장려했다. 1900 년, 그들은' 새 예술' 의 가구 작품을 전시해 대성공을 거두며' 새 예술' 이라는 이름이 전해지고 있다. 전시된 작품은 강한 자연주의 경향을 가지고 있다. 식물의 형태와 구조를 모방하다. 이것은 사무어 빈의 구호인' 자연으로 돌아간다' 와 일치한다. 새로운 예술 운동은 매우 특별한 장식 스타일을 창조했다. "헨리 반더펠드의 인테리어 디자인에서 케마드의 파리 지하철 입구 디자인, 안토니 가우디의 건물에서 캠의 대형 포스터에 이르기까지 전례 없는 비역사적인 새로운 장식 스타일 탐구력이 있다." 이 디자인 운동은 장식과 자연주의를 이용하여 예술과 수공예를 제품 디자인과 결합시켜 20 세기와 19 세기의 교분의 전형적인 디자인 스타일을 만들어 다가올 현대주의 시대의 전주곡이 되었다.
⑶ "장식 예술" 운동과 장식
장식 예술 운동은 1920 년대와 1930 년대 프랑스, 영국, 미국 등에서 발기된 디자인 운동이다. 그것은 유럽 현대주의 운동과 거의 동시에 발생하며, 양자는 서로 어느 정도 영향을 미친다.
현대화와 산업화가 점차 사람들의 생활 방식을 변화시킴에 따라 예술가들도 새로운 장식 방식을 찾아 제품 형식을 현대 생활의 특징에 맞추려고 시도했다. 1925 년 파리에서 대형 전시회' 장식예술전' 이 열렸다. 이번 전시회는 새로운 예술 운동 후의 건축과 장식 스타일을 보여 주며, 새로운 예술 운동에 대한 사상과 형식에 대한 위선적인 반응이다. 고전주의, 자연주의, 순수한 수공업 형식에 반대하고 기계의 아름다움을 제창한다. 현대 디자인의 발전으로 볼 때, 그것은 긍정적인 시대적 의의를 가지고 있다. 장식 예술 운동은 단순한 스타일 운동이 아니라 대부분 전통 디자인 운동에 속한다. 즉, 낡은 장식을 새 장식으로 대체하는 것이 주된 공헌은 스타일과 색채에 현대 내용을 표현하고 시대적 특징을 표현하는 것이다.
공예미술 초심자' 운동,' 신예술운동' 또는' 장식예술' 운동은 모두 장식에서 출발하여 새롭고 합리적이며 완벽한 디자인 스타일을 발전시켜' 장식' 의 예술적 가치를 넓혔다. 그 중에서도 장식에 대한 긍정과 발전은 현대 디자인 변화의 원동력을 직접적으로 구성한다. 현대주의 디자인 스타일은 현대예술운동과' 신건축' 운동의 영향으로 발전한 것으로 알려져 있다. 기계적인 아름다움, 기능미, 이성적인 디자인 숭상, 단순함과 실용성, 장식작용 부정, 형태와 기능의 관계 반대 등을 강조하는 사회민주적인 색채를 띠고 있어 다른 디자인 스타일을 발전시켰다.
일찍이 1892 년 미국 시카고 학파의 건축가 설리번은 "우리가 일정 기간 동안 장식을 완전히 포기할 수 있다면, 우리의 사상이 완벽한 건축과 아름다운 나체에 예리하게 집중할 수 있다면, 우리의 미적 흥미에 큰 도움이 될 것" 이라고 제안했다. 그의' 형식 복종 기능' 사상은 기능주의의 선언과 핵심 사상이 되었다. "새로운 예술" 운동의 핵심 인물 중 하나-팬? 덕? 1894 와일드는' 예술을 위한 장애물 제거' 라는 글에서' 미의 첫 번째 조건은 이성 법칙과 합리적인 구조에 따라 제작된 기능성 작품' 이라고 제안했다. 이러한 사상은 기계 미학의 선구자가 되었다. 오스트리아 건축가 아돌프? 루스는 기능의 중요성을 극치로 선전했다. 그는 장식을 매우 싫어한다. 1898, 그는 한 문장 중 "장식에 의지하지 않고 형식미만 추구하는 것이 전 인류가 달성하고자 하는 목표" 라고 썼다. 그는 또한 "문명의 진보는 유용한 것을 장식에서 제거하는 것과 같다" 고 말했다. 그는 장식을' 낙후',' 포르노',' 낭비' 로 분류했다. "인테리어는 에너지 낭비이기 때문에 아이의 건강을 낭비하는 것은 항상 이렇다. 그러나 오늘도 재료의 낭비를 의미하고, 이 둘의 결합은 자산의 낭비를 의미한다. " 1908 년 루스는' 장식과 죄' 를 출판했는데, 그 내용은' 장식은 범죄' 라는 구호로 요약할 수 있다. 이 이론들은 어느 정도 현대주의 운동의 지도 사상으로 작용하고 현대주의 디자인을 기능주의 디자인의 방향으로 밀어 넣었다.
바우하우스는 현대 디자인 운동의 요람이자 모더니즘 디자인의 절정을 예고하고 있다. 바우하우스는 그로페스트가 19 19 년 독일 바이마에서 창립했고14 (1919) 예술과 기술의 결합을 제창하여 현대주의의 디자인 풍격을 형성하였다. 그것은 원시 장식 형식의 디자인이 모더니즘의 이성적인 디자인으로 대체되었다는 것을 상징한다.
바우하우스가 나치에 의해 폐쇄된 후, 그 주요 교육 간부와 학생은 유럽과 미국에 흩어져 이성적인 디자인 사상이 전 세계에 널리 퍼져 있게 되었다. 40 ~ 50 년대의' 국제풍' 은 바우하우스 디자인 스타일 대중화의 결과이다. 국제주의 스타일' 은 장식을 완전히 거부하고 기능지향적인 이성정신을 규범으로 한다. 현대주의 설계사, 기계미학 대표 인물인 르 코브시예는 "집은 살아있는 기계" 라고 제안했다. 이것은 고전적인 기계화와 기능화된 디자인 이념이다.
65438 년부터 0958 년까지 미스 반더로와 필립 존슨이 디자인한 뉴욕 시글렘 빌딩은 국제주의 스타일의 랜드마크이자 미스 반드로가' 적은 것이 많은' 디자인 사상의 산물이다. 합리성과 기능성을 지나치게 강조하는 심플한 디자인으로 개성과 인간미가 점점 부족해져 짜증이 나고 있다.
현대주의 디자인의 장식에 대한 배척은 장식의 실종을 의미하지 않는다. 반대로, 장식은 새로운 형태로 나타난다. 영국 학자 피터 콜린스 (Peter Collins) 는' 현대 건축 디자인 사상의 진화' 라는 책에서 "19 세기 장식의 과도한 사용으로 인해 장식이 폐기되는 것이 사실인가, 아니면 장식이 옷차림의 변화일 뿐인가?" 라고 썼다. 그는 "장식이 미래에는 사라질 것" 이라고 생각했고, 그것은 단지 무의식적으로 구조에 녹아들었을 뿐이다. " 현대주의 디자인은 장식과 구조를 동화시켜' 장식이 없는 장식' 을 창조했다. 국제주의에 대한 사람들의 지겨움으로 1960 년대에 디자이너들은 대중의 심미적 재미를 만족시키기 위해' 포프 디자인' 을 도입했다. 아속공상의 목적을 추구하다. 그래서 색상과 장식은 모두 재사용됩니다. 그리고 1970 년대에는 다양한' 포스트모더니즘' 스타일이 등장해 국제주의 디자인의 단조로운 형식에 반대했다.
포스트모더니즘' 디자인은' 현대주의와 국제주의 디자인에서 대량의 역사적 장식 동기를 지닌 절충주의 장식의 디자인 스타일' 을 가리킨다.
포스트모더니즘 디자인은 모더니즘 디자인에 대한 도전이며, 모더니즘과 국제주의 디자인의 장식 발전이다. 디자인 중인 국제주의와 미니멀리즘에 반대하며 장식 수단을 통해 시각적 심미 즐거움을 얻고 소비자 심리의 만족을 중시하는 것을 제창한다. 디자인에 대량의 역사 장식 기호가 사용되었지만 단순한 복고는 아니다. 그들은 절충적인 방식을 취하여 전통 문화 배경과 현대 디자인을 결합하여 장식 예술의 새로운 단계를 창조했다.
포스트모던 디자인은 본질적으로 모더니즘 디자인을 전복하고 부정하는 것이 아니라, 실제로 기능적인 요소를 바탕으로 형식상 개인화와 감정화된 장식 효과를 부여하는 것이다. 포스트모더니즘 디자인 이론의 권위, 미국 비평가, 건축가, 작가 찰스 제임스 자신이 말했다: 포스트모더니즘은 모더니즘에 다른 것을 더한 것이다.
포스트모던 디자인에는 고딕, 바락식 등과 같은 역사적 풍격을 대량으로 사용한다. 고전주의에서 르네상스에 이르기까지, 임의로 장식 부호를 유용하고, 농담, 조롱, 과장, 묘사를 하며, 각종 역사적 풍격의 융합, 접합을 통해 장식 효과를 달성한다. 많은 작품들이 이 이 특징을 구현했다. 예를 들어, 찰스. 무어는 미국 뉴올리언스의 이탈리아 광장을 설계했다. 필립 존슨의 AT & amp；; T 층 등등.
포스트모더니즘 디자인의 부흥은 주로 미국 건축가 로버트에 있다. 그는 엄숙하고 냉막, 단조로운 모더니즘, 국제주의 디자인 스타일로 인한 억압에서 벗어나기 위해 건축에서 처음으로 명확한 포스트모더니즘 주장을 제기했다. 문추리는 현대주의와 국제주의가 추하고 평범하다고 생각했고, 그는 유머러스하게' 적은 것이 많은 것' 이라는 교조를' 적은 것이 지루하다' 로 바꾸었다. 1969 년 벤추리는 역사 건축 부호를 이용하여 펜실베이니아주 후타오산의' 문추리 주택' 을 장난스럽게 설계했다. 그것은 완전한 포스트모더니즘의 특징을 가진 최초의 건물이다. 포스트모더니즘 디자인이 발전함에 따라 디자인에서의 장식의 지위가 돌아왔다. 피터 호프만은' 80 년대의 미국 건축' 이라는 글에서 "장식은 더 이상 죄악으로 간주되지 않는다" 고 말했다. 거의 모든 이 건물들은' 장식' 에 대한 새로운 흥미를 충분히 보여 주며, 한 건물에 대한 흥미를 보여준다. " ⑵ 제품 디자인 분야에서는 이탈리아인 소테사스 등으로 구성된' 멤피스' 디자인 팀을 대표해 디자인이 독특하고 색채가 풍부하며 장식성, 유행성, 오락성이 강하다. 포스트모더니즘 디자인의 두드러진 특징은 그 역사주의, 장식성, 절충주의, 오락성에 있다. 이러한 기술의 운용은 사람들의 각 방면의 수요에 적응하여 현대주의와 국제주의가 공업 제품에 초래한 이성과 냉막 감각을 점차 쓸어가고 있다.
현대주의 디자인의 발전을 보면 장식의 의미를 알 수 있다. 그렇다면, 예술 기호로서,' 장식' 은 미래의 디자인에서 사라지지 않을 것이다. 그것은 예술과 문화의 상징이다. 그리고 인테리어는 사람의 심리적 요구에 부합한다. 허버트 처럼? 리드는' 공예미술의 역사와 이론' 에서 "장식품의 필요성은 심리적이다. 인간에게는 두려움이라는 감정도 있다. 참을 수 없는 외로운 공간이다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 용기명언). " 그는 또한 "인테리어에 대한 유일한 논평은 그것이 어느 정도 두드러져야 한다는 것이다. 나는 일반적인' 추가' 라는 단어를 사용하지 않는다. 양식이 맞으면 아무것도 추가할 수 없기 때문이다. " ⑶ 그는 합리적인 장식이 작품을 더욱 아름답게 만들 것이라고 강조했다. 이탈리아 피스그룹의 디자이너 소사스는 디자인이 생활방식의 디자인이어야 한다고 말했다. 확실히 미래의 디자인은 본질적으로 생활방식의 디자인이고, 적절한 장식은 아름다운 생활방식을 설계하는 중요한 수단이며,' 적절한 장식' 으로' 사람을 기쁘게 한다' 는 목적을 달성하는 것이다. 그것은 사람들을 예술적이고 시적인 삶으로 인도할 것이다.